Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#485 - M - " Landskap #1 ".

Sprutakryl på plexiglasplatta av 3 mm (UV-skyddande).
Denna tavla är inte en inpressning. Det är ett originellt "multipellager" verk vars glänsande, glassliknande renditions tillämpning som liknar en resins yta är unik.

Mått: Tum 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Ramen av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520 klädd ekvitt (Tum 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en tilläggsavgift på 90 € inkl. moms.

Verket är signerat bakpå.
Ett äkthetsintyg följer.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visats över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och valmöjligheter finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separata utställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av naturskönhet och kulturell rikedom i mitt hemland. Kreativiteten värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimentera med otaliga akryler i A4- och sedan A3-skrivhäften - jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt framifrån, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig själv som ateist, utvecklade jag också en kärlek till andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av mänskligt existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omgående.
Under mer än tre decennier förföljde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från Förenta staterna till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor utvidgade mitt perspektiv och exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick, sänkte jag mig i de lokala konstscenerna och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt sjungande under ytan. I nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig - ett sätt att bryta fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom genuina upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, helt ägnade jag mig åt målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistiskt CV

Min första separatutställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024, presenterade en distinkt ansats till konst, bortom traditionella måleri­tekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprayer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, mjuk, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket i utvecklingen. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” - allt går för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst tar slumpen frågorna; meningsfulla ”samband” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse-/fixed-processen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser och ger varje verk en „asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi står stilla i tystnad och ljus.

Jag behåller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelse av varandet. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell ägande”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en strävan efter ”livet vid livets hjärta”, för vad Alain Damasio kallar ”le vif”.
Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Likt alla objekt är de objekt i sig själva. De har därför varken innehåll, mening eller mening; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som inte heller har någon särskild anledning att vara, slut eller syfte. Samtidigt som mitt arbete ibland kan väcka transparens och ljus i färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglaset målningen en skimrande hud där man kan se sin egen kontur, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspelt mellan ljus, färg och textur, även avsaknaden av delar, kräver empati. Förhoppningsvis uppmuntrar spelen mellan ”detaljer för närbild” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”avstånd till helheten” åskådarna att ge sig ut på egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och tillväxten. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsålder har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar lusten att se."

Om sammanhanget i min praxis

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika mycket, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de tysta resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det verkliga fokuset mindre på den slutgiltiga bilden än på det lugna samspelet mellan tanke och process som låter den uppstå.

Denna praxis vilar på tre riktade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Betydelse. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha "varken innehåll, utan mening, eller sista mening" hoppas jag långsamt lossa förväntningen av berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt form av blick.

Detta leder till den andra avsikten: Primat av Levd Upplevelse. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av varande.” Arbetet blir mindre ett objekt att tolkas och mer en tyst händelse att kännas— formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkännande Tankeverksamhet. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell feedback, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig själv”, fullt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling—ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner innebär några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om ”meningsfulla ‘samband’”, men de är endast möjliga inom noggrant definierade gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation Utan Budskap
Jag hoppas kunna ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas är inte ett uttalande, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en upplevbar stillhet.

Nostalgia För Nutiden
En mjuk nostalgi hänger kvar i verken, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket själv lugnt erbjuder.

Ansträngning och Ansträngningslöshet
Processen kräver stadigt fokus, men målet är ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstått av egen fri vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praxis är skyldig sinnesstämningen hos Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där slumpen inte är ett avbrott, utan en tyst medarbetare.

I hjärtat av det ligger en sökande efter ”le vif”—det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den modesta skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte uppvisning.

I slutändan är detta helt enkelt en arts väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis förankrad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner