Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#295 - XL - " Mirror #1 ".

Acrylspray auf einer 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk in mehrschichtiger Ausführung, dessen glänzendes, glossy Finish an das Auftragen eines Harzes erinnert und einzigartig ist.

Abmessungen: Inch 34,3 × 24,2 × 0,12 / 87 × 61,5 × 0,3 cm ungerahmt.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen in hochwertiger deutscher Qualität der Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 150€ brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Dazu gehört ein Echtheitszertifikat.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Genf geborener Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Arbeiten werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biographie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der Naturschönheit und kulturellen Fülle meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Grundstein legte für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegentreten, dominierend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich vom nicht-figurativen Malen und dem abstrakten Expressionismus angezogen.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um den Globus führte, von den USA über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzte mich einer breiten Palette kultureller Einflüsse aus. Wohin ich auch ging, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, langsam unter der Oberfläche köchelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich voll dem Malen. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich vollständig meiner Kunst. Ende 2024 begann ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris gehalten, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um das Denken zu überbrücken! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klipp und klar: In meinen Bildern übernimmt das Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „abstinenzielle“ Qualität: Ich bin froh, wenn ich unverlierbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht stehen.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Innersten des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Zwar war Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit, bleiben meine Gemälde doch ohne Gegenständlichkeit. Wie alle Gegenstände sind auch sie Gegenstände für sich. Folglich besitzen sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund des Seins, noch Ende noch Zweck haben. Obwohl meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Bleiglasfenstern erinnert, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Austausch zwischen „Details für das Nahsehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein ganz neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu ermutigen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben, was erreichbar ist. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu treibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Für mich ist Malerei eine tägliche Handwerkskunst, eine Entdeckungsreise, ein Weg, bedeutungsvolle Gespräche anzuregen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen."

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Umfeld der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Gegenwärtigkeit definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht in Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und absichtsvollen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als in dem leisen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist eine Rückzug aus der aufgezwungenen Sinngebung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschrieben und dass sie „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ haben, hoffe ich, die Erwartung von Narration sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und einer direkteren Art des Sehens zuzuwenden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum versuche ich, das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem interpretierbaren Objekt als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft erwähne, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Der Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite des Plexiglases, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine körperliche Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, gebe jedoch das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt für sich“ nenne, das erst dann vollständig offenbart ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu vermitteln durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Präsenz, eine fühlbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – einen Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem Zugesehen hingezogen, das sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – einer Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern stille Zusammenarbeit ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte überschaubare Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Bestandteile einer einzigen Suche. Ich habe herausgefunden, dass eine Praxis, die auf ruhigen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meiner Ansicht nach eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner