Agathe Toman - CLOUD #4

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Kunstfotografie mit körnigem Struktur. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist ungerahmt, und damit wird eine Echtheitszertifikat beigefügt, vollständig ausgefüllt und vom Künstler signiert. Werk nummeriert, handsigniert, vorne und hinten unterschrieben. Digigraphie von hoher Pigmentqualität.
Agathe Toman ist seit 2021 an der Sotheby’s notiert.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie, Skulptur, Zeichnung bis zur Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin bei französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, fühlte Agathe vor 9 Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Côte-d’Argents (die Region) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, national wie international geschätzt.

Notiert bei Sotheby’s seit 2021, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Anerkennung in den Kreisen der angesehenen Kunstwelt bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg gebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Die Palette von Agathe bevorzugt tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, eine dezente Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylien in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen, den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Das Leinwandwerk übt eine Kraft aus, die Echo ihrer eigenen Erfahrungen zulässt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic ausgeführt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaléidoskopische Abstraktionen, sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang zugrunde lag.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Neben ihrem künstlerischen Schaffen ist Agathe auch tief in die Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse involviert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichten füllen.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Schaffen auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bedeutenden Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum, bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Vibrationen, die daraus entstehen – sowohl wahrnehmbare als auch unaussprechliche.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Arbeiten: resolut abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein erleuchtet wird. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Gegenwart des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, die reine Emotion hervorrufend und das Erwachen des Unsichtbaren provozierend; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht offenbarten Aspekte.

Ein sorgfältiges Zusammenspiel zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohle, Kugelschreiber und Malutensilien, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein Ergebnis, das nicht kontrolliert ist. Eine gesteigerte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie zu fixieren, die Dichte des Lichts zu spüren und mich darin hineinzutragen, zum Erwachen eines Ich.

Es gibt immer etwas, das man nicht geahnt hat. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechlich intensiver komprimierte, subtil entfachte Intensität, die uns in den Bann zieht und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinden, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Der Aufstieg einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich begegnen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Visuelle. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, sich selbst, die Welt und andere.

Wenn der Betrachter sich jetzt einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die sich zu einer gemeinsamen Symphonie fügen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unbegriffener Spiegel. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Was wichtig ist, ist das, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegel, kein Echo, keine Hörnung finden und daher in der Irrfahrt bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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