Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Sprayakryl på plexiglasplatta 3 mm (UV-skydd).
Denna målning är inte en tryckning. Det handlar om ett originalverk i flera skikt där den blanka, glansiga ytan som liknar resin är unik.

Dimensioner: Ang 17,3" * 12,6" * 0,12" / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Målningen levereras utan ram.
Ramen av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520, faner Ek Vit (Ang 0,23" * 1,38" / 0,6" * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning – Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp bland naturlig skönhet och kulturell rikedom i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande satte fröet till vad som så småningom skulle bli min livs passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylers i A4- och sedan A3-skrivhäften – jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot dig, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans tillvaro och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli en konstnär var inte direkt.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för en mängd kulturella influenser. Var jag än åkte, fördjupade jag mig i de lokala konstscenerna och engagerade mig i den kreativa energin hos varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär fanns konsten alltid inom mig, lugnt sjungande under ytan. Nästan 30 år blev målningen en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i målning. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över deras egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. i slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min överraskning fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Kunstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt metod till konst, bortom traditionell måleriteknik: jag målar med akryl, metalliska pigment och sprejar på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process förhindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” – allt går för att kortsluta förnuftet! – att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; som mest ställer slumpen frågor; meningsfulla ”samtida” är bara möjliga med stor disciplin. Denna metod som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och frigörande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens, samtidigt som varje verk får en ”asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, det vill säga vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb förbrukning” eller ”intellektualisering / intellektuell besittning”, utan medvetandets breddning och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga historier, min konst är en strävan efter "livets kärna i livet", vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan föremål. Precis som alla föremål är de föremål av sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar orsak att vara, slut eller syfte. Även om mitt arbete ibland kan framkalla genomskinligheten och luminescensen hos stained glass, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan få en glimt av sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspelarens ljus, färg och textur, inklusive de saknade delarna, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer för närbilden” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avståndet för helheten” uppmuntra åskådare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje nytt verk är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning är för mig ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en strävan efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella eran har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar lusten att se.

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form väger lika mycket, söker jag skapa verk som definieras inte av synlighet, utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det tysta samspelet mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre samordnade avsikter.

Den första är en tillbakadragning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening eller sense” hoppas jag försiktigt lossa förväntningen av berättelse. Det är en inbjudan att avstå från avkodning, och gå mot ett mer direkt slags betraktande.

Detta leder till den andra avsikten: Priori av erfarenhetsgrundad kunskap (Primacy of Lived Experience). I det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag tycker mig kalla en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som förkroppad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell feedback, är en fysisk praktik av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandets ögonblick. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet, låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig själv”, helt uppenbart först när den är fullständig. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett patient väntande på vad som kommer ”här och nu.”

Att hålla dessa avsikter upprätthålls av några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om ”meningsfulla ‘samsägningar’,” men de är bara möjliga inom noggrant uppsatta gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas inte är ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgi för nuet
En mjuk nostalgi dröjer sig kvar i arbetet, men den är märkligt nog riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men strävar efter ett resultat som känns självständigt, som om det "förkommit av sig själv". Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig åt andan av Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är ett uppehåll, utan en tyst medarbetare.

I hjärtat ligger en sökande efter ”le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den blygsamma skala jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till resiliens.

Anton Kaestner