Okuda Akane – Kasama Bowl: Wo die Dämmerung auf die Morgendämmerung trifft, mit Kirschblüten-Motiv. - Porzellan - Okuda Akane - Japan - Reiwa-Zeit (2019-heute)

– Zeitgenössische Kasama-Keramik von Okuda Akane, Teil der neuen Generation japanischer Töpferinnen –
Atmosphärische Yōhen-Glasur (Ofenwechsel), die von zartem Rosa zu Grau-Blau übergeht –
Zarte weiße Engobe-Verzierung, die Kirschblütenzweige und fallende Blütenblätter zeigt –
Dunkler eisenhaltiger Rand im Kontrast zum pastellfarbenen Körper –
Holzfeuer mit natürlichen Asche-Effekten, die subtile Oberflächenvariationen erzeugen –

Zusammenfassung: Farben wandern über die Oberfläche dieser Schüssel, als wäre die Atmosphäre selbst greifbar – sanfte Rosatöne lösen sich in pudrige Blautöne auf, mauve Töne schmelzen in Seafoamgrautöne – Okuda Akanes yōhen (Kiln-Change) Glasur fängt die vergänglichen Farbwechsel ein, die während der Dämmerung auftreten, jene flüchtigen Momente, in denen Tag sich der Nacht ergibt. Zarte weiße Slip-Dekoration, die Kirschblütenzweige und verstreute Blütenblätter darstellt, verleiht dem atmosphärischen Farbfeld saisonale Poesie. Diese Schüssel exemplifiziert den experimentellen Geist zeitgenössischer Kasama-Keramik, bei dem junge Keramiker regionale Traditionen ehren und zugleich eindeutig persönliche ästhetische Sprachen schmieden. Der dunkle kohlefarbene Innenraum erzeugt einen dramatischen Kontrast, wenn die Schüssel von oben betrachtet wird, während die texturierte, kristalline Außenoberfläche die unberechenbaren Interaktionen zwischen Flamme, Asche und Glasurchemie beim Holzbrand festhält.

Es gibt Schalen, die ihre Funktion eindeutig ankündigen, und Schalen, die irgendwo zwischen Nützlichkeit und reiner ästhetischer Kontemplation zu existieren scheinen. Dieses Werk von Okuda Akane gehört fest zur zweiten Kategorie. Auf den ersten Blick dominieren die atmosphärischen Farbübergänge—sanfte Rosatöne und Mauven, die in Grau-Blau übergehen und einen Effekt erzeugen, der an Morgendämmerungsschwaden oder Abendhimmelslichte erinnert. Doch eine längere Beobachtung offenbart eine vielschichtige Komplexität: die strukturierte, kristalline Glasuroberfläche, die das Licht unregelmäßig einfängt, die zarte Kirschblüten-Dekoration, die sich subtil aus dem Farbfeld herausentwickelt, der dramatische dunkle Rand und das Innenleben, die die Komposition verankern.

Okuda Akane gehört zu einer neuen Generation japanischer Keramikerinnen, die sich in Werkstätten behaupten, die historisch von männlichen Töpfern dominiert waren.Ihr Ansatz verbindet technische Strenge, die sie aus Kasamas Volkshandwerkslinie geerbt hat, mit Farbempfindungen, die durchweg zeitgenössisch wirken—jene Pastellabstufungen beziehen sich weder auf historische japanische Keramik noch auf chinesische Porzellankonzepte, sondern deuten vielmehr auf Aquarellmalerei, Textilfärbung, ja auf die atmosphärischen Farbflächen zeitgenössischer Malerei hin, die in keramische Form übersetzt werden.

Die Schale entstand in Okudas holzfeuerndem Brennofen, in dem Flammen und Asche unvorhersehbar mit der Glasurchemie interagieren, um Effekte zu erzeugen, die beim Elektrobrand unmöglich wären. Beachten Sie die feinen Variationen in der Farbstärke – leicht dunklere Töne dort, wo sich Flammen konzentrierten, hellere Stellen dort, wo sich Asche abgesetzt hat, die körnige, fast kristalline Textur, wo Mineralien in der Glasur während des Brandes mit Holzasche reagierten. Jede Oberflächenunregelmäßigkeit dokumentiert die einzigartigen atmosphärischen Bedingungen des Brennvorgangs. Diese Akzeptanz des kontrollierten Zufalls fügt sich in die japanische Wabi-Sabi-Ästhetik ein, jene philosophische Wertschätzung der Vergänglichkeit und Unvollkommenheit als Quellen der Schönheit statt als Fehler, die einer Korrektur bedürfen.

Die Farbpalette verdient besondere Beachtung. Die zarten Rosa- und Mauvetöne erinnern an Kirschblüten, Pflaumenblüten oder vielleicht an den Himmel bei Morgendämmerung. Die Grau-Blau-Töne ruften Nebel, Regen oder Dämmerung in Erinnerung. Das sind Farben, die man traditionell nicht mit japanischer Keramik assoziiert – nicht die nüchternen Brauntöne und das Schwarz des Teeservices, nicht die lebhaften Emaillen von Imari oder Kutani, nicht die feinen Celadon-Glasuren und weiße Porzellane des höfischen Geschmacks. Stattdessen wirken sie zeitgenössisch, ja westlich beeinflusst, doch gezielt mit einer deutlich japanischen Zurückhaltung und Aufmerksamkeit für subtile Tonübergänge eingesetzt.

Vor diesem atmosphärischen Hintergrund tritt eine zarte weiße Slipdekoration hervor: stilisierte Kirschblütenzweige, die diagonal über die Oberfläche ziehen, Punkte, die fallende Blütenblätter andeuten, verstreut wie Schnee. Die Dekoration ist sparsam – sie belegt vielleicht ein Viertel der Außenoberfläche, konzentriert auf einer Seite.
Diese Zurückhaltung ist entscheidend. Zu viel Dekoration würde die atmosphärische Schönheit der Glasur überwältigen; zu wenig würde sich unausgegoren anfühlen. Das Kirschblütenmotiv selbst trägt in Japan eine tiefe kulturelle Resonanz – Sinnbild für das Kommen des Frühlings, für vergängliche Schönheit, für die Kürze des Lebens. Die verstreuten Blütenblätter verleihen melancholische Poesie, deuten auf den Moment, in dem Blüten fallen, jenen bittersüßen Übergang vom Höhepunkt des Blütens zum Rückgang.

Der dunkle Rand bildet einen visuellen Anker und verhindert, dass die sanften Farben in Vagheit zerfließen. Diese eisenhaltige Randbehandlung hat Vorläufer in der japanischen Teakeramik, wo die Grenzfläche zwischen Glasur und nacktem Ton oft eine charakteristische Farbe und Textur hervorbringt. Hier dient sie einem kompositorischen Zweck: Sie rahmt den Pastellkörper, wie eine dunkle Horizontlinie, den Aquarellhimmel verankert.

Der Innenraum zeigt eine dunkle Grauglasur oder Anthrazit, die beim Betrachten der Schüssel von oben einen dramatischen Kontrast erzeugt. Diese Entscheidung—helle Außenwand, dunkle Innenfläche—wirkt eher zeitgenössisch als traditionell. Sie erzeugt eine visuelle Überraschung, genau der Moment, in dem man die Schüssel anhebt und unerwartete Farbe im Inneren sichtbar wird. Für den praktischen Gebrauch erfüllt die dunkle Innenfläche einen praktischen Zweck: Sie nimmt keine Flecken von Speisen oder Getränken an und bietet eine neutrale Grundlage, vor der die Farben der Speisen geschätzt werden können.

Die Form selbst ist einfach und ungekünstelt: Eine abgerundete Schale mit relativ flachem Profil, Wände, die sanft nach innen krümmen und dann am Rand leicht nach außen auslaufen. Die Proportionen wirken großzügig – dies ist eine beachtliche Schale, geeignet zum Servieren von Reis, Nudeln, Salaten oder einfach zur Ausstellung als skulpturales Objekt. Der Fußring sitzt stabil und eben, die Schale ruht selbstbewusst ohne Wackeln.

Für zeitgenössische europäische Innenräume bietet diese Schale eine bemerkenswerte Vielseitigkeit, die besonders jüngere Sammler zu schätzen wissen.
Die Pastellpalette harmoniert perfekt mit den aktuellen skandinavischen Designtrends, die weiche, gedeckte Töne gegenüber kräftigen Primärfarben bevorzugen.
Die kompakten Proportionen eignen sich sowohl zum Essen als auch zur dekorativen Präsentation.
Stylisten aus London und Kopenhagen beginnen, ähnliche Stücke in redaktionellen Shootings zu präsentieren – fotografiert vor Wänden in Millennial-Pink oder auf hellen Eichen-Tischen platziert, schaffen sie Kompositionen, die sich gleichzeitig vintage anfühlen und völlig zeitgenössisch wirken.

Die Kirschblütenverzierung verleiht der Schüssel eine erzählerische Dimension, ohne deren wesentliche Schlichtheit zu überlagern. Für europäische Zuschauer, die mit der japanischen saisonalen Ästhetik nicht vertraut sind, wirkt das Motiv einfach als schönes Blumendekor. Für diejenigen, die mit der japanischen Kultur vertraut sind, trägt es Schichten von Bedeutung—saisonale Bezüge, poetische Anspielungen, Verbindung zu Jahrhunderten künstlerischer Tradition. Diese doppelte Lesbarkeit macht die Schüssel einem breiten Publikum zugänglich, während sie kulturelle Tiefe bewahrt.

Funktionell erfüllt die Schüssel mehrere Zwecke. Sie kann Reis, Suppe, Nudeln, Salat – alles, was in einer mittelgroßen Schüssel serviert werden könnte.
Das dunkle Innenleben zeigt keine Verfärbungen, und die Haltbarkeit von Steinzeug bedeutet, dass es dem täglichen Gebrauch, der Spülmaschine und der Mikrowelle standhält.
Doch die Schüssel funktioniert ebenso als reines Dekorationsobjekt. Stellen Sie sie leer auf ein Regal, und die Farbübergänge, die Kirschblüten-Verzierung und die strukturierte Oberfläche schaffen ein vollständiges ästhetisches Erlebnis.
Füllen Sie sie mit saisonalem Obst und die atmosphärische Glasur bietet eine schöne Kulisse für natürliche Formen und Farben.

Der Zustand wirkt durchgehend exzellent. Die Glasur zeigt kein Craquelé, keine Absplitterungen oder Abnutzung, wie sie bei sorgfältiger früherer Nutzung zu erwarten wären. Die weiße Slip-Dekoration bleibt intakt und blättert nicht ab. Der Rand weist keine Absplitterungen auf, und die dunkle Innenglasur bleibt makellos. Der Fußring ist sauber und eben. Das Stück scheint sorgfältig gelagert worden zu sein, vermutlich ausgestellt statt starkem Gebrauch ausgesetzt, obwohl die Haltbarkeit von Steinzeug bedeutet, dass es normalen Gebrauch durchaus standhalten könnte.

Die Präsenz von Okudas Werk auf dem Markt positioniert sie im größeren Umfeld zeitgenössischer japanischer Keramik. Zwar mag sie nicht die internationale Anerkennung bestimmter Keramik-Superstars erreichen, doch seriöse Studio-Töpfer wie Okuda repräsentieren die wesentliche Mittellage zwischen unbekannten Handwerkern und Künstlern mit Prominenz—qualifizierte Praktiker, deren Arbeiten konstante Qualität, ästhetische Integrität und technische Meisterschaft zeigen, ohne die Premiumpreise zu erzielen, die der Prominenzstatus mit sich bringt.

Diese Schale passt zu mehreren Sammleransätzen. Für diejenigen, die umfassende Bestandsaufnahmen zeitgenössischer japanischer Studio-Keramik erstellen, bietet sie ein solides Beispiel für die neue Generation von Keramikkünstlerinnen, die in Kasama arbeiten. Für Sammler, die sich auf atmosphärische Glasurwirkungen und Yōhen-Techniken konzentrieren, demonstriert sie eine ausgefeilte Farbbildung und Beherrschung des Holzbrandes. Für diejenigen, die sich von saisonalen Motiven angezogen fühlen, bietet die Kirschblüten-Dekoration kulturelle Tiefe. Und für diejenigen, die zeitgenössische Innenräume einrichten und handgefertigte Objekte mit ästhetischem Gehalt suchen, bietet sie authentische japanische Studio-Keramik, die in modernen Räumen wunderbar funktioniert.

Die Schale dient auch pädagogischen Zwecken für diejenigen, die lernen, japanische Keramik zu bewerten. Sie veranschaulicht, wie Holzbrand Oberflächenwirkungen erzeugt, die durch elektrische Öfen unmöglich sind. Sie zeigt, wie zurückhaltende Verzierung die atmosphärische Glasur eher verstärken als überwältigen kann. Sie veranschaulicht, wie zeitgenössische japanische Töpfer auf historische Ästhetik zurückgreifen — die Wabi-Sabi-Akzeptanz von Brennunsgunfällen, das saisonale Bewusstsein von Kirschblütenmotiven — während sie Arbeiten schaffen, die sich deutlich zeitgenössisch anfühlen.

Die japanische Ästhetik erkennt, dass Schönheit oft aus Vergänglichkeit und Unvollkommenheiten entsteht — Kirschblüten sind genau deshalb schön, weil sie fallen, Teeschalen werden wegen ihrer Unregelmäßigkeiten geschätzt, nicht trotz ihnen. Diese Schale verkörpert diese Prinzipien und übersetzt sie zugleich in eine zeitgenössische visuelle Sprache. Die stimmungsvollen Farbtöne deuten auf flüchtige Momente hin, durch Holzbrand bedingte Unregelmäßigkeiten feiern Unvollkommenheit als Schönheit, das Kirschblüten-Motiv verweist auf zeitliche Vergänglichkeit. Doch der Gesamteindruck wirkt frisch, nicht an Tradition gebunden, zugänglich, statt dass man spezielles Fachwissen benötigt, um ihn zu schätzen.

Wenn Sie zeitgenössische japanische Studio-Keramik sammeln, wenn Sie schätzen, wie atmosphärische Farben emotionale Resonanz erzeugen können, wenn Sie handgefertigte Objekte wertschätzen, die funktionale Leistungsfähigkeit mit skulpturaler Präsenz ausbalancieren, wenn Sie keramische Arbeiten der neuen Generation von Frauen-Töpferinnen suchen, die sich im japanischen Keramikraum behaupten, verdient diese Schüssel Berücksichtigung. Verwenden Sie sie täglich, und die Farbverläufe werden jeder Mahlzeit stille Freude bringen. Stellen Sie sie aus, und sie wird sich visuell behaupten, geprägt durch subtile Schönheit statt durch lauten Nachdruck. Welche Rolle auch immer sie annimmt, sie wird diese Rolle mit der zurückhaltenden Kompetenz erfüllen, die ernsthafte zeitgenössische Handwerkskunst auszeichnet.

Versand & Bearbeitung
Wir versenden weltweit per DHL oder EMS voll versichert und mit Sendungsverfolgung. Professionelle Verpackung sorgt für eine sichere Ankunft; Kombiversand für mehrere Gewinne möglich. Lokale Zollgebühren gehen zu Lasten des Käufers.

Verkäufergarantie
Wir sind auf authentische japanische Keramik spezialisiert und garantieren die Echtheit dieses Stücks. Fragen sind willkommen – wir antworten innerhalb von 24 Stunden.