Agathe Toman - CLOUD #4 - 9/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigelegt, ausgefüllt und vom Künstler unterschrieben. Werk nummeriert, handsigniert, Vorder- und Rückseite. Fine Art Pigment-Digigraphie von höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s vertreten.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren Tätigkeit als Stylistin in französischen Modehäusern in Paris, vor 9 Jahren, verspürte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute in den Landes, seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international anerkannt.

Bei Sotheby’s seit 2021 geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Akzeptanz in den angesehenen Kunstkreisen bezeugt. Ihre herausragenden Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere auf der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Die Palette von Agathe bevorzugt tiefe Schwarz- und Blau-Nuancen, einen dezenten Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Öl- und Acrylfarben mit überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Zuschauer aus dem Sichtbaren zu führen. Das Leinwandwerk entfaltet eine Wirkung, die Echo auf ihre eigenen Erfahrungen findet.

Ihre Zeichnungen, realisiert mit dem Bic-Kugelschreiber, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Ursprung war.
Ihre hunderten Gedichte rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter ihrer Arbeit. Ein erster Band mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in die Studie der Psychoanalyse in transaktionaler Analyse vertieft, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich von dichten Schichten durchdringen lässt.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie konzentriert ihre Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, und markiert ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zu der Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie diese wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Mein Werk erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationen, sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer bestimmten Spannung geprägt, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Weg ins Unbewusste eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der materialitären Substanz meiner Werke: entschlossen abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich von selbst aufhellt. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, rufen reine Emotionen hervor, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu durchdringen, von mir selbst darin einzuspeisen, um ein Erwachen eines Ichs zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich intensive, subtil angeregte, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinden, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere in sich aufnehmen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, er liegt in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es ist eine Begegnung zweier Empfindlichkeiten, nicht mehr zwei getrennte Individualitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert die Gegenwart. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die einzigartige Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich verpflichte mich zu einem Weg hin zu einer neuen Vision seines Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die harmonieren und in einer einzigen Symphonie übereinstimmen; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ungreifbare Reflexion. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist verfeinern, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Der psychische Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierungssymbolisierung entgeht. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, kein Empfang haben und so umherirren.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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