Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unik pjäs, original måleri av Anton Kaestner, direkt från verkstaden.
#484 - M - " Landskap #2 ".

Spray-akrylmålning på 3 mm plexiglasplatta (UV-skydd).
Denna tavla är inte en print. Det är ett originalverk "multis-lager" vars glänsande, varnish-liknande yta, som uppnås ungefär som vid applicering av ett resin, är unik.

Mått: tum 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram i tysk märkes Nielsen aluminium, referens 34 520 belagd med vit ek (Tum 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer.
Leveranstiden är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa separata utställning – Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av naturens skönhet och kulturella rikedom i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en yrkesman och konstnär, vars inflytande lade grunden till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterande med otaliga akrylfarger i A4- och därefter A3-böcker – jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt emot en, dominerande och avskräckande, medan små verk kan väcka mycket större kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ måleri och abstrakt ekspressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en uppskattning för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

I över tre decennier jag jag drivit en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från Förenta staterna till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd kulturella influenser. Överallt jag gick fördjupade jag mig i den lokala konstscenen och engagera mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, tyst sjunkande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig ur världen och koncentrera mig på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över deras egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, helt ägnade jag mig åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistiskt CV

Min första separatutställning, "Échos", som ägde rum i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt ansats till konst som avviker från traditionella måleritekniker: jag målar med akrylfärg, metalliska pigment och sprej på baksidan av återvinningsbar extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, jämn, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process gör att jag inte ser verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" – allt går för att bryta ner förnuftets kontroll – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder spelar slumpen aldrig en avgörande roll; högst ställer slumpen frågor; meningsfulla "samband" är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen inom fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen fördjupas av lager och transparenser men ger varje verk en "asketisk" kvalitet: jag är glad när jag känner igen de "oreduktibla nödvändigheterna", dvs vad vi sannolikt finner när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats avsiktligt enkel. Varken "känsla" eller "teoretisk föreställning" utan upplevelsen av att vara. Varken "snabb konsumtion" eller "intellektualisering/intellektuell besittning", utan medvetandetillväxt och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter "livet vid livets centrum", efter vad Alain Damasio kallar "le vif". Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt av sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som saker, träd, djur, män eller dagar, vilka saknar skäl att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan kalla på transparensen och ljusets glans i fönsterglas, är det fortfarande nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glödande hud där man kan skymta sin egen siluett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samverkan av ljus, färg och textur, av de saknade delarna också, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan "detaljer för närbilderna" – en detalj i en bild är en helt ny bild – och "avståndet för helheten" uppmuntra betraktarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk kring vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och växten. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. För mig är måleri en daglig hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte längre behöver oss. Den informella åldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar lusten att se."

Om sammanhanget i min praxis

I samtidskonstens landskap, där koncept och form har lika mycket vikt, söker jag skapa verk som definieras inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar — skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas — är de tysta resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre det slutliga bild än den tysta samverkan mellan tanke och process som låter det uppstå.

Denna praxis vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som "utan objekt" och ha "heller innehåll, mening eller betydelse" hoppas jag mjuka upp förväntningen om berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt typ av blick.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av Levd Upplevelse. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens svaga reflektion när de möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket "lever, det ändras, det ser".

Den tredje är där idé möter hand: Process som ingripen Tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbeta utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är ett medvetet uppgivande av kontroll i skapelseakten. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt "objekt i sig", fullt uppenbart först när det är komplett. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett patient vänta på vad som kommer "här och nu".

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och Diskippin
Jag talar om meningsfulla ’samband’, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation Utan Budskap
Jag hoppas att ’kommunicera något’ genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas är inte ett uttalande, utan ett tillstånd – en ljusstruktur, en lugn närvaro, en kännande stillhet.

Nostalgia för Nuläget
En mjuk nostalgi dröjer kvar i verket, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de “oreduktibla nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt lugnt bjuder på.

Ansträngning och Ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men sikten är ett resultat som känns autonomt, som om det "uppstod av egen fri vilja". Jag dras till det som känns fullständigt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att "åldern för det informella bara har börjat". Min praxis är skyldig åt andan i Art Informel, fast kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en brytning, utan en tyst medarbetare.

I sitt kärna är det en sökande efter "le vif" – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutänden är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis förankrad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar, enligt min tro, bli en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner