TD - Tempero Diabetico [1985] - “Velvet Silence”

TD - Tempero Diabético von 1985, Portugiese und Streetart-Künstler seit 1999.
“Velvet Silence” ist ein handgemaltes Werk auf Baumwollleinwand, gesprüht und mit einigen Akzenten in trockenem Pastell, aus dem Jahr 2026, mit einer Bildgröße von 77,5x80 cm. Handunterschrieben auf der Rückseite mit Acrylstift. Sammlerstück in einwandfreiem Zustand, direkt vom Künstler verkauft und begleitet von COA, handsigniertem Echtheitszertifikat und gestempelt.邮送envían gerollt in einem Kartonrohr durch einen Kurierdienst.

Velvet Silence — “Ein dichter, sensorischer Schweigen, der das Gesicht mit geschlossenen Augen umgibt. Das Werk lädt dazu ein, die tiefe Stille eines scheinbar schwebenden Moments zu fühlen.”

Ich bin Urban Art-Künstler, geformt durch die Straßen, durch Fehler und durch Beharrlichkeit. Seit 1999 ist Graffiti Teil meines Körpers und meiner Weltsicht. Ich begann an Wänden, in öffentlichen Räumen, im rasanten Tempo der Stadt, und dort entwickelte sich eine eigene, rohe und intuitive Ausdrucksweise. Mit der Zeit übertrug sich diese Sprache aufs Leinwand, wobei Spray als Hauptwerkzeug diente, nicht dekorativ, sondern als direkte Erweiterung der Geste, der Dringlichkeit und der akzeptierten Unvollkommenheit.

Ich lebe mit ADHS, wobei der Aufmerksamkeitsdefizit die markanteste Eigenschaft meiner Funktionsweise ist. Über viele Jahre sah ich darin ein Hindernis: die Schwierigkeit, den Fokus zu halten, der unruhige Aufmerksamkeitsfluss, der Geist springt ständig von Stimulus zu Stimulus. Malen war ein ständiger Kampf gegen mich selbst, ein Versuch, etwas zu disziplinieren, das von Natur aus nicht stillsteht. Meine Aufmerksamkeit, wenn ich male, ist zufällig und intermittierend, mal tief in das Bild vertieft, mal völlig abwesend, als wäre ich schon in einem anderen Bild, einer anderen Idee, einer anderen Wand.

Mit der Zeit hörte ich auf, diese Funktionsweise zu korrigieren, und begann, ihr zuzuhören. Da erkannte ich etwas Wesentliches: Für mich endet ein Gemälde nicht am traditionellen Ende des Prozesses. Es gibt einen Punkt, irgendwo zwischen 60 und 65 %, an dem das Werk den ehrlichsten Zustand erreicht. In diesem Moment atmet das Bild noch, verspricht noch, ist noch nicht zu sich selbst erstarrt. Ab diesem Moment verschwindet das Vergnügen. Weiterführen würde nur eine äußere Erwartung an Vollendung erfüllen, nicht eine innere Notwendigkeit.

Also beschloss ich, das zu transformieren, was ich jahrelang als Einschränkung meines künstlerischen Prozesses betrachtete. Meine Leinwände nehmen fortan die Unvollständigkeit als Grundsatz an, nicht aus Nachlässigkeit, sondern aus bewusster Wahl. Das Unzulängliche ist für mich ein Ort der Wahrheit. Dort lebt der Gestus noch, dort ist der Fehler noch sichtbar, dort wird der Blick des Betrachters eingeladen, zu vervollständigen, zu fantasieren, zu projizieren. Wenn ich auf eine Leinwand in diesem Zwischenzustand blicke, sehe ich sie als beendet, es fehlt nichts, es bleibt nichts übrig.

Nach fünfzehn Jahren, in denen ich gegen den Aufmerksamkeitsdefizit gekämpft habe, habe ich verstanden, dass es nicht der Feind meiner Arbeit ist, sondern deren Rohmaterial. Fragmentierte Aufmerksamkeit formt den Rhythmus, Unterbrechungen schaffen Schichten, und die Unfähigkeit, zu lange dasselbe Bild zu betrachten, verhindert übermäßige Kontrolle. Die Pathologie, früher als Fehler gesehen, ist zu einer kreativen Verbündeten geworden. Heute male ich, indem ich meinem eigenen mentalen Fluss folge und ihn bestimmen lasse, wann ein Werk beginnt und vor allem, wann es endet.

Meine Arbeit lebt in diesem instabilen Gleichgewicht zwischen Impuls und Abwesenheit, zwischen dem, was gesagt wird, und dem, was unausgesprochen bleibt. Ich strebe weder nach Perfektion noch nach klassischer Vollendung. Ich suche den genauen Moment, in dem das Gemälde noch offen ist, wie ich es immer war: unvollständig, in Bewegung und zutiefst lebendig.

I am an urban artist, shaped by the streets, mistakes, and persistence. Seit 1999 ist Graffiti Teil meines Körpers und meiner Weltsicht. Mit der Zeit hat sich meine rohe, intuitive Street-Language aufs Leinwand übertragen, wobei Sprühfarbe mein primäres Werkzeug war, nicht dekorativ, sondern als direkte Erweiterung von Geste, Dringlichkeit und gelebter Unvollkommenheit.
Ich lebe mit ADHS, und Aufmerksamkeitsdefizit hat meinen kreativen Prozess stark geprägt. Mein Fokus ist explosiv und intermittierend, mein Geist springt zwischen Bildern und Ideen. Jahrelang sah ich darin eine Einschränkung, doch heute betrachte ich es als Quelle von Energie und Inspiration.
Meine Werke erreichen ihren ehrlichsten Zustand, wenn sie nur zu 60 bis 65 Prozent fertig sind. In diesem Stadium atmet die Malerei noch, sie verspricht noch, sie fühlt sich noch lebendig an. Darüber hinaus verschwindet das Vergnügen, und Weiterführen würde nur äußeren Erwartungen entsprechen. Das Unfertige ist zu einer bewussten Wahl geworden, ein Raum der Wahrheit, in dem Gesten lebendig bleiben, Fehler sichtbar sind und der Betrachter eingeladen wird, zu imaginieren und zu vervollkommnen.

Nach fünfzehn Jahren Arbeit mit Aufmerksamkeitsdefizit verstehe ich es nicht mehr als Hindernis, sondern als Rohmaterial meiner Kunst. Fragmentierte Aufmerksamkeit formt den Rhythmus, Unterbrechungen schaffen Schichten, und die Unfähigkeit, zu lange an demselben Bild zu verweilen, verhindert Überkontrolle. Meine Arbeit lebt in diesem instabilen Gleichgewicht zwischen Impuls und Abwesenheit, zwischen dem, was gesagt wird, und dem, was unausgesprochen bleibt, unvollständig, in Bewegung, und zutiefst lebendig.