Kutaniware Aochibu Tessenjin-Karakusa Vase – Türkisfarbene Tupfer mit goldener Clematis - Steinzeug - Japan - 20. Jahrhundert

Artikelbeschreibung
Dies ist eine außergewöhnliche Kutani-Ware-Blumenvase, die die kunstvolle "aochibu" (青粒 blue stippling)-Technik mit dem goldenen "tessenjin-karakusa" (鉄仙唐草 clematis vine)-Motiv verbindet. Dieses Meisterwerk steht für die Verfeinerung und technische Virtuosität, die Kutani-Ware seit ihrer Ausstellung auf internationalen Ausstellungen in der Meiji-Ära als "Japan-Kutani" bekannt gemacht haben.
Die Vase besitzt eine auffällige zylindrische Form mit sanft gerundeten Schultern und einem glänzend schwarzen Untergrund. Die gesamte Oberfläche ist mit tausenden sorgfältig aufgetragenen türkisblauen Tupfen (aochibu) bedeckt, die einen dichten, texturierten Hintergrund bilden, der an Haifischhaut erinnert. Gegen dieses schimmernde Feld gepunkteter Farbe schaffen elegante goldene Clematisblüten (tessen) und fließende Arabeskenranken eine dynamische, sich windende Gestaltung, die sich um das Gefäß windet.
Der Halsbereich zeigt ein schön gestaltetes Band aus Wellenmustern (Seigaiha) in Braun und Gold, während der Fuß mit einer Bordüre im griechischen Schlüssel (Fret) Muster, ebenfalls in Gold, verziert ist. Der Rand besteht aus reinem weißen Porzellan und ist mit einer vergoldeten Kante versehen. Das Innere ist makellos weiß glasiert und trägt einen Goldrand, was den hohen Veredelungsgrad belegt, der bei Kutani-Ware zu erwarten ist.
Dieses Stück trägt die Signatur 'Shogetsu' (勝月) und kommt in seiner original signierten Holzkassette (Tomobako) mit der Aufschrift 'Kabin' (花瓶 — Blumenvasen) und 'Shogetsu', die die Zuschreibung bestätigt. Ein Begleitband, der die Traditionen von Kutani-Ware und deren Herstellungsverfahren erläutert, ist ebenfalls enthalten.
Über Kutani-Ware:
Kutani-Ware (九谷焼 Kutani-yaki) ist eine Form japanischen Porzellans aus der Präfektur Ishikawa mit einer Geschichte von über 360 Jahren. Die Kunst entstand Mitte des 17. Jahrhunderts, als der Maeda-Clan des Kaga-Domäns die ursprünglichen Kutani-Öfen in der Nähe des Ortes Kutani errichtete. Nach einem jahrhundertelangen Stillstand, der als die „Phantom-Kutani“-Periode bekannt ist, wurde die Tradition Anfang des 19. Jahrhunderts wiederbelebt, was zur Entwicklung mehrerer unterschiedlicher Stilrichtungen führte.
Die Kunst erlangte internationale Berühmtheit während der Meiji-Ära (1868–1912), als prächtige Kutani-Stücke auf Weltausstellungen in Paris, Wien und anderen Großstädten ausgestellt wurden. Die üppige Verzierung und die brillanten Farben faszinierten westliche Publikum, wodurch „Japan-Kutani“ zu einer angesehenen Exportware wurde. Heutzutage befinden sich Werke aus dieser Epoche in bedeutenden Museen, darunter das British Museum und der Louvre.
Kutani-Keramik ist besonders bekannt für ihr "gosai" (五彩, fünf Farben) – grün, gelb, lila, marineblau und rot – wobei verschiedene historische Stile unterschiedliche Farbpalletten betonten. Die Tradition zeichnet sich durch eine malerische Herangehensweise an die Dekoration aus, bei der die Keramikoberfläche als Leinwand für aufwändige bildliche Kompositionen betrachtet wird.
Im Jahr 1975 wurde Kutani-Ware vom japanischen Ministerium für Wirtschaft, Handel und Industrie als traditionelles Handwerksprodukt anerkannt, was sowohl seine historische Bedeutung als auch seine fortbestehende Vitalität als lebendige Tradition würdigt.
Die Aochibu (Blue Stippling) Technik:
Aochibu (青粒), wörtlich „blaue Körner“ oder „blaue Perlen“, ist eine der technisch anspruchsvollsten Techniken im Kutani-Repertoire. Entwickelt während der Taishō-Periode (1912–1926), beinhaltet diese Methode das nacheinander Auftragen von tausenden winziger, erhobener Tupfer aus grün-blauer Emaille, mit einem Werkzeug namens „icchin“ – ähnlich einem kleinen Squeeze-Flasche oder Spritzbeutel, wie er beim Tortendekor verwendet wird.
Der Name "chibu" ist eine dialektale Aussprache von "tsubu" (粒), was Körner oder Perle bedeutet. Obwohl die Technik als "blue stippling" bezeichnet wird, ist die Farbe tatsächlich der grün-bläuliche Ton, der für Kutani-Glasuren charakteristisch ist und je nach Brennbedingungen und Glasurzusammensetzung von Türkis bis Pfauenblau reicht.
Was aochibu von gewöhnlicher gepunkteter Verzierung unterscheidet, ist seine dreidimensionale Qualität und außergewöhnliche Präzision. Jedes Dot muss in Größe und Abstand einheitlich sein, wodurch eine gleichmäßige, strukturierte Oberfläche entsteht, mit einer charakteristischen taktilen Qualität, die oft mit Haifischhaut oder Kaviar verglichen wird. Die erhabenen Punkte fangen das Licht anders ein als die Grundglasur, wodurch ein feiner Schimmer und eine Tiefe entstehen, die sich mit dem Blickwinkel ändern.
Ursprünglich wurde die Stipplierung lediglich als Akzent oder Hintergrundfüllung in der Kutani-Dekoration verwendet. Der zweiter Kingyoku Nakata (仲田錦玉) hob Ao-chibu in der frühen Zeit des 20. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Kunstform. Kingyoku entwickelte die „uzuuchi“ (渦打ち) oder „Whirlpool-Schlag“-Methode, bei der Punkte in wirbelnden, spiralförmigen Mustern angeordnet wurden, die der Technik eine visuelle Bewegung verliehen. Seine Innovation verwandelte das bislang unterstützende Element in das primäre dekorative Merkmal, das durch das Wechselspiel von gestippten und nicht gestippten Bereichen anspruchsvolle Kompositionen ermöglichen konnte.
Die dritte Generation Nakata Kingyoku führt diese Tradition heute fort und entwickelt die Technik weiter, indem sie aochibu mit 'morikinjoint' (erhabene Goldarbeit) kombiniert und so Stücke von atemberaubender Komplexität schafft.
Die Herstellung von Aochibu erfordert außergewöhnliche manuelle Geschicklichkeit, unerschütterliche Konzentration und jahrelanges Training. Der Handwerker muss konstant gleichmäßigen Druck auf den Icchin ausüben, um Punkte gleicher Größe zu erzeugen, und sie gleichmäßig über große Oberflächen verteilen – oft wird ein ganzes Gefäß mit zehntausenden einzelnen Tupfern bedeckt. Die geringste Abweichung in Größe, Abstand oder Ausrichtung stört die visuelle Harmonie der gesamten Komposition.
Nachdem die Tupfer aufgetragen wurden, wird das Werkstück gebrannt, wobei die erhabene Emaille mit der Oberfläche verschmilzt und ihre charakteristische Farbe und ihren Glanz entwickelt. Die Technik lässt sich nicht überstürzen oder nachträglich korrigieren; jeder Tupfer muss beim ersten Versuch perfekt gesetzt werden.
Das Tessenjin-Karakusa (Clematis Arabesque) Motiv:
Die Clematis (Tessen, 鉄仙) ist eine blühende Liane, die in der ostasiatischen Kunst wegen ihrer eleganten, offenen Blüten und der geschwungenen, anmutigen Ranken geschätzt wird. In japanischen Dekorationstraditionen erscheint die Clematis oft in "karakusa" (唐草) oder arabesken Kompositionen – fließende, rhythmische Rankenmuster, die ihren Ursprung im alten Persien haben und über die Seidenstraße sowie chinesische künstlerische Einflüsse nach Japan gelangten.
