Eileen Nisbet (1929-1990) - Oval

Underbart och mycket sällan till salu, porslinsmosaik-konstverk av den mycket kända brittiska pionjärkeramikkonstnären Eileen Nisbet. Den här föremålet visar miniatyrinläggningar i färg och cylindriska porslinselement som kopplingar mellan ett antal olika formade och orienterade mycket tunna porslinsblad.
Två liknande verk såldes av auktionshuset Phillips för mer än $5000.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptur. En kort introduktion.

När funktionell keramik dominerade visade Eileen Nisbets abstrakta keramiska skulptur henne vara en av de mest innovativa keramikerna som arbetade under tiden. Hennes verk visades vitt spritt både i Storbritannien och internationellt, och hon var också en inspirerande lärare och en drivande kraft bakom Keramik-kursen vid vad som nu är Central Saint Martins College of Art and Design i London.

En konstnär med fullständig hängivenhet; hennes produktion var produktiv från tiden då hon lämnade konsthögskolan tills hennes död.

Denna webbplats är avsedd att vara en pedagogisk och praktisk resurs för studenter och forskare och att katalogisera arbetet av en unik och betydelsefull konstnär.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptör
1929 - 1990.
Liv och arbete.

Eileen Nisbet intog ett unikt utrymme i 1900-talets keramik. Vid en tid då funktionell keramik dominerade var hennes arbete helt annorlunda än samtidens. Under de sista femton åren av hennes liv utvecklade hon ett anmärkningsvärt sätt att arbeta med porslin och skulle kunna sägas vara en av de mest innovativa keramikerna som arbetade vid den tiden. Till erkännandet av detta köptes exempel på hennes keramiska skulptur till många privata och offentliga samlingar.

Som barn växte hon upp i norra London, och i början av andra världskriget skickades hon till bussterminalen för evakuering, men i sista minuten bestämde hon sig för att smita tillbaka och återvände till sin familj för att stanna i London under Blitzen. Under sina formative år blev hon mycket nära sin äldre bror James Hull, som hade en passion för måleri och som i början av 1950-talet skulle bli en av de första brittiska abstrakta målarna i avantgardistrenden. Det var genom James inflytande som Eileen utvecklade en fascination för teckning, abstraktion och Bauhauss läror. Hon sökte till Hornsey College, som var hennes lokala konsthögskola, men avleddes från den traditionella måleriavdelningen till keramik och färgat glas. Här skulle hon träffa studiekamraten Michael Casson, med vilken hon skulle bilda en livslång vänskap. Sedan vid Central School of Art tog hon Grundkursen i konst, under William Turnbull, följt av NDD Ceramics-kursen, med Kenneth Clark som handledare. Men hennes ambitioner som student var att bli målare och de bredare frågorna om målning, teckning och skulptur utgjorde fortsatt grund för hennes arbete. Denna intresse fortsatte efter examen 1963, när hon fortsatte att tillverka keramik, men det var genom experiment med teckning direkt i lera som Nisbet fann att hon verkligen kunde uttrycka sig.

Detta diagram visar utseendet av nytt arbete när hon gjorde det, vid vissa perioder i sin karriär. Dess betydelse kommer att bli tydlig när du läser vidare.

Även om hon älskade kärl tyckte Nisbet inte om att dreja dem på ett hjul. Genom att göra en plattare, pressformad skål skapade hon ett mjukt kurvat landskap där hon kunde pröva ett antal enkla teckningar. Dessa härleddes initialt från linjen som skapats av vattennivån som rör sig runt insidan av en lutande behållare och inflytandet från Paul Klees verk, där hon låter en linje följa en vandring. Förfiningen av en rik, halvmatt bärnstenglasy och den särskiljande klarheten i de linjära mönstren accentuerat med inläggningar i mörkbruna/svarta oxider gjorde dessa skålar mycket populära - (se Dish/D1271).

