Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

Rupture
Artist: Sonia J. (1971, Portugal)

Teknik: Akryl och mixed media på duk
Dimensioner: 116 × 148 cm (XXL-format)
År: 2025
Skick: Ny – direkt från konstnärens studio
Signatur: Handskrivet på baksidan
Certifikat: Inkluderar ett undertecknat Äkthetsintyg.
Frakt: Rullad i ett starkt skyddande rör (spårad + försäkrad)


Beskrivning av konstverket:

’Rupture’ — från Här, Där och Överallt-serien — skapades en dag då flera känslor krockade: sorg, glädje, ilska, förvirring och ett brådskande behov av att förstå sig själv som kvinna. De djupa, lager på lager av blå nyanser bildar ett atmosfäriskt fält av introspektion, som förankrar målningen med en tyst men kraftfull närvaro.

I mitten framträder blinkningar av rött och grönt som ett undertryckt hjärtslag — rått, olöst och tydligt mänskligt. Dessa färger söker inte balans; de stiger och avbryter, och förkroppsligar de emotionella sprickor som uppstår när det inre livet inte längre kan hållas kvar.

De gestikulära tecknen genom hela verket är konfessionella snarare än dekorativa. Varje streck bär på spänningen mellan att hålla tillbaka och att bryta sig loss, tystnad och uttryck, disciplin och frigörelse. "Rupture" syftar inte till harmoni — den omfamnar komplexiteten och motsägelserna i levd erfarenhet. Den avslöjar de intima sprickorna i hjärtat, de sårbara ögonblicken då känslor rinner inåt istället för utåt.

Ur ett inredningsperspektiv introducerar denna XXL-figur en kraftfull känslomässig djup i förfinade interiörer. Dess rika, sofistikerade palett och dominerande närvaro gör den till en exceptionell fokuspunkt för samtida bostadsutrymmen, arkitektoniska miljöer, samlarhem och lyxiga miljöer. "Rupture" står som ett djärvt, elegant uttryck — som tillför intensitet, nyans och tyst styrka till varje utrymme som hyllar konst med känslomässig tyngd.

Om konstnären — Sonia J. (Portugal, 1971):

Från mötesrum till duk...
FRÅN AFFÄRSSINNE TILL RÅ NATUR...
Från strategi till en vision bortom kanvasen...
Kvinnors egenmakt genom konst

Jag bor mellan två världar – den jag byggde genom precision, och den jag återerövrade genom känsla. 'Dual Hirathe' är där de möts.

Jag tillbringade tre decennier i en värld präglad av klarhet, snabbhet och kontroll. Varje beslut var noggrant avvägt. Varje minut räknades. Varje mål, en linje på en strategikarta. Det var ett liv byggt på precision — analys, spänning, krav och ibland utmattning. I åratal trodde jag att ledarskap betydde att bära vikten med grace, aldrig tveka, aldrig sakta ner. Jag var omgiven av människor som blomstrade av ambition och logik, och jag lärde mig att utmärka mig inom den strukturen. Men någonstans mellan den ständiga rörelsen och de polerade mötena började jag förlora ljudet av min egen röst. När jag äntligen pausade (mitten av 2024) — verkligen pausade — var det jag hörde tystnad. Inte tomhet, utan en tystnad full av potential. Den sortens tystnad som inbjuder något nytt att växa fram. Det var början på min metamorfos.

Mitt arbete föds ur en dialog mellan världar — mellan det rationella och det intuitiva, det mätbara och det instinktiva. Det speglar resan från affärssinne till uttrycksfullhet, från ett liv av global strategi till ett liv format av textur, tystnad och landskap. Efter tre decennier av ledarskap inom den företagsamma sfären lärde jag mig språkets struktur — klarhet, precision, syfte. Det tränade mitt öga att se system, att känna igen mönster, att balansera komplexitet med enkelhet. Men när jag vände mig till konst började det språket att upplösas. I dess ställe framträdde ett annat vokabulär — taktilt, emotionellt, flytande — ett som endast kunde talas genom pigment och sand, genom ett lager av tålamod i en målning som utvecklas över tid.

Att lämna företagsvärlden var inte en enskild handling av mod; det var en gradvis överlämning. Till en början försökte jag bära med mig samma regler in i mitt nya liv — mål, resultat, prestationsindikatorer. Men konst vägrade att styras. Den krävde sårbarhet. Den behövde att jag skulle lyssna istället för att dirigera. När jag först rörde vid en tom duk visste jag inte att den skulle bli mitt nya språk. Jag visste bara att ord hade begränsningar, och att känslor — de jag hade begravt under effektivitet och professionalism — bad att få andas. Färger blev mitt vokabulär. Textur blev min syntax. Varje lager av sand, gesso och pigment talade det jag ännu inte kunde säga högt: att förvandling inte handlar om att radera den du var, utan att tillåta alla versioner av dig själv att samexistera.

I ledarskap levde jag med maskulin energi: beslutsam, analytisk, utåtriktad. I konst mötte jag dess motsats — den feminina: mottaglig, intuitiv, inåtexpanderande.
Varken är överlägsen; båda är heliga. Jag upptäckte att skapelse sker precis där dessa två möts. För mycket struktur gör konst stel, för mycket flöde upplöses den i kaos. Detsamma gäller för livet. Målning lärde mig balans. Det påminde mig om att styrka kan finnas i stillhet, och att känslighet inte är svaghet — det är visdom i en annan form. På många sätt blev min praktik en försoning av energier: den assertiva och den undergivna, det konkreta och det eteriska, logiken som byggde mitt förflutna och intuitionen som definierar min nutid.

Jag bor nu mellan två världar: den kosmopolitiska intensiteten från mitt förflutna och den råa stillheten i Serra da Estrela, bergslandskapet som nu formar mitt studio och min själ. Från Lissabons betonggeometri till den naturliga erosionen av sten och vind speglar mitt kreativa tempo den övergången — från acceleration till stillhet, från prestation till närvaro. Genom texturerad abstraktion översätter jag dessa levda kontraster till visuell form. Mina målningar är emotionella topografier — lagrade ytor där motståndskraft, frigörelse och tyst kraft samexisterar. De är inte representationer av platser, utan tillstånd av varande: inre landskap formade av rörelse, minne och metamorfos.

Mitt arbete navigerar ständigt mellan dualiteter — mellan ordning och känsla, ljus och materia, minne och förnyelse, logik och intuition, ledarskap och kreativitet, kontroll och överlåtelse, det förflutna och återfödelsen, strategi och känslighet, företagsprecision och rå natur. Dessa spänningar är inte motsättningar utan harmonier i förändring. De är friktionen som skapar uttryck, den osynliga pulsen under varje tecken jag gör. Varje duk börjar i dialog med kontroll — den del av mig som fortfarande söker struktur, klarhet och resultat. Men när processen utvecklas, ger kontroll vika för instinkt. Även när kaos (ser ut att) dominera, förblir min avsikt mänsklig — att spegla den känslomässiga balansen vi alla söker mellan styrka och överlåtelse, från organisation till frihet.

Jag tror att konst inte är en lyx; det är ett sätt att återvända till oss själva. I en värld som värdesätter resultat mer än närvaro, saktar konst ner oss tillräckligt för att känna igen. För mig är konst återhämtning — inte av det som gick förlorat, utan av det som glömts bort. Mjukheten, sensualiteten, den oavbrutna skönheten i att bara vara. Genom taktil abstraktion skapar jag inte för att imponera utan för att lugna, för att förankra, för att återställa. Mitt arbete inbjuder till beröring — inte bokstavlig, utan emotionell. Det ber tittarna att stanna kvar, att andas, att känna sin egen reflektion i texturens tystnad. Jag målar för platser som behöver lugn, och för kvinnor som levt sina liv med andra, lett, presterat, framträtt. Min konst erbjuder dem tillflykt — ett ögonblick där de inte behöver bevisa, prestera eller förklara. Varje målning är en tyst revolt mot bruset av produktivitet. Det är en påminnelse om att stillhet kan vara kraftfull, och att helande kan ske i tystnad.

"Dual Hirathe" är mer än bara en titel; det är min konstnärliga identitet — en kompass för allt jag skapar. Hirathe härstammar från hem och hjärta, från värme och ursprung, den intima plats där skapandet börjar. "Dual" representerar samexistensen av motsatser — de två världar jag vistas i: den strukturerade, logiska sfären av ledarskap och den intuitiva, sensoriska världen av konst. Tillsammans betyder "Dual Hirathe" hjärtat i dualitet — den levande korsningen där sinne och materia, ordning och känsla, maskulint och feminint möts. Det är pulsen bakom min praktik, den osynliga arkitekturen under varje penseldrag, varje textur, varje linje. När samlare lever med mina verk, förvärvar de inte bara en bild — de engagerar sig i den levande dualiteten. Linjen blir deras spegel: en spänning de kan känna, en tröskel de kan korsa, en inbjudan att bo i rummet mellan gravitation och nåd.

Varje av mina samlingar är ett fragment av ett större samtal — en kontinuerlig berättelse om förändring. De skiljer sig åt i ton, rytm och form, men är förenade av en underliggande fråga: hur förenar vi struktur med frihet?

Efter år av att leda genom logik leder jag nu genom känsla. Det som en gång var strategi har blivit förnuft — en förskjutning från att hantera resultat till att forma upplevelser, från att vägleda organisationer till att styra känslor genom form. Min konst förenar KONST OCH DESIGN, och översätter känsla till påtaglig närvaro. Varje verk är mer än en bild; det är en miljö — en levande yta som interagerar med rum, ljus och minne. De är skapelser avsedda att leva tillsammans med människor, inte utanför dem. Oavsett om de placeras i ett privat hem, ett hotell, en företagslobby, en galleria eller ett museum, är mina målningar utformade som en del av upplevelsearkitekturen. De är menade att andas, att hålla, att hela — inte bara hänga som dekoration, utan att förändra atmosfären omkring dem.


För mig är konst inte ett objekt. Det är en atmosfär, en PORTAL — ett taktilt, visuellt språk av harmoni och närvaro. Det lever genom vibration: färg, textur, tystnad och ljus i dialog med det utrymme det bebos av. När någon står framför ett konstverk, observerar de inte något externt; de går in i ett resonansfält. En texturerad yta, en subtil linje, en dämpad ton — dessa blir inbjudningar att sakta ner, att återknyta kontakten, att andas annorlunda. Varje verk bär på minnet av mänsklig gest — energi som blivit synlig.

I en företagsmiljö mjukar den energin upp rigiditet. I ett privat hem ger den förankring och intimitet. I ett wellnesscenter eller hotell återställer den lugnet. I ett galleri samtalar den med ljus och arkitektur, och förvandlar eftertanke till känsla. I ett museum blir den till dialog — mellan då och nu, mellan betraktarens kropp och kollektivt minne. I en utställning samlar den närvaro — en koreografi av färg, materia och tystnad som förbinder främlingar genom gemensam stillhet.

Varhelst det finns, skapar det närvaro — den osynliga men märkbara förändringen som får ett rum att kännas levande, och "närvaro är den nya lyxen". - Sonia J.

Från "Auktoritet till Erfarenhet": Konstvärlden förändras.
I århundraden drev det genom auktoritet — museer, experter, samlare som bestämde vad som var viktigt. Men idag, på 2000-talet, går vi från ett auktoritetsbaserat system till ett upplevelsebaserat. Konst är inte längre begränsad till vita väggar eller exklusiva rum; den breder ut sig i vardagens rytm. Människor vill leva med konst — att känna den, att bo i den, att låta den påverka deras miljöer och känslor. Och detta är precis vad en plattform som CATAWIKI gör — hjälper människor att leva med KONST! Och det är också anledningen till att jag är här.

Mina målningar är skapade inte bara för gallerier eller utställningar. Trots att gallerier förblir de mest demokratiska rummen för konst – platser där vi kan möta skapelsen i dess renaste form, uppleva den fysiskt och låta våra sinnen, inte system, definiera dess värde. Mina målningar är också för de platser där det verkliga livet utspelar sig – hem, wellness-retreater, kontor, hotell, museer som inbjuder till beröring och interaktion. De tillhör en era där konst integreras med design, arkitektur och emotionellt välbefinnande. För mig är detta inte en utspädning – det är en expansion. Det är konst som återvänder till sitt ursprungliga syfte: att följa människolivet, att markera heliga rum, att skapa förbindelse.

Stora konstnärer som Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — och många andra — skapade aldrig sina verk med gallerier eller museer i åtanke. De målade av nödvändighet, inifrån och ut. Deras dukar var överlevnadsinstrument — speglar för själen, förlängningar av andetaget. Genom sin råa ärlighet uppfann de nya uttrycks­sätt — INTE FÖR ATT IMPONERA, UTAN FÖR ATT EXISTERA. Många av dem kämpade djupt — med isolering, fattigdom, depression — några förlorade till och med kampen mot sitt eget inre kaos. Ändå består deras konst eftersom den talar till det kollektiva behovet av skönhet, mening och känslomässig sanning. De satte inte upp mål att skapa historia; de ville KÄNNA — och genom det tillät de konsten att utvecklas. Återigen påminner deras arv oss om att konstnärlighetens högsta syfte inte är prestige, utan NÄRVARO! Den var alltid tänkt att följa människolivet — att bevittna glädje och sorg, att bo i hem och hjärtan, att markera heliga platser och gemensamma ögonblick.

Vision bortom duken
Så, under 2000-talet är konstens syfte inte att vänta femtio år på att bli bekräftad inom museer eller gallerier – det är att LEVA NU – att existera i dialog med våra dagliga liv, att förvandla de miljöer vi vistas i och att väcka känslor i realtid. Konst idag måste andas med oss: i våra hem, våra arbetsplatser, våra tillflyktsorter, våra städer, våra institutioner, våra samhällen, vår planet och våra tysta hörn. Den måste integreras i hur vi lever, inte förbli avlägsen som något att besöka. Den måste mjuka upp modern livs arkitektur och återinföra ömhet i våra utrymmen. Det är den vision jag bär bortom duken – en tro på att konstens värde inte bara ligger i vad den representerar, utan i vad den väcker. Precis som de som kom före oss målade för att överleva sina inre stormar, målar jag för att återknyta de fragmenterade delarna av det moderna livet – för att förena känsla med miljö, logik med känsla, konst med liv. Detta är det nya kapitlet i konstens utveckling: INTE SEPARATIONEN AV ESTETIK OCH UPPLEVELSE, UTAN DERAS ÅTERFÖRENING – där konst återigen blir det den alltid har varit i sin kärna: ett mänskligt behov.

I denna vision blir konstnären både skapare och kompositör — formulerar inte bara vad som ses, utan också hur det känns. Varje beslut — från pigment till skala, från textur till placering — svarar på energin i ett rum och människorna som bor där. Jag tänker ofta på mina målningar som känslornas arkitektur. De förankrar utrymmet som tysta följeslagare, och tillför rytm där det är tomt, lugn där det är kaos. De påtvingar inte mening; de inbjuder till upplevelse. När jag samarbetar med inredningsarkitekter eller kuratorer, sträcker sig dialogen bortom estetik. Det handlar om hur verket kan förstärka den emotionella arkitekturen i rummet — hur det kan förstärka ljus, balansera energi eller skapa kontrast där stillhet behövs. Det är en fusion av känslighet och strategi, en fortsättning på mitt tidigare liv — men översatt till kreativ form. Det är mötet mellan två intelligenser: den rationella precisionen i affärsstrategi och den intuitiva djupet i konstnärlig vision. Det är inte en avvisning av logik, utan dess förvandling till empati. Där jag en gång designade ramverk för team, designar jag nu miljöer för känslor.