Karakusa-Muster symbolisieren Langlebigkeit, Wohlstand und stetiges Wachstum, da die Ranken sich unendlich ohne Anfang oder Ende ausdehnen. Die Kombination aus Klematisblüten mit schlängelnden Ranken erzeugt eine dynamische Komposition, die natürliche Fülle und die ewigen Zyklen von Wachstum und Erneuerung andeutet.
Auf dieser Vase sind die goldenen Clematisblüten und -ranken mit erhöhter Goldemaille (kinpun) dargestellt, was eine dreidimensionale Wirkung erzeugt, die reizvoll im Kontrast zu dem strukturierten Stippling steht. Die Goldarbeit wird mit der Technik „hon-kin“ (本金) unter Einsatz echten Goldes statt pigmentierter Goldfarbe aufgebracht und sorgt für die warme, glänzende Qualität, die nicht anlaufen oder verblassen wird.
Der schwarze Grundton und die dichte Türkis-Stippelung schaffen einen kräftigen Kontrast zur goldenen Verzierung, wodurch das Blumendekor zu schweben scheint, leuchtend gegen die dunkle, schimmernde Oberfläche. Dieses anspruchsvolle Farbschema – Schwarz, Türkisblau und reines Gold – steht für die Höhe der Kutani-Dekorationskunst.
Shogetsu (勝月):
Während detaillierte biografische Informationen über den Künstler Shogetsu (勝月) in leicht zugänglichen Quellen begrenzt sind, demonstrieren die technische Exzellenz und ästhetische Raffinesse dieser Vase die Beherrschung fortgeschrittener Kutani-Techniken. Der Name "Shogetsu" kann als "Victorious Moon" oder "Triumphant Moon" gelesen werden, was auf einen künstlerischen Namen (gago) hinweist, den der Handwerker angenommen hat.
Die Anwesenheit eines signierten Tomobako und die Qualität der Ausführung deuten darauf hin, dass dies eine ernsthafte künstlerische Produktion ist und kein Stück aus einer kommerziellen Werkstatt. Die perfekte Gleichmäßigkeit von Zehntausenden Ao-chibu-Punkten, die präzise Anwendung von Goldverzierungen und die verfeinerte Gesamtkomposition offenbaren jahrelange spezialisierte Ausbildung und außergewöhnliches Können.
Zustand und Präsentation
Diese Vase befindet sich in hervorragendem, unbenutztem Zustand und weist keine Beschädigungen, Reparaturen oder Abnutzung auf. Die glänzende schwarze Glasur bleibt glänzend, die türkisfarbene Sprenkeln ist durchgehend erhalten, und die Goldverzierung zeigt keinerlei Abnutzung oder Verluste. Die Innenglasur in Weiß ist makellos.
Das Stück kommt in der original signierten Holzkiste (Tomobako) mit dem Deckel, der die Aufschrift „Kabin / Shogetsu“ (花瓶 / 勝月) trägt und damit sowohl Funktion als auch Hersteller bestätigt. Ebenfalls enthalten ist „A Guide to Kutani Ware“, ein Informationsheft (auf Japanisch), das die Geschichte, Techniken und charakteristischen Merkmale des Kutani-Porzellans erläutert.
Diese Vase stellt ein herausragendes Beispiel für Kutani-Ware des 20. und 21. Jahrhunderts dar, indem sie die historische Aochibu-Technik mit dem klassischen Karakusa-Verzierung verbindet, die in echtem Gold ausgeführt ist. Sie ist perfekt für Sammler japanischer Porzellane, Bewunderer technischer Virtuosität in der keramischen Dekoration oder für diejenigen, die eine anspruchsvolle Vase für Ikebana (Blumenanordnung) oder zur Ausstellung suchen.
Dieses Werk steht als Zeugnis für die fortwährende Vitalität der Kutani-Traditionen – nicht als nostalgische Reproduktion, sondern als lebendige Handwerkskunst, die die höchsten Standards in Materialwahl, Technik und künstlerischer Vision wahrt.

Größe
Höhe: 25,5 cm
Durchmesser des Körpers: 16,0 cm
Innendurchmesser des Mundraums: 7,0 cm
Basisdurchmesser: 9,6 cm

Gewicht
1170 g

Bedingung
Exzellenter, unbenutzter Zustand ohne Schäden. Das Stück weist keinerlei Abnutzung, Absplitterungen, Risse oder Restaurierungen auf.

Über Kutani Ware (九谷焼)
Kutani-Ware ist eine angesehene Stilrichtung japanischer Porzellankunst, die aus der Kaga-Region der Präfektur Ishikawa stammt, bekannt für ihre leuchtenden Farben, malerische Dekoration und technische Raffinesse.
Historische Ursprünge:
Die Kutani-Tradition begann Mitte des 17. Jahrhunderts, als Maeda Toshiharu, Herr der Daishoji-Herrschaft (ein Zweig des mächtigen Kaga-Clans), hochwertiges Porzellangestein in der Nähe des Kutani-Dorfes in den Bergen des südlichen Ishikawa entdeckte. Um 1655 schickte er den Töpfer Goto Saijiro nach Arita auf Kyushu, um fortgeschrittene Techniken der Porzellanherstellung zu studieren. Nach seiner Rückkehr gründete Goto in Kutani Kilns und stellte Ware her im Stil, der heute als „ko-Kutani“ (古九谷, altes Kutani) bezeichnet wird.
Ko-Kutani-Stücke zeichneten sich durch mutige, malerische Designs aus, die mit lebhaften Überglasur-Emaillefarben ausgeführt wurden – insbesondere tiefe Grün-, Gelb-, Lila- und Marineblautöne, die oft ohne Rot verwendet wurden und so eine gehobene Farbpalette entstanden, die sich deutlich von zeitgenössischem Arita-Porzellan unterscheidet. Die Verzierung legte Wert auf großflächige Kompositionen, die einen Großteil der Gefäßoberfläche bedeckten, wobei jedes Stück als Leinwand für elaborierte bildliche Kunst diente.
Mysteriöserweise kam die Produktion in den ursprünglichen Kutani-Brennöfen um das Jahr 1710 nach nur einem halben Jahrhundert zum Stillstand und trat in jene Epoche ein, die Keramikhistoriker als die „Phantom-Kutani“-Periode bezeichnen. Ungefähr 100 Jahre lang wurde keine Kutani-Ware hergestellt, und die Gründe für dieses Stillstehen bleiben unklar – Theorien reichen von der Erschöpfung geeigneter Tonvorkommen bis zu wirtschaftlichem Druck oder politischen Veränderungen.
Wiederbelebung und Diversifizierung:
Im Jahr 1807 lud das Kaga-Domäne den renommierten Kyoto-Keramiker und Literatenmaler Aoki Mokubei (青木木米) ein, neue Brennöfen in Kasugayama in Kanazawa zu errichten. Damit begann das Zeitalter von «saikō Kutani» (再興九谷, wiederbelebtes Kutani), das sich zu einer außerordentlich vielfältigen Tradition entwickelte, die mehrere markante Stile umfasst:

Mokubei-Stil (木米風): Aoki zugeschriebene, chinesisch geprägte Ästhetik folgend, mit roten Untergründen und polychromer Figurenmalerei.
Yoshidaya-Stil (吉田屋風): Die Wiederbelebung des ko-Kutani-Ansatzes, bei dem ausschließlich Grün, Gelb, Lila und Marineblau verwendet werden, ohne Rot (oft ao-Kutani oder „blue Kutani“ genannt)
Iidaya-Stil (飯田屋風): Geprägt durch akribische rote Überglasuremaillierung mit detaillierter Figurengestaltung und Hintergrundmustern, die mit Gold gefüllt sind.
Shoza-Stil (庄三風): Benannt nach dem Töpfer Kutani Shoza, der alle bisherigen Techniken mit europäischen Einflüssen verbindet und eine aufwendige Polychromie zeigt – oft auf weißem Untergrund.

Technische Eigenschaften
Kutani-Keramik zeichnet sich durch mehrere technische und ästhetische Merkmale aus:

Gosai (Fünf Farben): Die traditionelle Kutani-Palette aus Grün (青/緑), Gelb (黄), Lila (紫), Marineblau (紺青) und Rot (赤), wobei jedoch nicht alle Stücke alle fünf Farben verwenden.
Malersischer Ansatz: Die Kutani-Dekoration betont die bildliche Gestaltung und bedeckt oft große Flächen der Gefäßoberfläche mit aufwendigen Szenerien oder Mustern, wobei Keramik als eine Form der Malerei betrachtet wird.
Überglasur-Emaille-Expertise: Kutani-Töpfer entwickelten außergewöhnliche Fähigkeiten beim Auftragen und Brennen von Überglasur-Emaille (uwaetsuke), wodurch reiche, glänzende Farben mit bemerkenswerter Tiefe entstehen
Technische Vielfalt: Die Tradition umfasst zahlreiche spezialisierte Techniken, darunter:

Saiyū (彩釉): Bunte Glasurtechniken
Aka-e saimyō (赤絵細描): detaillierte rote Emailmalerei
Yūrikinpun (釉裏金彩): Golddekoration unter der Glasur
Aochibu/Shirochibu (青粒/白粒): Blaues oder weißes Punktmuster
Mōhitsu saiji (毛筆細字): Feine Kalligrafie mit Pinseltechniken


Schichtweise Farbanwendung: Kutani-Emaillen werden oft in mehreren Schichten und Brennvorgängen aufgetragen, wodurch Tiefe und Leuchtkraft entstehen, die bei Einbrenntechniken nicht erreichbar sind.

Aktueller Stand:
Im Jahr 1975 erhielt Kutani-Keramik die Bezeichnung als traditionelles Handwerksprodukt (Dentō Kōgeihin) vom Ministerium für Wirtschaft, Handel und Industrie Japans, wobei sowohl ihre historische Bedeutung als auch ihre weiterhin bestehende lebendige Tradition anerkannt wurden.
Heute ist die Ishikawa-Präfektur weiterhin das Zentrum der Kutani-Produktion, mit zahlreichen Brennöfen, Werkstätten und einzelnen Künstlern, die in Städten wie Kanazawa, Komatsu, Kaga und Nomi aktiv sind. Der zeitgenössische Kutani umfasst alles von getreuen Nachbildungen historischer Stile bis hin zu kühn innovativen Werken von Studio-Töpfereien, die neue ästhetische Richtungen erkunden, während sie die Verbindung zu traditionellen Techniken bewahren.
Die Tradition unterstützt eine anspruchsvolle Arbeitsteilung, bei der Spezialistinnen und Spezialisten in verschiedenen Produktionsphasen – Töpfer, Maler, Goldschmiede und Ofenmeister – zusammenarbeiten, um fertige Stücke zu schaffen. Dies ermöglicht eine außergewöhnliche Verfeinerung in jedem Aspekt der Produktion, während gleichzeitig die wirtschaftliche Rentabilität gewahrt bleibt.
Moderne Kutani-Reihe reicht von Alltagsgeschirr und Utensilien für die Teezeremonie bis hin zu großen dekorativen Objekten und einzigartigen Kunstwerken. Einige zeitgenössische Künstler haben aufgrund ihrer Beiträge den Living National Treasure-Status (Ningen Kokuhō) erreicht, darunter Tokuda Yasokichi III (1933-2009), bekannt für seine revolutionäre yōsai (釉彩, Glasurfarbe) -Technik, und Yoshida Minori (geboren 1932), gefeiert für die Arbeit mit 釉裏金彩 (Golddekoration unter der Glasur).
Kutani-Keramik repräsentiert eine der künstlerisch anspruchsvollsten keramischen Traditionen Japans – ein Handwerk, das sein komplexes historisches Erbe ehrt, während es in der zeitgenössischen Praxis lebendig und innovativ bleibt.

HINWEIS:

Die Fotos zeigen möglicherweise Blumen, Pflanzen, Podeste usw. als Beispiele für Dekoration und Innenausstattung zu Illustrationszwecken. Bitte beachten Sie jedoch, dass diese nicht im Produkt enthalten sind.

Das Los wird sorgfältig verpackt und je nach Situation per DHL, FedEx oder Japan Post versendet.

Normalerweise dauert es etwa drei Wochen, bis es ankommt.

Zölle, Steuern und sonstige Gebühren sind weder im Artikelpreis noch in den Versandkosten enthalten.

Diese Gebühren gehen zu Lasten des Käufers.

Manchmal kontaktieren Zollbehörden oder das Lieferunternehmen in Ihrem Land Sie wegen der Zollabfertigung telefonisch oder per E-Mail. Bitte stellen Sie sicher, dass Sie erreichbar sind. Wenn Sie nicht erreichbar sind, wird das Paket an uns zurückgeschickt und es fallen doppelte Versandkosten für den erneuten Versand an.

Wir schätzen Ihre freundliche Zusammenarbeit.