Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrylspray auf einer 3 mm Plexiglasplatte.
Transparenzen auf Druck
Dieses Tableau ist keine Druckarbeit. Es handelt sich um ein originales 'Multi-Couches'-Werk, dessen glänzendes Finish 'glossy', das der Anwendung von Harz ähnelt, einzigartig ist.

Abmessungen : Zoll 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Qualitätsrahmen der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Schwarz matt (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen einen Aufpreis von 90 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke sind in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung - Lausanne März 2026.


Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie hoch geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Grundstein für meine spätere Lebensleidenschaft legte.
1993 begann ich privat zu malen und experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im Format A4 und später A3 – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder dir direkt entgegentreten, herrisch und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe hervorrufen können. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Im Laufe der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich selbst als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg zum wahren Künstler war jedoch nicht unmittelbar.

Über drei Jahrzehnte lang verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich um die ganze Welt führte – von den USA über Marokko und Belgien bis nach Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und ermöglichten mir Einblicke in vielfältige kulturelle Einflüsse. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie des jeweiligen Ortes mitreißen.
Trotz meines Fokus auf meine berufliche Karriere war die Kunst immer ein Teil von mir, still und leise im Verborgenen präsent. Fast 30 Jahre lang wurde die Malerei für mich zu einer Art geheimer Meditation – ein Weg, der Welt zu entfliehen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.

Malen hat mir immer schon große Befriedigung geschenkt. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken entdecken und authentische Erfahrungen sammeln kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine ehrliche Begegnung mit Schönheit ermöglichen, ihnen die Chance geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich voll und ganz der Malerei. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung, fand ihren Platz in Privatkollektionen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Am Ende des Jahres 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer ungenutzten Sakristei in Lisieux, Normandie.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz in der Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einem leichten, glatten, glänzenden Material und manchmal
Fragile Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk so sehe, wie es sich entwickelt. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufällige Experimente“ – anything goes, um den Verstand auszuschalten! – die das Ergebnis, die Schichten & Spiegelungen, die ich schaffe, zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich offenliegt. Aber lassen Sie uns klar sein: In meinen Bildern trifft der Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt der Zufall die Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich „unvermeidliche Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Vorstellung“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach „Leben im Kern des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie in meiner Arbeit schon immer eine Rolle gespielt hat, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich selbst. Folglich besitzen sie weder Inhalt noch Sinn noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Ende oder Sinn haben. Während meine Arbeiten manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas anmuten, bleiben sie doch fast vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Bild eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, die sich von jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen «Details für die Nahsicht» – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und «Abstand zum Ganzen» die Betrachter dazu ermutigen, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben in Bezug darauf, was erreichbar ist.
Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortlaufenden Prozess des Fragens und des Wachstums.
Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann.
Die Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, ein Weg, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht.
Die Ära des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“



Zur Kohärenz in meiner Praxis

In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleiches Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Auffälligkeit, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde—glitzernde Felder aus Farbe und Licht innerhalb von Plexiglas—sind die stillen Ergebnisse einer langen und überlegten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem ruhigen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ihm ermöglicht, hervorzutreten.

Diese Praxis beruht auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Der Erste ist ein Rückzug aus der auferlegten Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und als „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“, hoffe ich, behutsam die Erwartung einer Narration zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Entschlüsseln abzuwenden und zu einer direkteren Art des Hinsehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: dem Vorrang der gelebten Erfahrung. In jenen offenen Raum versuche ich zu legen, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem zu interpretierenden Objekt als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird — geformt von wechselndem Licht, durchscheinenden Schichten und dem schwachen Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Der Dritte ist der Ort, an dem Idee und Hand aufeinandertreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine körperliche Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Schaffen. Ich setze Bedingungen, doch überlasse das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein eigenständiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Bei diesen Absichten gibt es einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von bedeutungsvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein gern gesehener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, 'etwas zu kommunizieren'. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Satz, sondern ein Zustand — eine Textur des Lichts, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie begleitet das Werk, doch richtet es sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ zu finden sind — der Wunsch nach reiner Gegenwart, die das Werk selbst still anbietet.
Anstrengung und Mühelosigkeit

Der Prozess erfordert konstante Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das sich autonom anfühlt, als ob es von selbst entstanden wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen erst begonnen hat.“ Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, wenn auch vielleicht mit weniger Angst und mehr Gelassenheit—eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ — dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt Intellektualisierung. Das bescheidene Maß, das ich oft wähle, soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztendlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stillem Paradoxon verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner