Oliver Plehn - Las tres Gracias - Tríptico - XXL

Das Triptychon Die drei Grazien wurde 2016 mit Acryl- und Ölfarbe auf drei Leinwänden von jeweils 163 cm x 97 cm geschaffen. Von einem schwarzen Schriftzug an jedem einzelnen Leinwand signiert. Wird mit Echtheitszertifikat geliefert, zustandlos. Das Kunstwerk wird gerollt in einem Transportrohr versendet.

Ursprüngliches zeitgenössisches Werk: Triptychon mit dem Titel „Die drei Grazien“, bestehend aus drei vertikalen Leinwänden (jeweils 163 × 97 cm).
Technik: Mischtechnik – Hintergrund in Acryl in leuchtenden gelblich-grünen Tönen, Figuren in schwarzer Ölfarbe modelliert, wodurch ein starker materieller und expressiver Kontrast entsteht. Die dunklen Formen treten aus dem Hintergrund wie gestische Silhouetten hervor, betonen Körperlichkeit, Spannung und Bewegung.
Inspiriert vom klassischen mythologischen Motiv der Drei Grazien (Chariten: Göttinnen von Anmut, Schönheit, Freude und Überfluss), stellt diese zeitgenössische Version drei weibliche Figuren in dynamischen und zugleich verletzlichen Posen dar — von Rückenansicht, aus dem Blickwinkel oder frontal — als Sequenz eines Tanzes oder Rituals, das Stärke, Sinnlichkeit und Zerbrechlichkeit des Menschlichen evoziert. Die drei Teile bilden eine einheitliche Narration, visuell verbunden durch Kontinuität in Farb- und Kompositionsführung, und laden zu einer modernen Lesart des Ideals von Anmut und Harmonie ein.
Stil: gegenwärtige expressiv figürliche Malerei mit materischen Einflüssen und Einflüssen des Körper-Expressionismus. Eine persönliche und kraftvolle Neuinterpretation des klassischen Themas der „Drei Grazien“, ideal für Sammler zeitgenössischer figürlicher Kunst, Großformate oder auf Mythologie roots basierende aufstrebende Kunst.
Versand professionell verpackt (Holzkiste oder Ähnliches zum maximalen Schutz).
Einziges Stück mit großer visueller Wirkung, direkt vom Schöpfer!

SPIEGEL DES SEINS: PORTRAITS VON FRAGILITÄT UND STÄRKE
Von Antonio Sánchez. Direktor und Kurator von 1819 Art Gallery
Die uns vorliegende Sammlung ist eine emotionale Zusammenstellung von Werken, die die Tiefe der menschlichen Condition durch Porträts und Figuren mit symbolischer Bedeutung erforschen. Diese Stücke verweben sich zu einer visuellen Erzählung, die eine Palette von subtilen und oft düsteren Farbtönen entfaltet, die introspektive und kontemplative Stimmungen hervorrufen. Die künstlerische Beherrschung zeigt nicht nur die Meisterschaft des Mediums, sondern auch eine intensive emotionale Verbindung zwischen dem Künstler und seinen Subjekten, von denen jedes eine stille, aber greifbare Geschichte trägt.
Die Texturen und verwendeten Techniken reichen von sanft verwischten bis hin zu heftig markierten Oberflächen, was die Vielfalt menschlicher Emotionen und die Komplexität unserer Erfahrungen widerspiegelt. Die Pinselstriche, ob fest oder zittrig, zusammen mit dem Spiel von Licht und Schatten, schaffen eine Atmosphäre, die über das Visuelle hinausgeht und die Seele des Betrachters berührt.
Das Werk schwankt zwischen wörtlicher Darstellung und Abstraktion und ermöglicht dem Betrachter, die Lücken zu vervollständigen, was zu einer tieferen Beteiligung anregt. Der gezielte Einsatz störender oder unerwarteter Elemente, wie ein Messer, das eine Gesichtsfigur durchschneidet, fordert unsere Wahrnehmungen heraus und provoziert eine introspektive Reflexion darüber, was es bedeutet, in Zeiten emotionaler und sozialer Turbulenzen Mensch zu sein.
Die Sammlung insgesamt dient als Spiegel der Immanenz von Fragilität und Stärke des menschlichen Geistes. Jedes Stück bleibt in seiner Ausdrucksform einzigartig, trägt aber zu einem breiteren Dialog über Widerstand und Verwundbarkeit bei. Die Wahl der Sujets, von menschlichen Figuren bis hin zu Darstellungen von Tieren, jeder von tiefer Emotionalität durchdrungen, verstärkt diesen Dialog und deutet eine Universalität unserer emotionalen Erfahrungen an.
Diese Werkschau ist mehr als nur eine Demonstration technischer Fertigkeiten; sie ist ein Zeugnis der Fähigkeit der Kunst, zu bewegen, zu verbinden und zu hinterfragen. Die Sammlung erfasst nicht nur die ästhetische Schönheit ihrer Subjekte, sondern fungiert auch als Katalysator für die persönliche und kollektive Erforschung tiefer und oft widersprüchlicher Emotionen. Indem sie dies tut, laden diese Werke die Zuschauer ein, sich dem Unbekannten in sich selbst und in der ihnen umgebenden Welt zu stellen und bieten Raum für Erkenntnisprozesse und Katharsis.

Biografie des Künstlers – Oliver Plehn
Das Werk des deutschen Malers und Zeichners Oliver Plehn ist geprägt von expressiven Darstellungen des menschlichen und tierischen Körpers. Die Gesichter und Körper bilden das Zentrum seines künstlerischen Universums: kraftvoll, sensibel und von tiefer psychologischer Tiefe. Seit seiner Kindheit beeinflussen ihn die Bilder der deutschen Expressionisten, deren unmittelbare emotionale Ausdruckskraft und formale Freiheit bis heute eine Referenz in seiner künstlerischen Sprache darstellen.
Bereits in jungen Jahren entschied Plehn, Künstler zu werden und sich seiner kreativen Unabhängigkeit zu widmen. Neben dem Studium von Malerei und Zeichnung an Kunstschulen absolvierte er auch Naturwissenschaften, was ihm eine berufliche Unabhängigkeit und künstlerische Freiheit verschaffte. Zu Beginn der 1990er Jahre führte ein Stipendium im Bereich Quantenmechanik ihn nach Madrid.
Oliver Plehn lebt mit seiner Ehefrau und zwei Töchtern im Madrider Stadtteil Carabanchel Alto.
Schriftliche Künstlererklärung
Meine Arbeit entspringt dem Impuls, die menschliche Existenz in ihrem innersten und widersprüchlichsten Kern zu begreifen. Im Laufe meiner Karriere habe ich das Porträt als Medium erforscht, das nicht nur das Sichtbare, sondern auch das Verborgene offenbart: unterdrückte Emotionen, Narben der Seele, Gesten stiller Widerstandskraft. Ich male aus der Fragilität heraus, aus jenem Grenzraum, in dem Schmerz und Schönheit koexistieren, ohne Erlaubnis.
Es interessiert mich nicht, perfekte Gesichter zu erfassen, sondern Gegenwart – jene Art, die von dem spricht, was unausgesprochen bleibt. Mich faszieren Stille, Blicke, die Geschichten tragen, Körper, die mit dem Erlebten vibrieren. Jedes Werk ist für mich ein Versuch eines Dialogs mit dem Unbekannten, jenem inneren Raum, aus dem wir oft zu entfliehen versuchen.
Mein Ziel als Künstler ist es, Bilder zu schaffen, die nicht nur betrachtet, sondern den Betrachter hinterfragen. Ich möchte, dass sie wie Spiegel wirken, in denen man etwas von sich selbst finden kann, auch in Unruhe oder Unbehagen. Ich arbeite figurativ, ja, doch suche ich darin die Öffnung zum Geheimnis, zum Zweifel, zur Emotionalität, die Worte nicht findet.
Ich glaube, dass Kunst die Fähigkeit hat zu heilen, zu offenbaren und zu begleiten. In diesem Sinne ist meine Praxis auch eine Form von Fürsorge: für mich selbst und für alle, die sich diesen Bildern mit offenem Herzen nähern.
Ausstellungen
•
Online-Präsenz bei Artsy
•
Online-Präsenz bei Flecha.es
•
Online-Präsenz bei 1819 Art Gallery
•„Aqua versus Terra“, 1. – 30. September 2025, Madrid
•„Madrid Oculto“, 1. Juni bis 15. Juli 2025, Madrid
•„The Gods of Muay Thai and a Strange One“, 1. Dezember 2022 – 6. Januar 2023, Madrid
•Ausstellung an der Yale Graduate School of Art, März 2021
•Einzelausstellung im Flughafen Madrid-Barajas „Faces of the World“, 30. Dezember 2019 – 7. Februar 2020
•Einzelausstellung „The Passion of the Christ“ in der deutschen Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
•Ausstellung bei der United Artist Fair 2019 in der Casa de Cantabria, Madrid, Februar 2019
•Ausstellung von Gemälden in Calle Serrano, Madrid, Dezember 2018 – Februar 2019
•Einzelausstellung von Gemälden in Madrid, Spanien, November 2018
•Ausstellung von Gemälden in Madrid, Spanien, Calle Serrano, November 2016 – Januar 2017