I ett avsnitt av Michael Cassons ’The Craft of the Potter’ (BBC) kan man se henne i processen att göra några av dessa linjer på en skål. Hon talar kort om relationen mellan den släta kurvan på skålen och den grävda linjen, medan hon vänder skålen i ena handen och styr verktyget med den andra.

"Efter att ha beslutat mig för denna form, och användningen av inciserad eller skrapad linje, insåg jag att jag måste lära mig hur brant den kurvan var, hur snabbt den stiger när man skär en linje, för att producera kurvor och raka linjer på order. Jag ville att dekorationen skulle vara ett slags underhållning så att om du bara ser halva dekorationen på en snabb blick, ska det få dig att vilja se vad som händer på andra sidan." EN. ’The Craft of the Potter’ BBC 1976.

Den orubbligt flytande stilen är ett hypnotiserande skådespel och visar konstnären helt i samklang med sitt medium och sin personliga vision, även om hon vid denna tid hade gått vidare till en helt annan typ av arbete.

Det var Nisbets konversion till porslin 1975 som resulterade i den mest innovativa och fruktrika perioden i hennes karriär. Efter att tidigare ha arbetat med det hade hon alltid betraktat mediet som begränsat och ogillat dess "känslighet", men på uppmaning av Pan Henry vid Casson Gallery att delta i en utställning av porslin accepterade hon inbjudan som en utmaning. Det nya mediet krävde ett helt annat tillvägagångssätt till hennes arbete, den täta strukturen hos förbränt porslin ger en möjlighet till styrka och tunnhet till nivån av genomskinlighet. Hon fann att det kunde behandlas nästan som papper. Efter att ha gjort en serie porslinskålar med breda, platta kanter beslutade hon att avstå från alla funktionella aspekter och experimentera med plana ytor. Dessa vändes upp och bildade ett skulpturalt språk, som hon skulle utveckla under de kommande femton åren.

Tidigare plana arbeten från 1975 till 1977 hade ingen färg applicerad, och var beroende av ljus och skugga som skapades av varierande tjocklek av lera och samspelet av genombrutna hål, inåtvända cirklar och spår. Med få undantag var dessa verk abstrakta konstruktioner. Skulpturerna skulle visas bakgrundsbelysning för att sammanfoga de dekorativa funktionerna med den papperslika kvaliteten hos keramiken (se FishForm/E1152) från Light and Plane-sektionen). Bortsett från deras skönhet och innovativa tekniska egenskaper är denna period av arbete också anmärkningsvärd för sina starka band till hennes tidigare utbildning i färgat glas; arbete med ljus och tvådimensionella plan i ett tredimensionellt område.

Efter noggranna experiment för att elda tunna ark utan vikning eller distortion utvecklade hon den väsentliga tekniken som assemblage. De färdiga formerna, som måste brännas plant, lades lager-på-lager vertikalt genom att binda samman cylindriska porslinsanordningar mellan dem. Vid den tiden ansågs denna sammankoppling som ett uppseendeväckande förfarande, även om dagens användning av starkt lim i keramisk skulptur är något vanligare.

Hon arbetade på ett noggrant och metodiskt sätt och var mycket sparsam. Till en början tillverkades varje del av en skulptur så att den relaterade till andra delar i arbetet, men ofta ändrades deras plats i den slutliga kompositionen från vad som ursprungligen föreställdes. Det var också viktigt att arbetet var fysiskt stabilt när det placerades på ett bord, en övervägning som ofta gick emot det estetiska. Monteringsprocessen var något Nisbet lade enorm möda på att få rätt, ibland gjordes delar om med subtila förändringar och de första försöken förvarades.

"När man sätter samman former finns det en mycket fin linje mellan där något ser bra ut och där det inte gör det. ... Att börja med en särskild form betyder att man måste hitta andra att gå ihop med den och allt måste motbalanseras i det estetiska och fysiska sammanhanget. Det kan vara mycket svårt att arbeta fram dessa relationer." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

Efter att ha pressat gränserna för det nya materialet kände Nisbet att även om porslinets egenskaper fortfarande var viktiga, var dess genomskinlighet som ett ändamål i sig inte tillräckligt. Hon prövade en ytterligare serie av assemblage först genom att kontrastera det släta porslinet med den grova texturen av vit, groggad stengods (se WhiteMask/T1043) från Panels-sektionen) och sedan genom att använda porslin ensamt men i tjockare skivor. Det kan ses från LargeGame/G1706 att som vanligt är syftet inte så mycket lekfull blandning av former, utan som skivornas drivkraft att skapa mer aktiva ytor där linjer och ytor drar ögat genom deras inbyggda hoppande och rullande element.

’Large Game’ är en av de första skulpturerna som fått färgrika slipar applicerade. Inom materialets begränsningar fick en begränsad palett av dämpade färger med ett noggrant balanserat tonomfång utformas.

1978 började de första planformade kärlformerna, dessa fortsatte det plana temat men införlivade den rundade silhuetten och läppen detaljer översatta från kärlkeramik - (se PotWithLip/P930).

"Båtarna uppstod genom ’platta’ teckningar som jag gjorde när jag designade färgat glas. Silhuetten måste förmedla alla viktiga detaljer från en enda synvinkel. Dessa keramiska skålar (som för mig) är som teckningar, platta, men visar form, kanter, inuti, handtag i ett ögonblick." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

'eftersom denna kruka inte är menad att innehålla någonting, behöver jag inte göra den rund eller förena sidorna. Min visuella bild är tydligare på det här sättet.' EN. Utsaga för Anatol Orient. 1983.

Nisbet fortsatte att använda färg i små områden för att dra och fokusera ögat. Först bulls-eye-motivet på HorizontalFlower/F743 och sedan, särskilt, i ränder på Flyer/P436, som abstrakterade idén om dekoration så att den kunde flyga av krukan som en flagga.

"Färgen används flyktigt, som ett färgförslag, en färgblandning, en medvetenhet, snarare än att specificera 'Det här är en blå skål'." EN.

'De målade ränderna används över en föreslagen rund form av krukans eller skålens form i ett grafiskt sätt och blir en annan form som som en flagga, som flyger av krukan och ger en känsla av rörelse till en statisk form.' EN. Utsaga för Anatol Orient. 1983.

Inspirationen till skulpturerna under denna period kom från diverse källor men särskilt från flygplan, propellrar, blomform och de var alltid favorit. Generellt sett var dock hennes influenser ackumulerade från erfarenheter snarare än särskilda teman. Hon fann ett visuellt värde i de flesta saker, även vardagliga och till synes insignifikanta objekt utforskades genom omfattande kuvert-skissor. Denna disciplin av att titta och förstå var kärnan i allt hennes arbete. Vissa av hennes skissböcker ger en inblick i hennes arbetsmetoder och idéutveckling.

Kvaliteten som var gemensam för Eileen Nisbets arbete genom hela hennes karriär var en aviskning av form till dess essens. Hennes verk var avsedda att fånga stämningen i ett objekt, snarare än dess bild. Av GerminatingSeed/F759-skolorna skriver hon –
'This sculpture does not represent a flower, nor is it a 'new' flower, but about a flower. It contains some of the ideas about a plant from a seed with a single wiggling root, transforming into a bud, bursting into flower, showing first signs of coloured petals. In the minds eye, the root then becomes a curling stalk.' EN. Utsaga för Anatol Orient. 1983.

'Med aeroform-delarna sökte hon uppnå en känsla av rörelse så att ... även om föremålet inte har någon kraft att röra sig, kan det verka som om det precis har landat eller är på väg att lyfta.' EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

En kombination av Nisbets entusiasm för att skapa större verk och det ökade antalet förfrågningar från internationella kuratorer ledde till ett behov av att göra skulpturerna mer motståndskraftiga. Stora tunna strukturer skulle vara mindre motståndskraftiga mot skador under transport, så skivorna gjordes tjockare i proportion till deras storlek och var inte längre avsmalnande i kanterna. Denna förtjockning av planerna öppnade fler möjligheter för kantbehandling, särskilt utvecklingen av en laminar flint-liknande kant på BowlWithRainbow/P1187 och senare jygg-former, men som först visades på SimpleOval/E1119 1978.

Sökandet efter nya material och teknisk finslipning blev en integrerad del av tillverkningsprocessen. Efter en serie tester med olika tillsatser för att ge en matt yta fann Nisbet att keramiska emaljer som nyligen blivit tillgängliga kunde användas på porslin för att uppnå ljusa genomskinliga färger liknande akvarell. Till keramiska puristiska missnöje skulle från 1985 framåt hon använda keramisk emalj exklusivt för pålagd färg (se WingAndLoopHandledJugs/P452).

Särskilt utvecklade fragmentmönstrade marquetry-liknande element, som användes i fläckar på några av senare kannorna, kontrapunktar målningen och inläggningen av linjekonst. Smidigt böjbara handtag blev möjliga genom finjustering av bränntemperaturen; som ger subtila och varierande skuggdetaljer till de plana planerna. 'Loop Handled Jug’ har en lyrisk Twist i handtaget och ShardJugOnTable/P1636 har en kant formad i den annars plana kroppens plan.

Väl utvalda naturliga skifferläktstenbeläggningar från Nisbets omvandlade Cornish-borg ingick som skuggor eller bakgrunder i flera verk inklusive ’ den förtjusande BoatBowlWithLip/P986 från 1988, som också har fin ytasdetailj som gjorts genom att fylla repor med lätt applicerad mycket grovt sandpapper med färgad slipp. Teknikerna bakom färgens textur på VesselWithLip/P1144 och på många av krukorna tillverkade 1989 och 1990, är mer arbetet av en fin konstnär och tryckare.

"Jag älskar kärl – även om jag aldrig gör dem – särskilt runda. ...Folk brukar tänka på keramisktillverkare som gör saker som är runda, på hjulet eller för hand. Jag upplever detta som mycket begränsande så jag tenderar att använda lera för vad det tillåter mig att göra. Jag gillar att tänka på lera bara som ett material för att uttrycka idéer." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

En av hennes sista arbeten är en enkel, platt rektangulär porslinspanel på vilken en målning gjordes (se Painting/T1503). Detta skulle vara starten på en ny serie, men tyvärr försämrades hennes hälsa. Hennes död kom vid en tidpunkt då Eileens karriär verkligen var på väg att få fart, både vad gäller kreativ utveckling och erkännande.

Central School of Art i London (nu Central Saint Martins College of Art and Design) förlorade också en av sina mest engagerade och inspirerande lärare, en roll hon uppfyllde från 1963 till slutet av hennes liv. Förutom att ge praktiskt förstahandstöd gav hennes entusiasm och empati henne förmågan att snabbt hitta en students verkliga potential och sedan locka fram den, utan att påtvinga sina egna idéer. Förutom tjänster som Senior Lecturer var hon en drivande kraft i utvecklingen av keramik-kursen och hade starka åsikter om vad studenter borde kunna uppnå och vad kursen borde tillhandahålla.

Eileen Nisbets känslighet och självutplånande gjorde henne till en mycket speciell lärare, men kanske bidrog dessa drag även till hennes blygsamma försök till självfrämjande. Hennes engagemang var först mot hennes arbete och hennes studenter, och kommersiell framgång var mer en biprodukt än en prioritet. Denna aspekt av hennes karaktär och arbetets unikhet, tillsammans med den snäva mediebevakningen av keramik vid den tiden, har lett till att Eileen Nisbet blivit något bortglömd.

Referenser:

Peter Lane – Studio Porcelain Contemporary Design and Techniques. Pitman.