Anton Kaestner - #329 - S - " Hommage à Soulages #6 ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#329 - S - " Hommage à Soulages #6 ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Transparenzen auf Druck.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk "Multi-Schichten", dessen glänzende Oberfläche "glossy" – ähnlich der Anwendung von Harz – einzigartig wirkt.

Abmessungen: Zoll 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und versandbereit gegen Aufpreis von 70€ inkl. MwSt. verfügbar.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Es begleitet ein Echtheitszertifikat.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Paris ansässiger Schweizer Maler, Bildhauer und Autor. Seine Werke werden europaweit, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne März 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat geprägt war. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was später zur Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass großformatige Bilder dich direkt anfallen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur abstrakten Malerei und zur abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz treten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch ganz Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse aus. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes in mich auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf das eigene Innenleben zu konzentrieren.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen lebendig werden lasse. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich vollständig meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand in Privatsammlungen in ganz Europa eine Heimat, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer ungenutzten Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, Ende 2024 in Paris, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich erlaube „zufälligen Experimenten“ – alles geht, um den Verstand zu überbrücken! – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern übernimmt das Zufällige niemals die Entscheidungen; höchstens stellt es Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großem Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, wodurch jedes Werk eine „asketische“ Qualität erhält: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellectualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne objektsbezogenen Gegenstand. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich selbst. Demnach haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu Sein noch Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnert, bleibt sie doch größtenteils abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Textur, auch von den fehlenden Teilen, erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Detail für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und bleibe bescheiden darüber, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu treibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet mir tägliches Handwerk, Erforschung, Weg zu sinnvollen Gesprächen, eine Suche nach einer Farbe, die perfekt ist und keine uns braucht. Die Ära des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleichermaßen wichtig sind, suche ich nach Werken, die nicht durch Dominanz, sondern durch Präsenz definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen, bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus verordneter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben, hoffe ich, die Erwartung einer Narration sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, das Dekodieren zu verlassen und zu einer direkteren Art des Blickens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Prämität gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das zarte Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine körperliche Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung von Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, überlasse aber das Ergebnis dem Werk, damit es zu dem wird, was ich als unabhängiges „Objekt an sich“ bezeichne, das erst dann vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird behutsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, through Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine fühlbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unzerlegbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem hin gezogen, was sich als völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitarbeiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt zu Intellektualisierung. Die oft gewählte bescheidene Größe soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meiner Ansicht nach zu einer Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner