Anton Kaestner - #340 - L - " Dust #2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#340 - L - „ Dust #2 “.

Acrylspray auf einer 3 mm Plexiglasplatte.
Transparenzen auf Print.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk in „Multi-Lagen“-Technik, dessen glänzende, resinartige Oberfläche einzigartig wirkt.

Abmessungen: Zoll 21,1 × 17,3 × 0,12 / 53,5 × 44 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für einen zusätzlichen Betrag von 110 € brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein in der Schweiz geborener Maler, Bildhauer und Autor, der in Paris ansässig ist. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Funken für das legte, was schließlich zu meiner Lebensliebe werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit zahllichen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zum nicht-figurativen Malen und abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, auch wenn ich mich als Atheist betrachte, eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich einer breiten Palette kultureller Einflüsse aus. Überall, wo ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes in mich.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise am Rande brodelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Freude am Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität prüfen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive zu zeigen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung erlangte meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden, neue Heimaten.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Kunstansatz fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglasses (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal brüchigen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Arbeitsprozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich erlaube „zufälligen Experimenten“ – alles geht, um der Vernunft einen Stopp zu setzen! –, den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern trifft der Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unerlässliche Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich finden, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Männer oder Tage, die weder Begründung noch Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie doch überwiegend abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Wechsel von „Detailnähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber vorsichtig bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, ein Weg, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landscape der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht in Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und durchdachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ihm ermöglicht zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus erzwungenem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer Narration behutsam zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorherrschaft der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch schiftendes Licht, translucent Schichten und den schwachen Spiegel des Betrachters, der sich selbst gegenübersieht. Wie ich oft sage, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist der Moment, in dem Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Loslösung von Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, gebe dem Ergebnis aber nichts vor und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängigstes „Objekt an sich“ nenne, das erst bei vollständiger Fertigstellung vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von „bedeutungsvollen ‚Zufällen'“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt aber merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – ein Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konstante Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es „aus eigenem Antrieb entstanden wäre“. Ich fühle mich dazu hingezogen, was sich als völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, wenn auch vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern ist es eine Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte geringe Größe soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind nicht separate Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in leisen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner