Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
Minha segunda pintura em vidro, um vidro recuperado no Marrocos em 1994.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Acrílico em spray sobre placa de vidro de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy" próximo à aplicação de uma resina é único.
Transparência na impressão.

Dimensões : Polegada 8,9 × 10 × 0,12 / cm 22,5 × 25,5 × 0,3 sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Uma cavidade muito pequena está presente na parte de trás; faz parte da obra.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegada 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 60€TTC.

A obra está assinada na parte de trás.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e escolhas em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição individual: Genebra 18/28 de junho de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural da minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente para o que acabaria se tornando a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes vêm direto em sua direção, dominadores e intimidantes, enquanto as obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora eu me considere ateu, também desenvolvi uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira, a arte sempre foi uma parte de mim, quieta fervendo sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma viagem onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-se da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou reconhecimento rapidamente, encontrando lugares em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países-Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artística

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastando-se das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes fragil, que facilita que a obra não seja visível conforme se desenvolve. Não tenho retorno visual ou controle durante o processo — algo que aceito. Permito "experimentos aleatórios" - qualquer coisa para contornar a razão! - para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas seja claro: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com um grande grau de disciplina. Essa abordagem, que reverbera com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que proporcionem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que descubramos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a “emoção” nem a “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem o “consumo rápido” nem a “intelectualização/posse intelectual”, mas o alargamento da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sido sempre parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos em si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de existir, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele brilhante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação entre luz, cor e textura, dos partes ausentes também, exige apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para perto” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e desejo permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A idade do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a silenciosa inter-relação do pensamento e do processo que permite que ela emerja.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e tendo “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero suavemente afrouxar a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e ir para um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador ao encontrar seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

O terceiro é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na traseira do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Eu marco condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de “objeto de si mesmo”, totalmente revelada apenas quando completa. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — paciência esperando pelo que chega “aqui e agora.”

Segurar essas intenções são alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Acaso e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. O acaso é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença tranquila, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma leve nostalgia persiste no trabalho, ainda que curiosamente voltada para o agora: o anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas em “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço Sem Esforço
O processo requer atenção constante, ainda que vise um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si só.” Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, passei a sentir que “a era do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador silencioso.

No seu âmago está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez de intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, isto é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada no paradoxo silencioso não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner