Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#123 - M - " Lava #2 ".

Spray-akryl på plexiglasplatta av 3 mm (UV-beständig).
Genomskinlighet på orange tryck.
Denna tavla är inte en print. Det rör sig om ett originallt verk i flera skikt där den glansiga utförandet "glossy" nära appliceringen av ett resin-liknande yta är unikt.

Dimensioner: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Svart mat (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns vid frakt till en extra kostnad på 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveransen omfattas av försäkring.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Ytterligare information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av den naturliga skönheten och kulturens rikedom i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl- färger i A4- och sedan A3-skrivböcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till non-funzionalistisk målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en uppskattning för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.

Under mer än tre decennier fruktade jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv, utsatte mig för en bred uppsättning kulturella influenser. Wherever I went, I immersed myself in the local art scenes and engaged with the creative energy of each place.

Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt kokande under ytan. I nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom genuina upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt konsten. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett ledigt sakristii i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade upp en distinkt ansats inom konsten, bortom traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglass (Perpex), en lätt, jämn, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag får ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” – allt går för att avkoda förnuftet! – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen visas. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst tar slumpen frågorna; meningsfulla ”tillfälligheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse/fixering inom fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser och ger samtidigt varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, dvs det vi troligen upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan ett vidgat medvetande och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser; min konst är en sökande efter ”livet vid livets hjärta”, vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla föremål är de föremål i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller syfte; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar orsak att existera, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan likna glasets genomskinlighet och ljuslighet, är det i stort sett helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen siluett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, avsaknaden av delar kräver också empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer på nära håll” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avståndet för helheten” att uppmuntra betraktarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk om vad som kan uppnås. Enkelt uttryckt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågans process och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vad jag mer kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken fördubblar lusten att se.

Om sammanhanget i min praktik

På samtidskonstens landskap, där begrepp och form väger lika mycket, söker jag skapa verk definierade av närvaro snarare än framträdande. Mina målningar – glänsande färgfält och ljus inom plexiglas – är tysta resultat av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på slutbilden än på det lugna samspelet mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre sammanlänkade intentioner.

Den första är en tillbakadragning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening, eller syfte”, hoppas jag mjukt lossa förväntningar om berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt slags blick.

Detta leder till den andra intentionen: Förstahandsupplevelsen. I det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag tänker på som en ”upplevelse av varande.” Arbetet blir mindre ett objekt att tolkas än ett tyst händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager, och betraktarens första möte med sin egen blick. Som jag ofta nämner, lever verket, det förändras, det ser.

Den tredje är där idé möter hand: Process som inbäddad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i tillverkningsakten. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet, så att målningen blir vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullt uppenbart först när det är klart. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning – ett tålmodigt väntande på vad som anländer ”här och nu.”

Dessa intentioner hålls av några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”tillfällen”/”samband”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slump är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske vad som delas inte är ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i verken, men den är märkligt inriktad på nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket själv tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet

Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar på ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen fri vilja.” Jag dras till det som känns fullständigt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praktik är skyldig den andan av Art Informel, även om den kanske har färreängt och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en brytning, utan en tyst medarbetare.

I centrum står en sökande efter le vif – det levande kärnan. Verket lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den mångfaldiga skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik som vilar på tyst paradox inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner