Agathe Toman - CLOUD #3 - 2/15

Dieses Werk gehört zur „Gemeinsame Kollektion“ des Künstlers. Hochwertiges Fine-Art-Papier, glattes Finish. Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021. Die Fotografie wird aufgeroll versendet, nicht gerahmt; dem Kunstwerk wird eine Echtheitsurkunde beigelegt, vom Künstler ausgefüllt und signiert. Nummeriertes Werk, handschriftlich signiert, vorne und hinten. Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studien an der prestigeträchtigen École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehrjähriger Tätigkeit als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, verspürte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Arbeit zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene und wird sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Arbeiten dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Anerkennung in renommierten Kunstkreisen belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente, sich bewegende Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielen, eine Verbindung zu Verborgtem herzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand entfaltet eine Kraft, die sich den eigenen Erfahrungen widerspiegelt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic geschaffen, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen und überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Ursprung entspricht.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch stark in der Psychoanalyse in der Transaktionalen Analyse, die sie seit vier Jahren in Paris studiert. Diese Auseinandersetzung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es, tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst einzubeziehen, die von neuen Schichten durchdrungen ist.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihre Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkachsen sind nicht nur in ihrer Kunst vorhanden; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:“
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, nach den Verbindungen, die sie eingehen, und nach den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Weg ins Unbewusste eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der eigenen Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau beim Kontakt mit Schwarz knistert oder eigenständig aufleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Präsenz von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, die reine Emotion hervorrufend und das Erwachen des Unsichtbaren provozierend; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Harmonie zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Graphit, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablagern von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie, die Dichte des Lichts festzuhalten und von mir darin zu durchdringen, zum Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, von dem man zuvor nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Eben jenes unaussprechliche, intensiv zusammengeschnürte, subtil angefachte, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materialisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere einfließen lassen können.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter hervorrufen. Zwei Empfindungen treffen aufeinander und sind nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das unmittelbare Jetzt. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen.

Der Betrachter wird selbst zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich lade zu einem Weg hin zu einer neuen Vision des eigenen Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen ein.

Wenn der Betrachter sich nun darauf einlässt, stimmen psychische Resonanzen überein und vereinigen sich in einer gemeinsamen Symphonie; ein Dialog setzt ein, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unfassbarer Spiegel. Es ist eine poetische Erfahrung. Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen in Form bringen und dass die Emotionen darin einen Widerhall finden, dass Worte darin ihre Resonanz finden.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und welches Ergebnis dieses Begegnung hervorbringt.

„Psychischer Schmerz ist mit allem verbunden, was dem Prozess der symbolischen Subjektivierung entgleitet. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern auch, weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegelbild, kein Echo, keine Aufnahme gefunden haben und so umherirrend bleiben.“ René Roussillon - Manual der Psychologie und der Klinischen Pathologie, Allgemeine Klinik, Seite 146.