Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unik föreställning, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#484 - M - "Landskap #2".

Sprut-akryl på plexiglasplatta 3 mm (UV-skydd).
Denna målning är inte en print. Det är ett originalverk i "multi-lager" med en blank, glansig finish som liknar appliceringen av ett resinskikt och som är unik.

Dimensioner: inn 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Ramen av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 520 belagd med vit ek (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerad på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och utbud på www.antonkaestner.com.

Nästa separatutställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till det som senare skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3- anteckningsböcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och avskräckande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till en icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag inte ser mig som troende, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.

I över tre decennier arbetade jag inom en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor utvidgade mitt perspektiv och utsatte mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än åkte fördjupade jag mig i lokala konstscener och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt småttade under ytan. Nästan 30 år blev målningen en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna ge andra en uppriktig upplevelse av skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över deras eget liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målningen. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 slog jag upp min offentliga konstnärsska karriär och, till min överraskning, fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett ledigt sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistiskt CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, demonstrations tillvägagångssättet för konsten, bortom traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metalliska pigment och spray på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, jämn, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket under arbetsprocessen. Jag har ingen visuella återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att kortsluta förnuftet! – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; i bästa fall ställer slumpen frågorna; meningar “samsyn” är endast möjlig med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse/visualiseringsprocessen inom fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag erkänner “irreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod målmedvetet enkel. Varken “känslor” eller “teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering/intellektuell besittning”, utan medvetenhetens vidgning och utforskande av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter “livet i själva livet”, för det som Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, eller mening, eller känsla; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att existera, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan anas som transparenta och ljusrika fönsterglas, är det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspillet av ljus, färg och textur, inklusive de saknade delarna, kräver endast empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan “detaljer för närbilden” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och “avstånd till helheten” uppmuntra betraktarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättning och växande. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina begränsningar, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter ett färg så perfekt att det inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: ”Den dagliga praktiken fördubblar lusten att se.

Om sammanhang i min praxis

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form bär lika stor vikt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande färdfält av färg och ljus inom plexiglas – är tysta resultat av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är den verkliga fokuspunkten mindre slutbilden än den tysta samspelet mellan tanke och process som låter den uppträda.

Denna praxis vilar på tre samsatta avsikter.

Den första är ett Uttag ur påtvingad mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller syfte”, hoppas jag mjukt att lätta på narrativexpektet. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning mot en mer direkt typ av betraktelse.

Detta leder till den andra avsikten: Primat av Levd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag ser som en “upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en lugn händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga spegeln av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, så “lever det, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som kroppslig tanke. Målning på plexiglass bakre sida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandet. Jag sätter conditioner, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende “objekt i sig själv”, fullt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner finns det några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och Disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samsyn’,” men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen är byggd med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är vad som delas inte ett uttalande, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en lugn närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgi för Nutiden
En mjuk nostalgi ligger kvar i verket, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de “irreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt lugnt erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns autonomt, som om det “växte av egen vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är i skuld till andan hos Art Informel, om än kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en brytning, utan en tyst medarbetare.

I kärnan är det en jakt på “le vif” – den levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner