Tijs Dragtsma (1992) - Psyche Wakes in Light

Dwie smugi światła wyrywają się jak skrzydła z węzła jasności w centrum, i w samym centrum tego węzła, tam gdzie dwa oblicza miały się niemal dotknąć, ciemność pozostaje ciemnością. Sam pocałunek jest jedyną rzeczą, którą dzieło zachowuje dla siebie, trzymany w rdzeniu prawie czarnego, podczas gdy wszystko wokół niego, ramiona, uniesione skrzydła, długi upadek draperii pod nią, oddane jest polu drobnych zarysowań.

To jest po Psyche Revived by Cupid's Kiss, marbre wyrzeźbione przez Antonio Canovę i ukończone w 1793 roku, obecnie w Luwrze w Paryżu. Canova ustawił opowieść w jej najbardziej naładowany moment, chwilę, gdy pocałunek budzi Psyche ze śmierci, która na nią spadła w momencie, gdy otworzyła pudełko, które miała zabronione otwierać. To jest niezależne dzieło Tijsa Dragtsmy, nowa interpretacja w zarysowaniach, a nie kopia, reprodukcja czy odlew rzeźby Canovy.

To, za co kochamy oryginał, polega na tym, że zamienia kamień w oddech, najtwardszy materiał noszący najdelikatniejszy moment, jej ramiona zakrzywiają się w górę, by objąć jego głowę, zanim jeszcze otworzy oczy, jego skrzydła uniesione wysoko, jakby przestraszone swoją własną delikatnością. Cała rzeźba opiera się na tym przecięciu gestów, sięganiu do sięgania, i prawie niczym innym.

Co tu przetrwało, to całe to przecięcie: uniesienie skrzydeł, łuk ramion znajdujących jego głowę, długi opadający ciężar jej ciała i draperia zgromadzona pod nim. To, co się wycofuje, to sam marmur, jego chłodny biały ciężar, podest, światło galerii, które zwykle na niego pada w Paryżu. Wszystko to poddaje się jednemu czarnemu polu, tak że tylko to wyciąganie, i pocałunek, ku któremu to wyciąga, pozostają jako światło.

Psyche Wakes in Light należy do After the Masters, serii w ramach Art with Scratch Tijsa Dragtsmy, w której wizerunki konstruowane są poprzez kontrolowane uszkodzenia powierzchni zamiast pigmentu lub druku, a to samo uszkodzenie staje się sposobem zadawania pytania, ile z arcydzieła oko jeszcze potrzebuje, gdy już zna wszystko, i jak wygląda znane objęcie, gdy wszystko oprócz zasięgu go zostaje zwolnione.

Bez farby. Bez odlewu. Bez tuszu. Postacie utrzymane są w polu pojedynczych znaków zarysowanych na powierzchni szkła akrylowego, zawsze obecnych, nigdy nie czekających na światło, by je wskrzesić. Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go, a ciemność w centrum uścisku pozostaje tam, gdzie Canova ją pierwsze wyrył, pocałunek, którego dzieło nadal nie pokaże do końca.

"Niektóre odnowy dzieją się na otwartym. Ta dzieje się tuż poza zasięgiem światła."

O sztuce z Scratch

Art with Scratch to zbiór prac, w których obraz nie jest rysowany, lecz uwalniany. Wyryty linia po linii na głębokiej czarnej powierzchni, każdy utwór wyłania się dzięki niezliczonym precyzyjnym zarysowaniom, które chwytają światło i wyprowadzają formę z ciemności.

Z daleka obraz wygląda prawie jak fotografia. Potężny, rozpoznawalny i pełen obecności. Z bliska jednak praca rozpada się w gęste pole pojedynczych znaków. Delikatny, kruchy i prawie bezwładny. To, co wydawało się solidne, objawia się jako delikatna sieć linii, każda z nich to celowy gest, każda niezbędna całości.

Światło nie tworzy obrazu. Ostrzy go. Czarną powierzchnię pochłania, podczas gdy zarysowania odbijają. Gdy światło przemieszcza się po powierzchni, obraz oddycha. Z jednego kąta postać jest wyraźna i zdefiniowana. Z innego łagodnieje i opada z powrotem ku ciemności, z której przyszła, nigdy nie znikając. Pod skoncentrowanym oświetleniem kontrast pogłębia się, a obraz zyskuje rzeźbiarski, niemal luminescencyjny charakter.

Co sprawia, że to medium jest tak pociągające, to jego cicha napięcie. Akt rysowania jest bezpośredni i nieodwracalny. Każda linia to decyzja, której nie da się cofnąć. A jednak wynik nie jest ostry. Jest intymny, pełen nastroju i ożywiony ruchem. Twardość staje się miękkością. Zniszczenie staje się tworzeniem. Nieobecność staje się obecnością.

W pracach takich jak ten portret, figura nigdy nie jest całkowicie ustalona. Poprzez interakcję linii, światła i cienia obraz zmienia się wraz z perspektywą i atmosferą. W pewnych momentach zdaje się wychodzić z czerni. W innych osadza się z powrotem w bezruchu. To właśnie w tym ruchu, między ostrością a spokojem, dzieło ożywa.

Podobnie jak wszystkie materiały dotykane przez czas, powierzchnia nosi swoją własną cichą historię. Każny rysunek skrywa moment, oddech, gest. Razem tworzą nie tylko obraz, ale obecność, która nadal objawia się przy każdej zmianie światła.

O artyście

Nazywam się Tijс Dragtsma, założyciel TD Fine Art Studio.

Jako artysta kieruję się stałym pragnieniem eksplorowania nowych języków wizualnych. Nie postrzegam sztuki jako stałego stylu, lecz jako rozwijające się pole odkryć, gdzie materiał, struktura, światło i emocja łączą się.

Moja praca często zaczyna się od prostego pytania. Jak materiał może przemówić na nowy sposób. Jak twardość może stać się intymnością. Jak precyzja tworzy emocje. Ta poszukiwanie leży w sercu wszystkiego, co tworzę.

W ramach TD Fine Art Studio każda seria prac traktowana jest jako własny świat, ze swoją logiką, atmosferą i tożsamością wizualną. Niektóre prace budowane są poprzez rytm, powtarzalność i strukturę. Inne pojawiają się poprzez brak, cień, refleksję lub napięcie. Łączy je wspólne zaangażowanie w oryginalność, jasność i obecność emocjonalną.

Jestem zafascynowany kontrastem. Między siłą a kruchością. Między kontrolą a odczuwaniem. Między tym, co widoczne, a tym, co pozostawione otwarte na interpretację. Celem nie jest tylko stworzenie obrazu, lecz stworzenie dzieła, które przyciąga uwagę, zaprasza do refleksji i nadal objawia się z biegiem czasu.

TD Fine Art Studio to miejsce, w którym te poszukiwania się jednoczą. To nie tylko studio, lecz rozwijający się wszechświat artystyczny ukształtowany przez ciekawość, precyzję i ambicję tworzenia prac, które wydają się wyraziste, zamierzone i żywe.