Анна Каренина - REPETITION AS DIFFERENCE - XXL

Versand und Handling: Um maximalen Schutz zu gewährleisten, wird das Kunstwerk gerollt in einem starren Kartonrohr versendet; daher wird es OHNE Rahmen UND OHNE Spannrahmenstange VERKAUFT. Auf Wunsch kann der Sammler veranlassen, das Leinwandbild zu spannen: In diesem Fall gehen die Kosten für den Service sowie die angepassten Versandgebühren zu Lasten des Käufers. Das Gemälde hat eine ungefähre Größe von 140 x 140 cm, um die Rahmung zu ermöglichen.


Das Echtheitszertifikat wird dem Werk ebenfalls beigefügt.
Das Kunstwerk ist auf einer Jute-Leinwand entstanden, die mit Kaninchenhautleim und Gesso di Bologna vorbereitet wurde.


TITEL: WIEDERHOLUNG ALS DIFFERENZ

Dieses Gemälde präsentiert sich als dichtes Gewebe chromatischer Module, ein unregelmäßiges Mosaik, das zwischen Ordnung und Vibration oszilliert. Die Oberfläche wird durch ein offenbar einfaches Raster aus Quadraten konstruiert, das sofort durch ihre leichte Verzerrung und eine rhythmische Variation in der Größe widerlegt wird: Nichts ist wirklich statisch, alles scheint zu pulsieren.
Farbe ist das strukturelle und erzählerische Kernstück des Werks. Rottöne und Türkise dominieren, stehen einander in ständiger Spannung gegenüber: Rot, warm und einhüllend, scheint auf den Betrachter zuzustreben, während Blau- und Grüntöne Zonen des Pauses und des visuellen Atmens einführen. Grau- und neutrale Töne fungieren als Gelenke, mildern Kontraste und ermöglichen dem Auge, sich frei zu bewegen, ohne überwältigt zu werden. In diesem chromatischen Geflecht treten kleine gelbe Quadrate als leuchtende Akzente hervor — wahre Anziehungspunkte, energetische Kerne, die Kontinuität unterbrechen und den Blick des Betrachters lenken.
Der sichtbare, materielle Pinselstrich bewahrt eine manuelle und intime Dimension: Jedes Quadrat trägt die Spur einer Geste und deutet auf eine langsame, meditative, fast rituelle Zeit hin. Dies ist keine kalte Geometrie, sondern eine humanisierte, unvollkommene Geometrie, die eher Textilien oder Patchwork evoziert als rationale Raster.
In diesem Sinn tritt das Gemälde in einen fruchtbaren Dialog mit den russischen Sticktraditionen und mit dem breiteren Konzept des Teppichs als symbolischem und kulturellem Raum. Die modulare quadratische Struktur erinnert an die wiederkehrenden Motive der russischen Volkstextilien, insbesondere der ländlichen Stickereien (vyshivki), bei denen Geometrie nie bloß dekorativ ist, sondern mit Bedeutung aufgeladen ist – Schutz, Fruchtbarkeit und den zyklischen Charakter der Zeit. Wie in jenen Werken erzeugt sich Wiederholung hier keine Monotonie, sondern einen visuellen Rhythmus, der auf feinen Variationen beruht und jede Einheit einzigartig macht.
Die beharrliche Verwendung von Rot schafft eine direkte Verbindung zur slawischen Kultur, in der diese Farbe historisch mit Leben, Schönheit und dem Heiligen assoziiert wurde (im Altostslawischen bedeutete krasnyj sowohl „rot“ als auch „schön“). Die Blau-, Grün- und Grautöne wirken als ausgleichende Felder, analog zu den Pausen in traditionellen Textilien, die der Komposition Atemraum geben. Die kleinen gelben Einsätze lassen sich als apotropäische Zeichen lesen, vergleichbar mit betonten Nahtzügen in Stickereien, die symbolische Knoten oder Schwellen markieren.
Die Bezugnahme auf den Teppich weitet die Interpretation des Werks weiter aus. Wie ein Teppich bietet das Gemälde keine zentrale Hierarchie und keine privilegierte Perspektive: Es ist eine Fläche, die vom Blick durchquert werden soll, potenziell unendlich, wobei jeder Punkt denselben Wert hat. Historisch gesehen ist der Teppich ein horizontaler narrativer Raum, der mit häuslichem Leben und kollektiver Erinnerung verbunden ist; ebenso scheint dieses Gemälde Fragmente der Zeit, wiederholte Gesten und Spuren einer geduldigen, kumulativen Herstellung zu sammeln.
Aus dieser Perspektive nähert sich die Malerei dem Akt des Webens oder Stickens: eine langsame, sich wiederholende, fast meditative Handlung, durch die Bedeutung über die Zeit hinweg aufgebaut wird. Das Werk wird so zu einem „malerischen Teppich“, einem Ort kultureller und sensorischer Schichtung, wo die moderne Sprache der Abstraktion in Dialog mit alten Formen des Wissens tritt und die Oberfläche in ein Feld verwandelt
von Erinnerung, Rhythmus und Zugehörigkeit.



Anna Karenina

Hinter dem Pseudonym Анна Каренина steht eine künstlerische Persönlichkeit mit tiefer introspektiver Sensitivität, die absichtlich Schatten als Raum kreativer Freiheit gewählt hat. Ihre wahre Identität bleibt verborgen, geschützt von einem Schleier der Privatsphäre, der die gesamte Aufmerksamkeit des Betrachters vom Gesicht der Künstlerin auf den Gehalt ihrer Arbeit lenkt. Diese Distanz zum traditionellen Kunstsystem wird durch eine spezifische operative Wahl betont: Die Künstlerin pflegt keinerlei direkte Verbindungen zu Galerien oder Museen, sondern bevorzugt es, die Kunstwelt über Vermittler und Intermediäre zu navigieren, die als Hüter ihrer Privatsphäre und Boten ihrer Ästhetik fungieren.
Ihre visuelle Sprache bewegt sich auf einer feinen Grenze zwischen stilisierter Figuration und reiner Abstraktion, stark geprägt von den Lehren des europäischen Modernismus — sie zeigt eine besondere Affinität zur rhythmischen Strenge von Paul Klee und zu den chromatischen Erkundungen des historischen Avantgarde. Анна Каренина's kreativer Weg zeichnet sich durch eine konstante Auseinandersetzung mit Struktur aus: Die sichtbare Welt wird auf primordiale Zeichen reduziert, wo feine, elegante Linien mit festen geometrischen Feldern wechseln. Für sie sind das Quadrat und das Rechteck keine formalen Gefängnisse, sondern Einheiten emotionaler Messung; ihre Raster wirken nie starr, sondern pulsierend und fast organisch, dank einer Farbanwendung, die eine greifbare Wärme und menschliche Schwingung bewahrt.
In ihren abstrakteren Kompositionen erforscht die Malerin das Konzept des visuellen Rhythmus. Indem sie chromatische Kacheln gegenüberstellt, die gegen oft neutrale oder rohe Hintergründe zu schweben scheinen, schafft die Künstlerin visuelle Partituren, bei denen Farbe—manchmal hell und primär, zu anderen Zeiten gedämpft und erdig—das Tempo der Erzählung bestimmt. Selbst wenn sie alltägliche Motive anspricht, vollführt sie einen Prozess extremer Synthese: Formen werden dem Überfluss entzogen, um das Wesen des Objekts freizulegen, und gewöhnliche Elemente werden zu Ikonen einer Poetik der Zerbrechlichkeit verwandelt.
Stille und Abwesenheit sind fundamentale Bestandteile ihrer Ästhetik. Ihre Leinwände bieten einen Raum für Meditation, einen Ort, an dem das Gleichgewicht visueller Gewichte zu einer langsamen und einsamen Lektüre einlädt, die ihrer eigenen Art zu existieren in der Kunstwelt entspricht. Анна Каренина sucht nicht nach dem Lärm öffentlichen Erfolgs, sondern nach tiefer Resonanz; ihre Kunst ist ein stiller Dialog zwischen der Ordnung des Denkens und der Unvorhersehbarkeit des Fühlens, vermittelt durch eine Unsichtbarkeit, die jede ihrer chromatischen Erscheinungen umso kostbarer und begehrter macht.