Anton Kaestner - #395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
Minha primeira pintura em vidro, um vidro recuperado no Marrocos em 1994.
#395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Acrílico em spray sobre placa de vidro (Marrocos 1994) de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma peça original "multicamadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões : Polegadas 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 60€TC.

A obra é assinada no verso.
Acompanhando-se de um Certificado de Autenticidade.
A entrega está coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne 7/10 de maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra natal. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que, eventualmente, viria a se tornar a paixão de minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras técnicas com acrílicos em cadernos A4 e depois A3 – sempre senti que quadros grandes chegam direto a você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e mesmo me considerando ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhei nas cenas artísticas locais e participei da energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira profissional, a arte sempre fez parte de mim, fervendo silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da minha carreira nos negócios, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando lugar em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, na Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distintiva da arte, afastando-se das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays no verso de vidro acrílico extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que celebro. Permito “experimentos aleatórios” — tudo vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ficar claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas só são possíveis com grande disciplina. Essa abordagem que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, porém conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que é provável que descubramos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização / posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens, ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho às vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente a cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o próximo” - um detalhe de uma imagem é uma imagem totalmente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, que me impulsiona a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso conquistar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal acabou de começar.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde o conceito e a forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imponível. Ao descrever as obras como “sem objeto” e por terem “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e se dirigir a uma forma de olhar mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento inserir o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldado pela mudança da luz, camadas translúcidas e o sutil reflexo do observador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê”.

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar no verso do vidro acrílico, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Eu estabeleço condições, mas Sussex o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de “objeto de si mesmo”, plenamente revelada apenas quando concluída. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciente espera pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, existem alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Casualidade e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A casualidade é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é partilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença quieta, uma serena tangibilidade.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia perdura na obra, mas é curiosamente voltada ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas na “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço-eficiência
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que soe autônomo, como se tivesse "surgido por si só". Atraio-me pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a era do informal acabou de começar.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a casualidade não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

Em seu âmago está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende a uma experiência direta em vez de uma intelectualização. A modesta escala que frequentemente escolho visa encorajar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática baseada em paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem se tornar, acredito, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner