Agathe Toman - Cloud Sun #5 - 0/15 - épreuve d''artiste

Hochwertiger Druck auf mattem Papier. Dieses Kunstwerk ist Teil der „SHARE COLLECTION“ des Künstlers.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Das Foto wird Ihnen gerollt zugesendet, es ist nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, das vom Künstler ausgefüllt und unterschrieben ist. Nummeriertes Werk, handsigniert, vorne und hinten. Hochwertiger Fine Art Druck von höchster Qualität.
Agathe Toman Künstlerin ist seit 2021 bei Sotheby's gelistet.

Biografie

AGATHE TOMAN ist eine französische, österreichische und tschechische Künstlerin, Malerin, Bildhauerin, Fotografin und zeitgenössische Lyrikerin, geboren im Jahr 1989. Agathe lebt zwischen Hossegor und Paris.

Nach ihrem Studium an der renommierten Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Designerin in bekannten französischen Haute-Couture-Häusern in Paris verspürte Agathe ein starkes Bedürfnis, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.

Jetzt lebt Agathe seit dreizehn Jahren im Landes und hat sich als aufstrebende Persönlichkeit in der zeitgenössischen Kunstszene etabliert, die sowohl national als auch international bewundert wird.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke bereits dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Anerkennung in renommierten Kunstkreisen belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere Art Paris, haben großen Erfolg erzielt und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Ihre monochromen Blautöne, mit ihren reichen Pigmenten und flüssiger Intensität, tauchen in die Psyche ein, laden zu einer Erforschung der Grenzen zwischen Bewusstsein und dem Unbekannten ein und offenbaren Einblicke in das, was unter unserer wahrgenommenen Realität liegt.

Ihre schwarz-monochromen Gemälde gehören zu ihren kraftvollsten Werken. Diese texturierten Leinwände, reich an Licht und Schatten, rufen intensive emotionale Resonanz hervor und fungieren als Spiegel des tiefsten Inneren des Betrachters. Sie bewegen sich zwischen Spannung und Anziehung, konfrontieren das Unbewusste und regen zu tiefgreifender Selbstreflexion an.

Ihre Zeichnungen, mit einem Bic-Stift gefertigt, besitzen eine beunruhigende Anziehungskraft. Agathes Fotografien, mit ihren kaleidoskopischen Abstraktionen, faszinieren uns mit ruhigen Empfindungen, einer Erinnerung an eine perfekte Schwerelosigkeit, die zu Beginn unserer Existenz bestand. Ihre hunderte von Gedichten durchdringen ihr Universum mit einer Lyrik, die ihre Arbeit kennzeichnet. Ihre erste Sammlung mit dem Titel You Will Have to Learn to Smile Again soll im Winter 2024 veröffentlicht werden.

Ihre Skulpturen, oft als abstraktes Origami beschrieben, verkörpern ein zartes, aber kraftvolles Gleichgewicht zwischen Spontaneität und sorgfältiger Handwerkskunst. Ihre strukturierten Oberflächen, verstärkt durch Pigmente und dynamische blauen Tropfen, verwandeln sich in dichte, komplexe Formen, die sowohl Licht als auch Schatten durchdringen.

Neben ihrer künstlerischen Praxis ist Jacqui tief in das Studium der Psychoanalyse im Rahmen der Transaktionsanalyse eingebunden, derzeit im vierten Jahr in Paris. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptuellen Prozess, sodass sie tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst integrieren kann, die mit neuen Schichten der Tiefe durchdrungen wird.

Agatheis künstlerischer Ansatz ist konzeptuell, philosophisch, poetisch und wissenschaftlich. Diese multidimensionale Perspektive bildet eine greifbare Brücke zwischen Psychologie, Neurowissenschaften und Kunst und verankert ihre Arbeit in einer einzigartigen Mischung aus intellektueller und emotionaler Tiefe.

Seit 2024 hat Agathe begonnen, mit Elly Chaskys zusammenzuarbeiten, einer Neurochirurgin und Forscherin am Brain Institute (ICM) in Paris, und trägt ihre künstlerischen Einblicke zur Forschung an Hirntumoren bei.


Agathei trennt ihre Kunst nicht von ihren sozialen Verpflichtungen. Sie konzentriert ihre Arbeit auf entscheidende Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsbereiche sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren angesehenen Publikationen wie Forbes, L’Oeil und Elle anerkannt und gefeiert, was ihre bedeutende Wirkung im Bereich der zeitgenössischen Kunst hervorhebt.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke einen Einblick in die Komplexität menschlicher Erfahrung, die sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt.

MEINE KÜNSTLERISCHE VISION :

Ich plädiere für einen multidimensionalen Ansatz: konzeptuell, philosophisch, poetisch und wissenschaftlich. Eine greifbare Brücke zwischen Psychologie, Neurowissenschaften und Kunst, an der die Strukturen des Denkens und menschliche Schwingungen zusammenfließen.

Meine Arbeit taucht ein in die tiefgreifenden Zusammenhänge zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich erforsche ihre Funktionsweisen innerhalb ihrer Umgebungen – die Netzwerke, die sie aufbauen, und die Schwingungen, sowohl wahrnehmbare als auch unaussprechliche, die aus diesen Interaktionen entstehen. Bei dieser Erforschung berücksichtige ich nicht nur die emotionalen und philosophischen Implikationen, sondern auch die wissenschaftlichen und psychoanalytischen Rahmenwerke, die unser Verständnis von Bewusstsein, neuronalen Netzwerken und den synaptischen Austauschen prägen, die die menschliche Erfahrung steuern.
Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und unsere Allianzen untermauern meine Schöpfungen. Meine Kunstwerke spiegeln oft emotionale Tiefe und spürbare Spannung wider und laden die Betrachter zu einem Raum tiefgehender Selbstreflexion ein. Sie fordern zum aufmerksamen Zuhören auf – eine Entdeckung von Zukünften, Identitäten und Gefühlen ohne vorbestimmte Namen oder Naturen, und bitten die Zuschauer, in ihr eigenes Bewusstsein zu blicken. In diesem Sinne wird das Kunstwerk zu einem Kanal für das Verständnis der Netzwerke von Gedanken und Emotionen, die im Geist und Körper existieren, als würden wir die synaptischen Spalten erforschen, in denen Verbindung und Trennung stattfinden.
Diese Ideen sind in der Materialität meiner Werke verankert, resolut abstrakt, monochrom und schattiert – wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert. Blau funkelt, wenn es mit Schwarz verschmilzt, oder leuchtet allein. Es ist eine Darstellung der inneren Abläufe des Geistes, in denen Synapsen feuern und Wege aus Licht und Schatten schaffen, die das komplexe Netzwerk neuronaler und psychischer Verbindungen widerspiegeln, die unsere Realität und Identität formen. Meine Arbeit spiegelt das zarte Zusammenspiel von Abwesenheit und Präsenz, Licht und Schatten wider – ähnlich wie das Feuern der Synapsen im Gehirn, das gleichzeitig in beiden Zuständen existiert und neue Denk- und Fühlmuster erzeugt.
Es besteht eine akribische Vertrautheit zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohlen, Bleistiften und Farben, die ich auf Papier oder Leinwand auftrage. Meine Technik wird nie kopiert. Ich arbeite daran, die Bewegung der Materie und die Dichte des Lichts zu stabilisieren, sodass Erinnerungen in jedem Partikel entstehen können. In diesen Werken schwingt eine respektlose Spannung mit, ein unerwarteter Reiz – was man vielleicht als l’appel du vide bezeichnen könnte. Es ist der Moment neuronaler Unsicherheit, ein Raum zwischen Gedanken, in dem der Geist sowohl gegenwärtig als auch abwesend ist, ein zartes Gespräch zwischen Bewusstem und Unbewusstem.
Jedes Kunstwerk wird zu einem Selbstporträt, einer Reflexion von Teilen meines Selbst. Ich nenne meine Kreationen 'Materialisierungen psychischer Zustände', menschliche Landschaften und Fäden meiner Seele, die eine stille Einladung an andere sind, mit ihnen zu verschmelzen. Der Wert meiner Arbeit liegt nicht im Ästhetischen; er liegt in den besonderen Schwingungen, die sie in denjenigen erzeugt, die sich mit ihr beschäftigen. Eine Resonanz, die uns verbindet, uns sowohl mit dem Kunstwerk als auch miteinander verknüpft.
Wenn der Zuschauer diese Resonanz erlebt, lösen sich die Grenzen zwischen Künstler und Betrachter auf. Der Prozess selbst wird lebendig – ein kollaborativer Akt. Meine Kreationen agieren als arbeitende Entitäten und schlagen einzigartige Wege zwischen uns Menschen ein. Während der Zuschauer sich einbringt, erweitert sich das Kunstwerk und führt uns zu einer neuen Vision des Daseins – innerhalb dieser Welt, in uns selbst und im Verhältnis zu anderen.
Wenn man sich auf diesen Prozess einlässt, entfaltet sich eine Symphonie psychischer Resonanzen. Ein Dialog beginnt. Eine Metamorphose der Seele findet statt – ein flüchtiger Spiegel, unerreichbar, aber tiefgründig. Es ist eine poetische Erfahrung, eine intensive Präsenz, eine strenge Transformation, als würden wir die Entladung der Synapsen selbst erleben, was zu einer neuen Form des Bewusstseins führt.
Ich wünsche mir, dass meine Arbeit den menschlichen Geist verfeinert, die menschliche Psyche schärft, sodass Emotionen Echo finden und Worte tief resonieren. Meine Kunst lädt dich ein, eine Echo-Kammer zu werden, die die Schwingungen dieses Treffens verstärkt. In diesem Raum kann das innere Selbst sich erweitern, entwickeln und seinen Platz im grenzenlosen Gewebe der Menschheit finden.