Anton Kaestner - #114 - XXL - " Cy #1 ".

Unikatowy obraz, oryginalna malarska praca Anton Kaestnera, prosto z pracowni.
#114 - " Cy #1 " - rozmiar XXL.
Ogromny format.

Akryl na spray na płycie z pleksiglassu o grubości 3 mm.
Ten obraz to nie gwasz. To dzieło namalowane w kilku warstwach farby i/lub sprayu, którego błyszczące wykończenie „glossy” przypominające zastosowanie żywicy jest unikalne.

Podczas licytacji proszę brać pod uwagę, że to dzieło w bardzo dużym formacie zostanie dostarczone oprawione w czarną matową ramę, gotowe do zawieszenia. Wartość samej ramy to 250€ brutto.

Wymiary: cale 47,2 × 34,3 × 0,12 / 120 × 87 × 0,3 cm bez ramy.
Obraz ten sprzedawany jest z ramą aluminiową marki niemieckiej Nielsen, wykończenie czarna mat, (cale 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), lub inną z tej samej linii do wyboru nabywcy.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to szwajcarski malarz, rzeźbiarz i autor, mieszka w Paryżu. Jego prace wystawiane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na stronie www.antonkaestner.com.

Następna wystawa indywidualna – Genewa, 18–28 czerwca 2026.

"Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem w otoczeniu naturalnego piękna i kulturowej bogactwa mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, wywarł wpływ, który zasiał nasiona, które ostatecznie stały się pasją mojego życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi acrylics w notesach A4, a później A3. Początkowo ciągnęło mnie malarstwo nienazyjne figuratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm. Z czasem, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem także upodobanie do duchowych materiałów, które odpowiadały mojej eksploracji ludzkiej egzystencji, melancholii i głębszych praw natury i życia.
Jednak droga do prawdziwego stawania się artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabrała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły perspektywy, eksponując szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie był, zanurzałem się w lokalnych scenach artystycznych i angażowałem się w twórczą energię każdego miejsca.
Pomimo nacisku na karierę biznesową, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się formą tajemniczej medytacji dla mnie — sposobem na oderwanie się od świata i skoncentrowanie na swoim wnętrzu.
Zawsze czerpałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, gdzie mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać autentyczne doświadczenia. Dzięki mojej sztuce zawsze miałem nadzieję ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, możliwość zobaczenia świata z innej perspektywy i refleksji nad własnym życiem.
W 2021 roku, po przejściu na emeryturę z kariery w biznesie, całkowicie zaangażowałem się w malarstwo. Założyłem studio w Paryżu i całkowicie poświęciłem się sztuce. Do końca 2023 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moje prace szybko zyskały uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza we Francji, Portugalii, Niemczech i Holandii.

CV Artystyczne

Moja pierwsza wystawa indywidualna, „Échos”, która odbyła się w Paryżu pod koniec 2024 roku, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki, odchodzące od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, pigmentami metalicznymi i sprayami na pleksie przetworzonym z recyklingu, lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem delikatnej powierzchni.
Ten proces uniemożliwia mi obserwowanie pracy tak, jak się rozwija. Nie mam wizualnej informacji zwrotnej ani kontroli podczas procesu — co traktuję jako zaletę. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko może pójść na skróty rozumu — aby kierować wynikiem, warstwami i efektami lustrzanymi, które tworzę, i zostawić miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło ostatecznie zostanie pokazane. Podejście to, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalania fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji są wzbogacane przez warstwy i transparentność, a jednocześnie nadają każdemu dziełu „ascetyczną” jakość: cieszę się, gdy rozpoznaję „nieuchronne potrzeby”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w ciszy i świetle.
Świadomie utrzymuję moje podejście proste. Nie ma „emocji” ani „teoretycznej koncepcji”, lecz doświadczenie bycia. Nie „szybkiego konsumowania” ani „intelektualizacji / intelektualnego posiadania”, lecz poszerzania świadomości i eksplorowania rzeczywistości, jej widocznych i niewidocznych opowieści; moja sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, „le vif”, jak to ujęłby francuski mistrz SF Alain Damasio.
Choć moja praca czasem może kojarzyć się z przejrzystością i luminiscencją witraży, pozostaje niemal w całości abstrakcyjna. Co więcej, pleksa nadaje obrazowi migoczącą skórę, pod którą można dostrzec własny zarys, inny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretnie lustro: żyje, zmienia się, widzi.
Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, także brakujące fragmenty, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „detalami do zbliżenia” a „odległością dla całości” zachęci widzów do własnych introspekcyjnych wędrówek.
Nie twierdzę, że mam wszystkie odpowiedzi i chcę pozostać skromny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu znajduję satysfakcję w ciągłym procesie pytania i rozwoju. Każde nowe stworzenie to konfrontacja z moimi ograniczeniami, która popycha mnie do doskonalenia umiejętności i dalszej eksploracji tego, co mogę osiągnąć. Malowanie to dla mnie codzienne rzemiosło, eksploracja, sposób na pobudzanie meaningfulnych rozmów.

Jak mówił Jean Bazaine: „Codzienna praktyka pomnaża pasję do widzenia.”

Anton Kaestner