Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#486 - M - "Landskap #2".

Sprutakrylmålning på 3 mm plexiglasplåt (UV-skydd).
Denna målning är inte en print. Det är ett originalverk i "multi-lager" vars glänsande, glassiga resultat likt en resinåtgärd är unikt.

Mått: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Ram av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520, ek/vitré-laminering (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk är visade över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning – Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av min hemorts natursköna skönhet och kulturella rikedom. KREATIVITET värderades i min familj, och det var min bortgångne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande slog in fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylbaserade tekniker i A4- och därefter A3-notebooks – jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de överensstämde med min utforskning av människans tillvaro och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, Asia och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en rad olika kulturella influenser. Överallt jag gick förankrade jag mig i lokala konstscener och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt kokande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit en enorm belåtenhet i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från sin affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt konsten. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistiskt CV

Mitt första soloakter, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt konstnärlig ansats utanför traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och spray på baksidan av återvunnit extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland sårbar yta. Denna process hindrar mig från att se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" – allt går för att kortsluta förnuftet! – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket väl exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst får slumpen ställa frågorna; meningsfulla ”samsyn” är endast möjlig med stor disciplin. Denna ansats som ekar av fotografiets uppenbarelse-/fixeringsprocess är utmanande och befriande. Kompositionens värden berikas av lager och transparens men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: jag är nöjd när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabbt konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell besittning”, utan medvetenhetens breddning och utforskande av verklighetens, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en strävan efter ”livet vid livets hjärta”, det som Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan föremål. Likt alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar orsak till varande, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla transparenthet och ljushet hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen siluett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser.
Ljusspelet, färg och textur, de saknade delarna kräver också empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan ”detaljer för nära håll” – en detalj av en målning är en helt ny bild – och ”avstånd för helheten” att uppmuntra betraktare att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt, jag finner tillfredsställelse i den kontinuerliga frågan och tillväxten. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. För mig är måleri en daglig hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en strävan efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar kärleken att se."

Om sammanhang i mitt arbete

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika mycket, söker jag skapa verk som definieras av närvaro snarare än framträdande. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är tysta resultat av en lång och medveten undersökning. För mig handlar det sanna fokuset mindre om den slutgiltiga bilden än om det lugna samspelet mellan tanke och process som låter den uppkomma.

Denna praxis vilar på tre enande intentioner.

Den första är ett tillbakadragande från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och att ha ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag mjukt lossa förväntningen på berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt blick.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av upplevd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktarens ögon som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner: verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som gestaltad tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontroll i gjutandet. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli det jag kallar ett oberoende ”objekt i sig självt”, fullt uppenbart först när det är fullständigt klart. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning – ett patient väntande på vad som kommer ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om ”meningsfulla ‘samsyn’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slump är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd – en ljusstråk, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för närvaron
En mjuk nostalgi hänger kvar i verket, men den är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men sigter mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstått av egen fri vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik står i skuld till andan av Art Informel, om än kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en störning, utan en tyst samarbetspartner.

I dess kärna är det en sökande efter ”le vif” – den levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik grundad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till resiliens.

Anton Kaestner