Anton Kaestner - #274 - XL - " Dark Corner ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#274 - XL - "Dark Corner".

Acrylique en spray sur plaque de Perpex de 3mm.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende, glasartige Erscheinung, fast wie der Auftrag einer Harzschicht, einzigartig ist.

Dimensionen: Inch 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzliche 150€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein schweizerischer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in Europa, der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was letztlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zur abstrakten Expressionism hingezogen.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort da.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftslaufbahn, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und sähen mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse konfrontiert. Wohin ich auch ging, ich tauchte in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, während sie still unter der Oberfläche brodelte. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rückzug aus meine Geschäftsleben, widmete ich mich ganz dem Malen. Ich richtete mein Studio in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung, fand Plätze in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, präsentierte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases (Perpex) – eine leichte, glatte, glänzende und manchmal zerbrechliche Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „randomisierte Experimente“ – alles darf passieren – die Ergebnisse, die Schichten & Spiegelungen, die ich schaffe, zu leiten, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Klarstellen muss man jedoch: In meinen Bildern entscheidet nie der Zufall; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Koinzidenzen“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarung/Fixierung-Prozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, wobei jedem Werk eine „asketische“ Qualität bleibt: Ich freue mich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d.h. was wir wahrscheinlich finden, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dessen, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenständlichkeit. Wie alle Gegenstände sind sie Gegenstände für sich. Sie haben daher weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenso wenig Grund zu ihrem Dasein, Ende oder Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erwecken mag, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen ebenfalls, erfordert nur Empathie. Hoffentlich regt das Spiel zwischen „Details für Nahe“ – ein Detail eines Gemäldes ist ein ganz neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu besitzen, und möchte demütig bleiben, was erreicht werden kann. Einfach gesagt, finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erforschung, Weg zu bedeutsamen Gesprächen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft zu sehen."

Über Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Glanz, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind das ruhige Resultat einer langen und bedachten Fragestellung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem finalen Bild als auf dem ruhigen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichtserklärungen.

Die erste ist der Rückzug aus verordnetem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ habe, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu entfernen und hin zu einer direkteren Art des Sehens.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primats der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ betrachte, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch schillerndes Licht, durchscheinende Schichten und das diffuse Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft bemerke, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee und Hand zusammentreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber lasse das Ergebnis los, sodass das Gemälde zu dem wird, was ich als eigenständiges „Objekt an sich“ bezeichne, das erst vollständig enthüllt wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Koinzidenzen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird sorgfältig aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als meaningless bezeichne, etwas zu „kommunizieren“. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Satz, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwebt in der Arbeit, doch ist sie merkwürdig auf das Jetzt gerichtet: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – einer Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitspieler ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebenden Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft gewählte bescheidene Skalenansatz soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner