Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Unik sak, origine målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#481 - M - " Punta del Este #2 ".

Sprutmålad akryl på plexiglasplatta av 3 mm (UV-säker).
Denna tavla är inte en print. Det rör sig om ett originallverk "multilager" vars glänsande yta "glossy" närmast en resin-application är unik.

Mått: Tunt 17,3 × 12,6 × 0,12 tum / 44 × 32 × 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520 fanér Ek Vitt (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90€ inklusive moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Certifikat av Äkthet följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av mitt hemlands natursköna skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylburkar i A4- och sedan A3-böcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag anser mig vara ateist, utvecklade jag också en ömhet för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier förföljde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor utökade mitt perspektiv och exponerade mig för en bred uppsättning kulturella influenser. Var jag än gick sänkte jag mig in i lokala konstsamhällen och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär har konsten alltid varit en del av mig, lugnt sjunkande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i målning. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen från ett annat perspektiv och reflektera över deras egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag etablerade min ateljé i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och fann platser i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt tillvägagångssätt till konst som avvek från traditionella måleritekniker: jag målar med akryler, metallpigment och spray på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process gör att jag inte kan se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” - allt går för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; som mest ställer slumpen frågorna; meningsfulla “samband” är bara möjliga med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är nöjd när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar till i tystnad och ljus.

Jag behåller mitt tillvägagångssätt avsiktligt enkelt. varken “emotion” eller “teoretisk uppfattning” utan upplevelsen av att vara. varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering / intellektuell ägande”, utan vidgning av medvetandet och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga historier; min konst är en strävan efter “liv vid livets hjärta”, efter vad Alain Damasio kallar “le vif”. Fastän nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan föremål. Som alla föremål är de föremål i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar orsak till att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan inge känslan av transparens och luminositet i stänkfärg, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas måleriet en glittrande yta där man kan skymta sin egen silhuett, unik för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusets, färgens och texturens samspel, även avsaknaden av delar, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer dansen mellan “detaljer nära” - en detalj i en bild är en helt ny bild - och “avståndet för hela” att uppmuntra betraktare att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk om vad som kan uppnås. Enkelt, jag finner tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och växande. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förbättra mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan uppnå. Att måla för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en sökande efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar passionen att se.

Om sammanhanget i min praxis

I landskapet av samtida konst där koncept och form väger lika mycket, söker jag skapa verk som definieras av närvaro snarare än genom synlighet. Mina målningar—glittrande färgfält och ljus inom plexiglas—är de lugna resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det tysta samspelet av tanke och process som tillåter den att växa fram.

Denna praxis vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är ett återtagande från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller sense” hoppas jag mjukt lossa förväntan om narrativa. Det är en inbjudan att ställa sig utanför avkodning och mot en mer direkt slags blick.

Detta leder till den andra intentionen: Förstaplatsen för Levd Erfarenhet. I den öppna ytan försöker jag lägga vad jag ser som en “upplevelse av att vara.” Verket blir mindre ett objekt att tolka än en lugn händelse att känna—formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta noterar, verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Embodied Thought. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontrollen i själva skapandet. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende “object of itself”, helt uppenbarat först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling—ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner finns det några mjuka motsägelser som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samband’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas är inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig lugn.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i arbetet, men den är märkligt nog riktad mot nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det "såg sin egen uppkomst". Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “tiden för det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig andan av Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där chans inte är en brytning, utan en tyst medarbetare.

I grund och botten är det en sökande efter le vif—det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.
I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis förankrad i lugn paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner