Agathe Toman - CLOUD #4 - 11/15

Dieses Werk ist Teil der „SHARED COLLECTION“ des Künstlers.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Das Foto wird Ihnen aufgerollt zugesandt, es ist nicht gerahmt, und dazu wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler ausgefüllt und signiert. Ein nummeriertes Werk, handschriftlich signiert, vorne und hinten. Digigraphie-Fine-Art-Pigmentdruck von sehr hoher Qualität.
Agathe Toman, Künstlerin, ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie des Künstlers :
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, spürte Agathe den Bedarf, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute seit dreizehn Jahren in Les Landes ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.


Bei Sotheby’s seit 2021 gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihr rasches Aufsteigen und ihre Aufnahme in prestigeträchtige Kunstkreise bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Salons, insbesondere zur Art Paris, haben ihr enormen Erfolg beschert und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen auf der ganzen Welt gefestigt.


Agathes Palette betont tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, einen diskreten Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben mit umwerfender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen neu zu knüpfen und den Betrachter aus dem Sichtbaren herauszunehmen. Das Gemälde übt eine Kraft aus und nimmt Bezug auf ihre eigenen Erfahrungen.

Die Zeichnungen, die mit dem Bic-Kugelschreiber entstanden sind, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Die Fotografien von Agathe verwirren durch ihre kaleidoskopischen Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Reminiszenzen einer perfekten Schwerelosigkeit, die unserem Ursprung entsprang.
Seine Hunderte von Gedichten unterstreichen sein Universum mit einer Lyrik, die sein Werk charakterisiert. Eine erste Sammlung mit dem Titel „Du musst wieder lernen zu lächeln“ erscheint im Winter 2024.


Neben ihrer künstlerischen Praxis ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse eingebunden, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die ihrem Werk neue Schichten der Tiefe verleihen.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und ihrer Persönlichkeit.


Seine Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L'Oeil und Elle, was seinen bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.


Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum, indem sie durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung öffnet, so wie sie diese wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.


MA VISION :
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umgebung, die Verbindungen, die sie eingehen, und die Schwingungen, sowohl spürbare als auch unaussprechliche, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung durchdrungen, die den Betrachter zu introspektiver Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten eröffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Helligkeit koexistiert, das Blau knistert beim Kontakt mit Schwarz oder leuchtet allein. Wir befinden uns im Zustand von Lichtabwesenheit und -präsenz.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, die reine Emotion hervorrufend, das Erwachen des Unsichtbaren provozierend; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht offengelegten Aspekte.

Eine minutiöse Vertrautheit zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und den Malmitteln, durch das Auftragen der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
Ich arbeite so daran, die Bewegung der Materie festzulegen, die Dichte des Lichts, ihm einen Teil von mir einzuhauchen, zum Erwachen eines Ichs.

Es gibt immer etwas Unerwartetes. Etwas Unerwartetes. Dieses unbeschreibliche, intensiv konzentrierte, subtil angefachte Element, das uns fesselt und überwältigt. Wasser, Schwerkraft, Rinde – diese allgegenwärtigen Elemente verändern den Betrachter mit ihrer Kraft. Das Entstehen eines unverwechselbaren Eindrucks, einer lyrischen Abstraktion – meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Kreationen »Materialisierungen psychischer Zustände« sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke im Betrachter auslösen. Zwei Empfindungen begegnen sich, zwei getrennte Individualitäten verschmelzen. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Unmittelbare. Ich betrachte es als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns und in uns schaffen.

Der Betrachter wird dadurch selbst zum Schöpfer und haucht dem Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen Leben ein.

Ich ermutige zu einer Reise hin zu einer neuen Vision des eigenen Seins – sich selbst, der Welt und anderen gegenüber.

Lässt sich der Betrachter nun ein, vereinen sich psychische Resonanzen zu einer einzigen Symphonie, ein Dialog beginnt, ein Rhythmus wird spürbar. Ein anamorphotisches Bild seiner Seele erscheint, ein flüchtiges Spiegelbild. Es ist ein poetisches Erlebnis.
Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke die menschlichen Geister schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen darin Widerhall finden, dass Worte darin erklingen.
Wichtig ist, was das Werk in uns auslöst und welches Ergebnis diese Begegnung bringt.

Das psychische Leiden ist mit allem verbunden, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf eine psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen der Ereignisse oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, keinen Empfang gefunden haben und so in der Irre bleiben.

#Exklusivedfta