Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Unik tavla, originalmålning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#510 - M - " Suncub ".

Acrylspray på plexiglasplatta av 3 mm (UV-skyddad).
Denna tavla är inte en print. Det är ett originslt verk "multilager" vars glänsande yta "glossy" som uppstår likt en hartsapplikation är unik.

Mått: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram av tysk märkes Nielsen i aluminium, referens 34 520 beläggning Ekträvit Vit (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 90€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz, i Dubai och i Japan. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa separata utställning - Genève januari 2027.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av den naturliga skönheten och kulturella rikedomen i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till det som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3- anteckningsböcker - jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonnerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I mer än tre decennier bedrev jag en internationell affärskarriär som tog mig världen över, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor utvidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd kulturella influenser. Överallt jag var slog jag mig ner i lokala konstscener och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär har konst alltid varit en del av mig, tyst bubblande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annorlunda perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade studion i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 inledde jag min offentliga konstnärskarriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett tomt sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en tydlig annorlunda ansats inom konsten, fri från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprayer på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glänsande och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket under dess utveckling. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” — allt går för att kortsluta förnuftet! — att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen ställs ut. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; som mest frågar slumpen efter frågor; meningsfulla “samband” är bara möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar till fotografins uppenbarelse-/fixeringsprocess är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens men ger varje verk en "asketisk" kvalitet: jag är glad när jag erkänner "oreducerbara nödvändigheter", dvs vad vi troligen kommer att upptäcka när vi slår oss ner i tysthet och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. varken "känslor" eller "teoretisk föreställning" utan upplevelsen av att vara. varken "snabb konsumtion" eller "intellektuallisering / intellektuell ägande", utan medvetenhetens vidgning och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter "livets kärna i kärnan av livet", åt vad Alain Damasio kallar "le vif". Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Som alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller syfte; de är som ting, träd, djur, män eller dagar, vilka också saknar skäl att vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka igenomskinlighet och ljus av blyglas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglaset målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen siluett, annorlunda för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusets, färgens och texturens samspel, även avsaknaden av delar, kräver empati. Förhoppningsvis uppmuntrar spelets mellan “ detaljer för närstudie ” - en detalj av ett bild är en helt ny bild - och “ avstånd för helheten ” åskådare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågor och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en sökande efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informalistiska eran har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praxis

I samtida konstens landskap, där begrepp och form bär lika mycket vikt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar — skimrande färgfält och ljus inom plexiglas — är tysta resultat av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på det slutliga bilden än på det tysta samspelet mellan tanke och process som gör det möjligt att uppstå.

Denna praxis vilar på tre samskjutna avsikter.

Den första är en tillbakadragning från påtvingat mening. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och att ha “varken innehåll, mening eller sammanhang” hoppas jag mjukt löska förväntningen på berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra avsikten: primat av levd erfarenhet. I det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en “upplevelse av varandet.” Verket blir mindre ett objekt att tolka än en tyst händelse att känna — präglad av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens bleka reflektion i tittens ögon. Som jag ofta noterar, verket “lever, förändras, ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkarnerad Tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa taget. Det är ett medvetet avslöjande av kontroll i skapandet. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter måleriet bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig själv”, helt uppenbart först när det är fullständigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling — ett patient väntande på vad som kommer “här och nu.”

Att hålla dessa intentioner är några mjuka paradoxer som håller arbetet vid liv:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samband’”, men de är bara möjliga inom noggranna ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs noggrant.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett uttalande, utan ett tillstånd — en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nutiden
En mjuk nostalgi vilar i verket, men den är märkligt inriktad på nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” — ett önskemål om ren närvaro som verket själv tyst ger.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men strävar efter ett resultat som känns autonomt, som om det “uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns fullständigt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “åldern av det informella har bara börjat.” Min praxis är skyldig andan av Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn — en informellhet där slumpen inte är ett brust, utan en tyst samarbetspartner.

I kärnan ligger en sökande efter “le vif” — livets levande kärna. Verken lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis som vilar på tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner