Agathe Toman - Orange Sunset - 2/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Künstlerischer Fotodruck auf glänzendem Papier mit Korn. Winter 2025.
Unterschrift unten rechts. Die Nummerierung unten links. Signiert und nummeriert, rückseitig datiert. Druck in Biarritz, Frankreich. Ein Echtheitszertifikat, vom Künstler ausgefüllt und signiert, wird dem Käufer ebenfalls überreicht. Die Fotografie wird ohne Rahmen verkauft, damit sie gerollt versendet werden kann.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor 9 Jahren, verspürte Agathe den Bedarf, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Lands des Nouvelle-Aquitaine seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s notiert, wurden ihre Arbeiten dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Akzeptanz in den Kreisen der renommierten Kunstwelt belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Messen, insbesondere zu Art Paris, haben ihr enormen Erfolg verliehen und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, ein subtiler, sich bewegender chromatischer Bestand. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinte, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die ihren eigenen Erfahrungen Echo verleiht.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic erstellt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, einer Reminiszenz äusserster Schwerelosigkeit, die unserem Ursprung entspringt. Hundert Poeme rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch tief im Studium der Psychoanalyse in transaktiver Analyse, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichten der Materie anreichern.

Agathe trennt Kunst nicht von ihren gesellschaftlichen Engagements. Sie konzentriert ihr Schaffen auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihr bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst transformiert. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage deren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Schwingungen, sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Pfad zum Unbewussten öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: konsequent abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein aufgeht. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine vollständige Schöpfung, frei von Nachahmung, die reine Emotionen hervorruft und das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, verborgenen Aspekte.

Eine sorgfältige Nähe zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu durchdringen und davon etwas von mir selbst einzuflößen, für das Erwachen eines Ich.

Es gibt immer etwas, von dem man zuvor nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich Intensiv Zusammengepresste, fein angestachelt, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Schwerkraft, Rinden, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Prägung, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materalisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Individuen sind. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns, in uns, schaffen.

Der Betrachter wird selbst zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich verpflichte mich zu einem Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf andere.

Bezieht sich der Betrachter nun darauf ein, entstünden psychische Resonanzen, die in einer gemeinsamen Symphonie übereinstimmen und sich einigen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unfassbar Spiegel. Es ist eine poetische Erfahrung. Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychische Leiden hängen mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung durch Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch verzeichnet zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Aufnahme finden und thus umherirren.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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