Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från studion.
#485 - M - " Landskap #1 ".

Aggregerad akryl i spray på plexiglasplatta 3 mm ( UV-skydd ).
Denna målning är inte en tryckning. Det är ett originallt verk "multislåerm" som ger en blank yta, glänsande likt resins applicering och är unik.

Mått: 17,3 tum * 12,6 tum * 0,12 tum / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520 klädd Ek Vitt (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns vid leverans mot en extra kostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Äkthetscertifikat följer.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visas över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separatuppvisning - Genève januari 2027.

Biografi
Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av min hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Skapande värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl-färger i A4- och sedan A3-anteckningsböcker - jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot dig, dominerande och avskräckande, medan små verk kan väcka mycket större kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig själv som ateist, utvecklade jag även en förkärlek för andliga material då de stämde överens med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv, exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än var, fördjupade jag mig i de lokala konstscenerna och engagerade mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär har konst alltid varit en del av mig, lugnt sjungande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig — ett sätt att bryta sig loss från världen och rikta in sig på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och uppleva genuina upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats ge andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit mig tillbaka från min affärskarriär, fullständigt ägnade jag mig åt målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär, och till min förvåning väckte mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och visade ett särskiljande tillvägagångsätt till konst, bort från traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metalliska pigment och sprej på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process gör att jag inte kan se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen — något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” — allt går för att avbryta förnuftet! — att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekter jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när biten till sist exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder fattar slumpen aldrig besluten; som mest frågar slumpen efter frågorna; meningsfulla “samsyn” är endast möjlig med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Kompositionens värden berikas av lager och transparens men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi troligtvis upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell besittning”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga historier, min konst är en sökande efter ”livet vid livets kärna”, för vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Trots att nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan föremål. Precis som alla föremål är de föremål av sig själva. Således har de varken innehåll, eller mening, eller betydelse; de är som saker, träd, djur, män, eller dagar, som också saknar anledning att vara, slut eller syfte. Även om mitt arbete ibland kan åberopa genomskinlighet och luminositet i färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan skymta sin egen siluett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusets spel, färg och textur, även de saknade delarna, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan ”detaljerna för närgånget” — en detalj i en bild är helt enkelt en helt ny bild — och ”avståndet för helheten” uppmuntra betraktarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågeställning och utveckling. Varje nytt skapande är en konfrontation med mina gränser och tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en sökande efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella åldern har knappt börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: ”Den dagliga praktiken fördubblar lusten att se.”

Om sammanhang i min praxis

I landskapet av samtida konst, där begrepp och form har lika stor vikt, söker jag skapa arbete definierat inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar — skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas — är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre slutbilden än den lugna samverkan mellan tanke och process som låter den uppkomma.

Denna praxis vilar på tre sammanhängande intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Betydelse. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, eller mening, eller betydelse”, hoppas jag mjukt lossa förväntan om berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt slags betraktelse.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av Levd erfarenhet. I det öppna utrymmet försöker jag lägga det jag ser som en ”upplevelse av varande”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas — format av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens eget beteende när det möter sin egen blick. Som jag ofta noterar, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där tanke möter hand: Process som förkroppsligad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell feedback, är en fysisk praktik av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i själva skapandet. Jag sätter förutsättningar, men ger vika för resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig själv”, helt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling — ett tålmodigt väntande på vad som anländer "+här och nu".

Att hålla dessa intentioner är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om ”meningsfulla ‘samsyn’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slump är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Perhaps det som delas är inte ett påstående, utan ett tillstånd — en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi vilar i arbetet, men den är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de "oreducerbara nödvändigheterna" som finns i ”tystnad och ljus” — en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”själv uppstod av egen kraft”. Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella eran endast har börjat.” Mitt arbete är lånat till andan av Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn — en informellitet där slumpen inte är en rupture utan en tyst samarbetspartner.

I grunden är det en sökning efter ”le vif” — det levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den blyga skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox behöver inte vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner