Miroslav Spadrna(Pintorcheco) - Esperando nueva vida-waiting for new life XL no reserve

Warten auf ein neues Leben
(Acryl auf Leinwand 100+80cm) Miroslav Spadrna (tschechischer Maler) 2006–2024 aus Spanien
Miroslav Spadrna ist ein tschechischer Maler, geboren 1968 in České Budějovice, Tschechische Republik. Bereits vor seinem Studium der Bildenden Künste malte und verkaufte er viele seiner Werke. Mit 21 Jahren war er in Deutschland, den Niederlanden und anderen europäischen Ländern bekannt. Mit 25 hatte er weltweit mehr als 1.000 Werke verkauft. Mit 40 verließ er die kommerzielle Malerei, um sich tief in seine Kunst zu vertiefen. Er verließ sein Zuhause und sein früheres Leben, um Kunst auf der Straße zu machen, näher an Armut, Einsamkeit und Leidenschaft. Dieser Wandel veränderte seinen Stil, sein Denken und seine Technik. Mit 43 Jahren begann eine weitere Phase in seinem künstlerischen Leben. Für Špadrna ist Kunst ein Raum absoluter Freiheit, ein Ort, um das Wesen der Dinge und die tiefsten Gefühle des Seins zu finden. Hier ist die einzige Maßeinheit der Zeit der Pinselstrich. Leben auf einer Leinwand, Papier oder Skulptur zu schaffen oder neu zu erschaffen, ist für ihn der höchste Akt. Zu seinen Auszeichnungen gehört der European Artist Award 2023 in Mailand, Italien, und 2021 wurde er zum Kunst- und Malkoordination in der Tschechischen Republik ernannt. Seine Gruppenausstellungen umfassen die Gruppenausstellung in Berja, Andalusien, Spanien, im Jahr 2023. Seine Werke wurden in Spanien positiv kritisiert und in Publikationen vorgestellt. 1997 hatte er einen Aufenthalt in Garachico, Kanarische Inseln, Spanien. Spadrna ist ein anerkannter und preisgekrönter Künstler, der in verschiedenen Medien veröffentlicht wurde. Seit dem 2. April 2024 ist er Mitglied der Galería de Arte Visual Chicote, Spanien. Seine Arbeiten sind auf mehreren Websites zu finden, was seine Entwicklung als Künstler zeigt. Seine Werke sind lebendig und texturiert und spiegeln seine tiefe Verbindung zur Kunst wider, als Mittel, um die Tiefen der menschlichen Erfahrung auszudrücken.
Miroslav Spadrna alias pintorcheco
Ein intimer Reise zwischen Licht, Natur und Essenz
Por Antonio Sánchez. Direktor und Kurator der 1819 art gallery.
Diese Sammlung ist eine bildhafte Sinfonie, die zwischen Abstraktem und Figürlichem schwankt und die visuelle Struktur mit einer emotionalen Ladung verbindet, die jedes Werk durchdringt. In einer Darbietung impressionistischer und expressionistischer Techniken erforscht der Künstler die symbiotische Beziehung zwischen Mensch und Natur, wobei Formen, Farben und Texturen in einer visuellen Choreografie von großer Intensität verschmelzen. Die dicken, kantigen Pinselstriche, die mit einer Mischtechnik aus Impasto und energischen Strichen aufgetragen werden, verleihen der Oberfläche eine fast tastbare Dreidimensionalität und laden den Betrachter ein, in die Materialität jedes Stücks einzutauchen.
Die Farbpalette der Kollektion ist dicht und facettenreich, spielt mit einer lebendigen Palette aus Blau-, Grün- und Erdtönen, kontrastiert durch Akzente in intensiven Rot- und Orangetönen. Diese Farbauswahl ist kein Zufall, sondern folgt einer poetischen Aussage, bei der kalte Töne Ruhe und Introspektion suggerieren, während warme Farben als visuelle Gegengewichte von Energie und Leidenschaft wirken. Besonders die Rottöne, mit ihren Nuancen von Karmesin und Zinnober, heben sich in bestimmten Figuren und natürlichen Elementen hervor und deuten sowohl auf die Vitalität des Lebens als auch auf die Vergänglichkeit der im Bild festgehaltenen Momente hin.
Der Künstler nutzt die Textur als ein wesentliches Ausdrucksmittel in der Komposition. Das Auftragen dicker Schichten von Öl und Acryl, zerrissen und in verschiedenen Richtungen übereinandergelegt, verleiht jedem Werk eine visuelle Dichte, die die Komplexität der natürlichen Welt widerspiegelt. Diese texturale Behandlung hebt nicht nur die Materialität der Malerei hervor, sondern schafft auch eine immersive, fast eintauchende Atmosphäre, die den Betrachter in einen schwellengleichen Raum zwischen Greifbarem und Immateriellem versetzt. Die Pinselstriche werden gestisch, mit einer enthaltenen Energie, die den organischen Puls des Lebens selbst andeutet, und erzeugen eine Art malerische Sprache, die gleichzeitig das Vergängliche und das Ewige anspielt.
In Bezug auf die Komposition stellt der Künstler die Konventionen von Symmetrie und formaler Ordnung in Frage und schafft Szenen, die das kontrollierte Chaos der Natur hervorrufen. Die Elemente sind in einem dynamischen Gleichgewicht angeordnet, wobei die scheinbar zufällige Anordnung der Figuren und Landschaften einer inneren Logik der asymmetrischen Harmonie folgt. Dieser Ansatz erzeugt eine visuelle Spannung, die den Blick in ständiger Bewegung hält und jeden Zentimeter der Leinwand nach verborgenen Details und zugrunde liegenden Bedeutungen absuchen lässt.

Die Komposition wird so zu einer interaktiven Erfahrung, einem Raum, in dem das Auge des Betrachters frei navigiert und bei jeder Beobachtung neue Schichten und Perspektiven entdeckt. Einer der bemerkenswertesten Aspekte dieser Serie ist die Art und Weise, wie die menschliche Figur in einem Zustand der Verschmelzung mit ihrer Umgebung dargestellt wird. In mehreren Arbeiten scheinen die Körper aus der Landschaft hervorzukriechen, als wären sie natürliche Erweiterungen der Bäume, des Wassers oder des Bodens. Diese Integration unterstreicht die Idee einer intrinsischen Verbindung zwischen Mensch und Natur, eine Bindung, die über bloßen Zusammenleben hinausgeht und sich in eine symbiotische und spirituelle Einheit verwandelt. Die menschliche Figur wird nicht als isoliertes Wesen dargestellt, sondern als untrennbares Element des visuellen Ökosystems, das sie umgibt, in einer ewigen Umarmung mit dem Kosmos.
Der picturale Raum in dieser Sammlung ist tief atmosphärisch, aufgebaut aus Schichten von Transparenz und Opazität, die verschiedene Tiefenebenen andeuten. Das Überlagern von Lasuren und Farbflächen schafft eine Illusion von Bewegung, als würde die Landschaft selbst atmen und sich vor unseren Augen verwandeln. Diese Technik, die das Sfumato mit Licht- und Schattenkontrasten verbindet, verleiht den Werken eine fast ätherische Dimension, umhüllt die Figuren in Nebel, der sie zu schwebenden Geistern in einem parallelen Universum macht.

Die implizite Erzählweise der Sammlung ist um universelle Themen wie die Zeit, die Metamorphose und die Persistenz der Natur aufgebaut. Jedes Werk fungiert als ein Fragment einer größeren Erzählung, in der wiederkehrende Elemente – Bäume, Wasser und menschliche Figuren – als archetypische Symbole dienen, die auf die Ewigkeit und den Kreislauf des Lebens anspielen. Die Bäume, mit ihren tiefen Wurzeln und aufsteigenden Zweigen, stehen für Stabilität und die Verbindung zur Erde, während das Wasser mit seinem stetigen Fluss den unvermeidlichen Lauf der Zeit und die Transformation symbolisiert. Die menschliche Präsenz zeigt sich hingegen in einem Zustand der Kontemplation oder Bewegung, als sei sie sich ihrer Vergänglichkeit im Angesicht der Weite der umgebenden Landschaft bewusst.
Die Verwendung von Licht ist ein weiterer wesentlicher Aspekt beim Aufbau dieser von Symbolik durchdrungenen Atmosphären. Das sanfte und diffuse Licht strömt aus verschiedenen Punkten der Komposition und schafft subtile Kontraste, die Fragmente der Landschaft offenbaren und verbergen. Dieses Licht ist nicht nur ein technisches Mittel, sondern ein Symbol des Transzendenten; es wird zu einer Metapher für Bewusstsein und Wahrnehmung, das die sichtbaren Teile erleuchtet und gleichzeitig andeutet, dass im Halbdunkel viel verborgen liegt. Das Licht führt den Betrachter in diesem Sinne auf eine introspektive Reise und macht ihn zum Mitwirkenden des Werks, als Entdecker der Geheimnisse und Bedeutungen, die in jeder Ecke der Leinwand wohnen.