Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Unikales Stück, originale Malerei von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Acrylique en spray sur plaque de plexiglas de 3mm.
Transparences sur print.
Ce tableau n'est pas une impression. Il s'agit d'une oeuvre originale "multi-couches" dont le rendu brillant "glossy" proche de l'application d'une résine est unique.
Le blanc est plus blanc en réalité que sur la photo.

Dimensions : Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sans cadre.

Ce tableau est livré sans cadre.
Cadre de qualité de la marque allemande Nielsen en aluminium, référence 34 Natura Blanc ou Argent mat (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recommandé et disponible lors de l'expédition pour un montant additionnel de 70€TTC.

L'oeuvre est signée au dos.
Un Certificat d'Authenticité l'accompagne.
La livraison est couverte par une assurance.

Anton Kaestner est un peintre, sculpteur et auteur Suisse basé à Paris. Ses oeuvres sont exposées partout en Europe, en Suisse et à Dubaï. Plus d'information et de choix sur www.antonkaestner.com.

Prochaine exposition - Lausanne Mai 2026.


Biography

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die die natürliche Schönheit und kulturelle Vielfalt meiner Heimat widerspiegelte. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein ehemaliger Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im Format A4 und dann A3 – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zuerst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich selbst als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch ganz Asien nach Frankreich. Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich einer breiten Palette kultureller Einflüsse aus. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche brodelnd. Fast drei Jahrzehnte lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, der Welt zu entkommen und sich auf mein innerstes Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Plätze in privaten Sammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", am Ende des Jahres 2024 in Paris, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal empfindlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk beim Entstehen sehen kann. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles, damit der Verstand ins Stocken gerät – das Ergebnis, die Schichten & Spiegelungen, die ich erzeuge, zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, doch verleiht er jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich erkenne, was wir zu entdecken erwarten, wenn wir still und hell werden.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die weder Grund zu ihrer Existenz, noch Ende oder Sinn haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie doch nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Spiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für das Nähesehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein ganz neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, bescheiden gegenüberstehen. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Die Epoche des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die alltägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Prominenz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind ruhige Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als in dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das seine Entstehung ermöglicht.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus erzwingter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie als „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ betrachte, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primacy der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Die Malerei auf der Rückseite des Plexiglasses, das Arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung von Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, doch gebe das Ergebnis auf, wodurch die Malerei zu dem wird, was ich ein „Objekt an sich“ nenne, das nur vollständig sichtbar wird, wenn sie abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von „sinnvollen ‘Koinzidenzen’“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur ist mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, die man in „Stille und Licht“ findet – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst leise anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit

Der Prozess erfordert ruhige Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es „aus eigenem Antrieb entstanden“ wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als absolut vorhersehbar anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual und mehr Gelassenheit – eine Form von Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitbürger ist.

Im Kern suche ich nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte überschaubare Größe soll Intimität fördern, keinen Spektakel.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind nicht separate Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner