Alberto Carlos Ayala (XX) - Thera

Dzieło czerpie inspirację z minojskiej erupcji na wyspie Théra (Santorini), jednego z największych udokumentowanych zdarzeń wulkanicznych w dziejach ludzkości, która miała miejsce około XVII wieku p.n.e. i została sklasyfikowana w najwyższych poziomach skali VEI (Volcanic Explosivity Index).
To zdarzenie, mające moc redefiniowania terytoriów, równowag klimatycznych i układów kulturowych Śródziemnomorza starożytnego, zostało przyjęte jako macierz koncepcyjna i czasowa dzieła.
Powierzchnia malarska układa się w płonące i ciągłe pole chromatyczne, w którym dominujący czerwony odcień działa jak materia podstawowa, przywołując pierwotny wymiar magmy jako siły generującej planetę.
Kolor zatrzymuje energię: wizualne trwanie odwołujące się do głębokich procesów, dzięki którym Ziemia wykształciła warunki życia, płodności i ostatecznie dobrobytu ludzkiego.
Na prawym marginesie kompozycji ciemne i nieregularne zagęszczenie materii przerywa ciągłość pola kolorów.
Ten element, ukształtowany i warstwowy, działa jak powstrzymane ujście wulkaniczne, jako próg geologiczny, w którym materia gęstnieje i spręża się.
Malarstwo odtwarza porcję energii i materii, kondensując w formie esencjonalnej realne, konkretnie położone i historycznie określone zdarzenie.
Dzieło wpisuje się w szersze poszukiwanie, w którym Ayala podejmuje podróż badań nad głównymi systemami wulkanicznymi planety. Podróż, obserwacja bezpośrednia i badania naukowe stanowią fundament praktyki, która odwołuje się do skali VEI jako struktury eksplozji geologicznej i związanej z istnieniem er geologicznych w stosunku do krótkiego życia człowieka.
Każdy obraz odpowiada konkretnemu momentowi i fragmentowi tamtej materii pierwotnej, która przyczyniła się do ukształtowania kształtu świata.
Kolor działa jako materia-czas: rozległa, żarząca się masa buduje ciągłą przestrzeń mentalną, podczas gdy ciemny obszar koncentruje ciężar, pęknięcie i głęboką pamięć.
Napięcie wynikające z tego ma charakter strukturalny i wpisuje się w niestabilną równowagę między polem a zdarzeniem, między ciągłością a nagromadzeniem, między początkiem a przemianą.
Język malarski dialoguje z malarstwem tonowym i tendencjami minimalizmu materialnego poprzez umiar w gestie i świadomość progów między pełnią a pustką.
Powierzchnia kształtuje się w wyniku postępującej sedymentacji, afirmując wizję malarstwa jako miejsca kontemplacji i czynu wdzięczności wobec twórczej eksplostywności natury.
Dla rygoru formalnego, jasności koncepcyjnej i umiejętności prowadzenia złożonych badań w czasie, dzieło naturalnie wpisuje się w kontekst kolekcjonerski i instytucjonalny wysokiej rangi.