I slutändan är mitt arbete en handling av integration — att sammanföra min tidigare strukturella klarhet i företagsvärlden med den organiska flytandeheten i konst. Varje duk är ett ekosystem: färg, textur, gravitation och tystnad som hittar en balans. I en värld som ofta splittras — där sinne och kropp, konst och liv, förnuft och känsla separeras — strävar jag efter att återknyta det som det moderna livet har delat. Det är vad jag menar med konstnärlig integration: återföreningen av estetisk, mänsklig och rumslig upplevelse. Mina målningar är inte bara att betraktas — de ska levas med. De är följeslagare, förankringar, trösklar till lugn. De påminner oss om att konst fortfarande kan ha mening i en hyperdigital värld — inte genom förklaring, utan genom närvaro.

Detta är min vision bortom duken: att återföra konst till det dagliga livet, att göra utrymmen mer mänskliga och att ersätta auktoritetens brus med erfarenhetens intimitet. Mina samlingar handlar inte om representation utan om närvaro. De är inte skapade bara för att dekorera, utan för att BOLSTRA — för att skapa atmosfärer som jordar och återställer. De hör hemma lika naturligt i ett privat rum som i ett offentligt, i en företagsmiljö som i ett bergshem. Min vision är att göra konst till en del av vårt sätt att leva, inte bara vad vi tittar på — att förvandla utrymmen till levande miljöer där känsla och design smälter samman, där konst blir en atmosfär av förnyelse. Från affärssinne till uttrycksfullhet, från kosmopolitisk rytm till bergstillhet — varje målning jag skapar bär båda världarna inom sig, och det finns broar mellan logik och intuition, mellan människans önskan om ordning och själens behov av frihet. Varje duk är en förhandling mellan dessa krafter — och i den förhandlingen hittar min konst sin egen röst.


Konstnärliga prestationer och utställningar

Sonia J.:s växande internationella erkännande inkluderar:

• Portföljgenomgång — Charlotte Paritzky, direktör för Z&B Gallery och medgrundare av OBRA Art (maj 2025)
• Topp 10 Berlin samtida konstnärer (2024–2025)
• 5:e Internationell samtidskonstmässa, IT’S LIQUID Group — Barcelona, Spanien (18–28 juli 2025)
• Artist of the Month — IT’S LIQUID Group (september 2025)
• Braga samtidskonstutställning — Braga, Portugal (12–14 september 2025)
• Portföljgenomgång — Quentin Métayer, PR & Kommunikation, Perrotin (oktober 2025)
• Portföljgenomgång — Flavio Scaloni, gallerichef, Galerie Lo Scalo (oktober 2025)
• Terapeutiska Vårdhusprojektet — uppdraget att skapa hela samlingen för ett vårdområde i Portugal
Legal Notary Office konstprojekt — beställd hel kollektion inspirerad av Blues Collection.
• SensesART, IT’S LIQUID Group — Lecce, Italien (December 2025)
• European Artist Award 2025 — IT’S LIQUID Group, Venedig, Italien (5 december 2025)
• Verona SPA Art Project — beställd helkollektion för ett hotellspa i Verona, inspirerad av medelhavstexturer.
• Utvald konstnär på Singulart, Artmajeur och listad på Artprice.com
• AKOUN Värdering (juni 2025) — Officiellt certifierad till €550 för format 15P (65 × 50 cm)

Förpackning & Frakt

Konstverket kommer att skickas rullat i ett starkt skyddande rör, inlindat i syrafritt papper och flera lager av förstärkningar för att säkerställa total säkerhet och avsevärt minska fraktkostnaderna.
Frakten inkluderar spårningsnummer och försäkring.

Beräknad leverans
• EU: 3–7 dagar
• Icke-EU: 7–15 dagar (beroende på tullen)