Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från verkstaden.
#497 - M - " Djebel ".

Sprayacryl på 3 mm plexiglasplatta (UV-skydd).
Denna målning är inte en tryckning. Det är ett originellt "multi-kort" verk vars glänsande "glossy" yta, när den appliceras som en resin-liknande yta, är unik.

Mått: Inch 19,7 * 15,4 * 0,12 / 50 * 39 * 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 524 ekfaner (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) eller annan rekommenderad finish som finns vid frakten mot en tilläggskostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en målar-, skulptör- och författare från Schweiz baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa egen utställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av naturens skönhet och mitt hemlands kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande satte fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med oräkneliga akryler i A4- och sedan A3-böcker - jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt i blicken, dominerande och hotfulla, medan små verk kan inge mycket kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag anser mig vara ateist, utvecklade jag även en förkärlek för andliga material som kände igen min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanna sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli en konstnär inte omedelbar.
I mer än tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick fördjupade jag mig i den lokala konstscenen och närvarade vid varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär var konsten alltid en del av mig, lugnt sjungande under ytan. Nästan 30 års måleri blev en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över deras egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Vid utgången av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och fann berättigande i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade ett särpräglat tillvägagångssätt till konsten, långt från traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, blank och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” - allt går för att avbryta förnuftet! - att vägleda utgången, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst hjälper slumpen att ställa frågor; meningsfulla “samsynpunkter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna metod som ekar med uppenbarelse/fixering av fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser samtidigt som varje verk får en “Asketsisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi troligtvis upptäcker när vi stannar i tysthet och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken “känsla” eller “teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetsbreddning och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter “livets hjärta” för vad Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar orsak till vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka transparens och ljusstyrka av stained glass, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan se sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, även de saknade delarna kräver empati. Förhoppningsvis uppmuntrar spelet mellan “detaljer för närhet” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och “distans för helheten” åskådare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågandets och tillväxtens process. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, vilket driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en strävan efter ett målningsfärg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken ökar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika stor vikt, söker jag skapa verk som definieras inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar—glittrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de tysta resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre slutbilden än det tysta samspelet mellan tanke och process som tillåter den att uppstå.

denna praxis vil flytta tre sammanhängande intentioner.

Den första är en återhållsamhet från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller mening”, hoppas jag mjukt lossa förväntan på berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra intentionen: Primacy of Lived Experience. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag tycker om som en “upplevelse av vara”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas än ett tyst händelse att kännas—format av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta nämner “ verket lever, det ändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som förkroppsligad tanke. Måleri på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i själva skapandet. Jag sätter villkor, men överlämnar utkomsten, låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende “objekt i sig självt”, helt uppenbart först när det är klart. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling—ett tålmodigt väntande på vad som kommer “här och nu.”

Dessa intentioner hålls av några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samsynpunkter’”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas inte är ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig lugn.

Nostalgia för närvaro
En mjuk nostalgia ligger kvar i verket, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket själv tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet

Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det hade “kommit av sig själv.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praxis är skyldig sinnet till Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där slumpen inte är en rupture, utan en tyst medarbetare.

I dess kärna är en sökning efter “le vif”—det levande kärnan. Verket lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutet är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis som vilar på tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner