Eileen Nisbet (1929-1990) - Oval

Underbart och mycket sällan sett till salu, porslinsmonteringskonst av den mycket välkände brittiske pionjärkeramikkonstnären Eileen Nisbet. Den här pjäsen innehåller miniatyrfärgintarsier och cylindriska porslenselement som kopplar samman många olika former och orienteringar av mycket tunna porslinsplattor.
Två liknande verk såldes av auktionshuset Phillips för mer än 5000 dollar.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptur. En kort introduktion.

Vid en tid då funktionell keramik dominerade visade Eileen Nisbets abstrakta keramiska skulptur att hon var en av de mest innovativa keramikerna i sin tid. Hennes verk visades i stor utsträckning både i Storbritannien och internationellt, och hon var också en inspirerande lärare och en drivande kraft bakom keramikursen vid det som nu är Central Saint Martins College of Art and Design i London.

En konstnär med total åtagande; hennes produktion var prolifik från det att hon lämnade konsthögskolan tills hennes död.

Denna sida är avsedd att vara en utbildande och praktisk resurs för studenter och forskare och för att katalogisera arbetet av en unik och betydelsefull konstnär.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptör
1929 - 1990.
Liv och verk.

Eileen Nisbet placerade sig i ett unikt utrymme inom 1900-talets keramik. Vid en tid då funktionell keramik dominerade, var hennes arbete helt annorlunda än hennes samtida kollegor. Under de sista femton åren av hennes liv utvecklade hon ett anmärkningsvärt sätt att arbeta med porslin och kunde sägas vara en av de mest innovativa keramikerna i sin tid. Som erkännande för detta köptes exempel på hennes keramiska skulptur till många privata och offentliga samlingar.

Som barn växte hon upp i nordliga London, och i början av andra världskriget skickades hon till bussens lastplats för evakuering, men i sista stund beslöt hon sig för att smyga iväg och återvända till sin familj för att stanna i London under Blitzen. Under sina formande år kom hon nära sin äldre bror James Hull, som hade en passion för målning och som i början av 1950-talet skulle bli en av de första brittiska abstrakta målarna i avant-garde-rörelsen. Det var genom James inflytande som Eileen utvecklade ett fascination för teckning, abstraktion och Bauhauss undervisning. Hon sökte till Hornsey College, som var hennes lokala konsthögskola, men hamnade vid keramik- och blyglassavdelningen istället än den traditionella måleriinriktningen. Här träffade hon medstudenten Michael Casson, med vilken hon skulle bilda en livslång vänskap. Därefter på Central School of Art tog hon Grundkurs i konst, under William Turnbull, följt av NDD Keramik-kursen med Kenneth Clark som handledare. Emellertid var hennes ambitioner som student en målare och de bredare frågorna om måleri, teckning och skulptur förblev grunden för hennes arbete. Denna intresse fortsatte efter hennes examen 1963, när hon fortsatte att tillverka keramik, men det var genom experiment med ritning direkt i leran som Nisbet insåg att hon verkligen kunde uttrycka sig.

Detta diagram visar hur nytt arbete dök upp när hon skapade det, vid vissa perioder i hennes karriär. Dess betydelse blir tydlig när du läser vidare.

Trots att hon älskade krukor, gillade Nisbet inte att dreja dem på ett hjul. Genom att skapa en plattare, pressformad tallrik skapade hon en mjukt böjande landskap att testa flera enkla teckningar. Dessa härleddes initialt från linjen som uppstår av vattnets skiftande nivå när det rör sig runt insidan av en lutande behållare och inflytandet från Paul Klees arbete, att låta en linje få gå på en promenad. Perfektionen av en rik, halvmatt bärnstensglasy och den distinkta klarheten i de linjära mönstren accentuerade av inläggningar med mörkbrunt/svart oxider gjorde dessa tallrikar mycket populära - (se Dish/D1271).

I ett avsnitt av Michael Cassons ’The Craft of the Potter’ (BBC) syns hon i processen att skapa några av dessa linjer på en tallrik. Hon talar kort om relationen mellan den släta kurvan på tallriken och den repade linjen, medan hon vänder tallriken i en hand och styr verktyget med den andra.

"Efter att ha bestämt mig för denna form och användningen av ingraverad eller repad linje fann jag att jag var tvungen att lära mig hur brant kurvan var, hur snabbt den stiger medan jag skär en linje, för att producera kurvor och raka linjer efter beställning. Jag ville att dekorationen skulle vara ett slags underhållning så att om man bara ser halva dekorationen på en gång skulle det få en att vilja se vad som händer på andra sidan." EN 'The Craft of the Potter' BBC 1976.

Det orubbligt flytande sticket är en hypnotiserande syn och visar konstnären helt i samklang med sitt medium och personliga vision, även om hon vid denna tid hade gått vidare till en helt annan typ av arbete.

Det var Nisbets omvandling till porslin 1975 som resulterade i den mest innovativa och fruktbara perioden i hennes karriär. Efter att tidigare ha arbetat med det ansåg hon att materialet var begränsat och ogillade dess ”känsla av värdefullhet”, men på insisterande av Pan Henry vid Casson Gallery att hon deltog i en porslinsexponering accepterade hon inbjudan som en utmaning. Det nya materialet krävde en helt annan arbetsmetod; den täta strukturen hos bakat porslin ger en styrka och tunthet till den grad att genomskinlighet uppnås. Hon insåg att det kunde behandlas nästan som papper. Efter att ha gjort en serie porslinsskålar med breda, platta kanter beslutade hon att avfärda alla funktionella aspekter och experimentera med plana ytor. Dessa ställdes upp och bildade ett skulpturalt språk som hon skulle utveckla under de nästkommande femton åren.

Tidigare plana verk från 1975 till 1977 hade ingen färg applicerad, utan förlitade sig på ljus och skugga skapad av varierande lerstyrka och samspelet av genomträngda hål, återbuktade cirklar och spår. Med få undantag var dessa verk abstrakta konstruktioner. Skulpturerna visades bakbelysta, för att sammansmälta de dekorativa dragen med den papper-like kvaliteten hos keramiken (se FishForm/E1152 från avsnittet Light and Plane). Förutom deras skönhet och innovativa tekniska kvaliteter är denna period av arbete också kännbar för sina starka kopplingar till hennes tidigare utbildning i blyglas; att arbeta med ljus och tvådimensionella plan i ett tre-dimensionellt territorium.

Efter noggranna experiment för att bränna tunna plattor utan veckning eller distortion, var den väsentliga tekniken hon utvecklade assemblage. De färdiga formerna, som var tvungna att brännas plant, lades vertikalt genom att binda samman cylindriska porslenseparatorer mellan dem. Vid den tiden sågs denna sammanfogning som en fräckhet även om dagens användning av starkt lim i keramisk skulptur är mer vanligt.

Hon arbetade på ett noggrant och metodiskt sätt och var mycket ekonomisk. Inledningsvis tillverkades varje del av en skulptur så att den relaterade till andra delar i verket, men ofta ändrades deras plats i den slutgiltiga kompositionen från vad som ursprungligen övervägts. Det var också viktigt att verket var fysiskt stabilt när det placerades på ett bord, en hänsyn som ofta gick emot den estetiska. Monteringsprocessen var något som Nisbet lade stora mödor på att få rätt, ibland tillverkades delar om med subtila förändringar och de första försöken förvarades.

"När man sätter former tillsammans finns det en mycket fin linje mellan där något ser bra ut och där det inte gör det. ...Att börja med en viss form betyder att man måste hitta andra som passar till den och allt måste motbalanseras i estetiskt och fysiskt avseende. Att arbeta fram dessa relationer kan vara ganska svårt." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

Efter att ha pressat gränserna för det nya materialet kände Nisbet att även om porslinets egenskaper fortfarande var viktiga, var dess genomskinlighet som mål i sig inte tillräcklig. Hon prövade ytterligare en serie assemblage först genom att kontrastera det släta porslinet med grov textur av vit, groggad stenware (se WhiteMask/T1043) från Panels-sektionen) och sedan genom att använda endast porslin men i tjockare skivor. Det går att se i LargeGame/G1706 att även om intentionen som vanligt inte är en lekfull blandning av former, utan som tallrikarna, en drift att skapa mer aktiva ytor där linjer och ytor drar ögat genom deras elementens antydda studsar och rullningar.

"Large Game" är en av de första skulpturerna som fått färgade slipningar tillämpade. Inom materialets begränsningar måste en begränsad palett av dämpade färger med ett noggrant balanserat tonomfång uppfinnas.

År 1978 påbörjades de första plana kärlformerna, dessa fortsatte det plana temat men inkorporerade den rundade siluetten och kantdetaljer som översatts från kärlkeramiken - (se PotWithLip/P930).

"Skålarnas ursprung uppstod genom ’platta’ teckningar som jag gjorde när jag utformade blyglas. Silhuetten måste förmedla alla viktiga detaljer ur en enda synvinkel. Dessa keramiska skålar (som för mig) är som teckningar, platta men som visar form, kantning, insida, handtag i en ögonblicksbild." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

'Eftersom denna kruka inte är avsedd att innehålla någonting, behöver jag inte göra den rund eller sammanfoga sidorna. Min visuella bild är tydligare så här.' EN. Uttalelse för Anatol Orient. 1983.

Nisbet fortsatte använda färg i små områden för att dra och rikta ögat. Först motivet bulls eye på HorizontalFlower/F743 och sedan, särskilt, i ränder på Flyer/P436, som abstrakterade idén om dekoration så att den kunde flyga av krukan som en flagga.

"Färgen används flyktigt, som ett färgförslag, en färgmix, en medvetenhet, snarare än att specificera 'Det här är en blå skål'" EN.

'De målade ränderna används över en föreslagen rund form av krukans eller skålens form på ett grafiskt sätt och blir en annan form som en flagga, som flyger av krukan och ger en känsla av rörelse till en stillastående form.' EN. Uttalelse för Anatol Orient. 1983.

Inspirationen till skulpturerna från denna period kom från olika källor men särskilt från flygplan, propellrar, blomform och de krukor som alltid var favoriter. Generellt sett var hennes influenser dock samlade från erfarenheter snarare än specifika teman. Hon såg ett visuellt värde i de flesta saker, till och med vardagliga och till synes obetydliga föremål utforskades genom rikligt brevspapper i skissböcker. Denna disciplin att titta och förstå låg till grund för allt hennes arbete. Vissa av hennes skissboksidor ger en inblick i hennes arbetsmetoder och idéutveckling.

Kvaliteten gemensamt för Eileen Nisbets arbete under hela hennes karriär var en formens destillation till dess essence. Hennes verk var avsedda att fånga stämningen hos ett objekt, snarare än dess bild. Av GerminatingSeed/F759-skulpturerna skriver hon –
'This sculpture does not represent a flower, nor is it a 'new' flower, but about a flower. It contains some of the ideas about a plant from a seed with a single wiggling root, transforming into a bud, bursting into flower, showing first signs of coloured petals. In the minds eye, the root then becomes a curling stalk.' EN. Uttalelse för Anatol Orient. 1983.

'Till aeroform-verkens var hon ute efter en känsla av rörelse så att ... även om objektet inte har någon kraft att röra sig, så kan det verka som om det precis har landat eller är på väg att lyfta.' EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

En kombination av Nisbets entusiasm för att skapa större verk och det allt större antalet förfrågningar från internationella kuratorer resulterade i ett behov av att göra skulpturerna mer motståndskraftiga. Stora tunna strukturer skulle vara mindre motståndskraftiga mot brott under transport, så skivorna gjordes tjockare i proportion till deras storlek och var längre inte avsmalnande i kanterna. Denna förtjockning av planens öppnade fler möjligheter för kantbehandling, särskilt utvecklingen av en laminar flint-liknande kant på BowlWithRainbow/P1187 och senare kanna-former, men som först synades på SimpleOval/E1119 1978.

Sökandet efter nya material och teknisk förfining blev en intrinsic del av tillverkningsprocessen. Efter en serie tester med olika tillsatser för att ge en matt yta fann Nisbet att keramiska emaljer som nyligen blivit tillgängliga kunde användas på porslin för att uppnå ljusa genomskinliga färger liknande akvarell. Mycket till keramiska puristiska missnöjes förfäran skulle, från 1985 och framåt, hon använda keramisk emalj uteslutande för applicerad färg (se WingAndLoopHandledJugs/P452).

Särskilt utvecklade shard-mönstrade marquetry-liknande element, som användes i patchar på några av de senare kanna-formerna, kontrasterar målningen och inläggningslinjearbetet. Smidigt böjda handtag blev möjliga genom finjustering av bränntemperaturen; vilket gav subtila och varierande skuggdjup till de plana plan. 'Loop Handled Jug' har en poetisk twist till handtaget och ShardJugOnTable/P1636 har en kant formad i den annars plana kroppens plan.

Noggrant utvalda naturliga skiffertaksteg från Nisbets omvandlade Cornish-lada införlivades som skuggor eller bakgrunder i flera verk, inklusive den förnämliga BoatBowlWithLip/P986 från 1988, som också har fin yta skapad genom att fylla i repor med ljus applicerad mycket grov sandpapper med färgad slipp. Teknikerna bakom färgens textur på VesselWithLip/P1144 och på många av krukorna tillverkade 1989 och 1990 är mer arbetet av en skicklig konstnär och tryckare.

"Jag älskar krukor – även om jag aldrig gör dem – särskilt runda sådana. ...Folk tycker vanligtvis att keramikern gör saker som är runda, på hjul eller för hand. Jag finner det mycket begränsande så jag tenderar att använda lera för vad det tillåter mig att göra. Jag gillar att tänka på lera som ett material för att uttrycka idéer." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

En av hennes sista arbeten är en enkel, platt rektangulär porslinspanel där en målning gjordes (se Painting/T1503). Detta var starten på en ny serie, men dessvärre försämrades hennes hälsa. Hennes död kom vid en tidpunkt då Eileens karriär verkligen höll på att få drivkraft, både vad gäller kreativ utveckling och erkännande.

Central School of Art i London (nu Central Saint Martins College of Art and Design) förlorade också en av sina mest engagerade och inspirerande lärare, en roll hon innehade från 1963 fram till livets slut. Förutom praktiskt stöd gav hennes entusiasm och empati henne förmågan att snabbt lokalisera en students verkliga potential och sedan få den att blomma ut, utan att lägga sina egna idéer på dem. Förutom sina uppgifter som Senior Lecturer var hon en drivande kraft i utvecklingen av keramikkursen och hade starka åsikter om vad studenterna borde kunna uppnå och vad kursen borde tillhandahålla för dem.

Eileen Nisbets känslighet och självförnekelse gjorde henne till en mycket särskild lärare, men kanske bidrog dessa drag även till hennes blygsamma försök till självfrämjande. Hennes åtaganden var främst mot hennes arbete och hennes studenter, och kommersiell framgång var mer en biprodukt än en prioritet. Denna aspekt av hennes karaktär och uniketen i hennes arbete, tillsammans med den begränsade mediebevakningen av keramik vid den tiden, har gjort att Eileen Nisbet till viss del hamnat i skymundan.

Referenser:

Peter Lane – Studio Porcelain Contemporary Design and Techniques. Pitman.