Agathe Toman - Cloud #3 - 3/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ der Künstlerin. Fine art glacé-Papier. Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021. Die Fotografie wird ungerollt per Post versendet, ungerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigelegt, ausgefüllt und von der Künstlerin signiert. Auflage nummeriert, handsigniert, Vorder- und Rückseite.

Agathe Toman, Künstlerin, ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, spürte Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und ihre Aufnahme in angesehene Kunstkreise belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere zur Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in vielen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blautöne, ein dezenter Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben mit einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielen, verborgene Dinge wieder zu verknüpfen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die den Echo ihrer eigenen Erfahrungen zulässt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber ausgeführt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie übermannen uns mit stillen Empfindungen, eine Reminiszenz an eine perfekte Schwebezustand, der unseren Ursprung ausmacht.
Ihre Hunderten von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Ton, der ihr Werk kennzeichnet. Eine erste Gedichtsammlung mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Beyond ihrer künstlerischen Praxis ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse involviert, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit dichten Schichten erführen.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren namhaften Publikationen erkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihre signifikante Wirkung im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationen, sowohl offensichtlichen als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Durchgang zum Unbewussten eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der-materialität meiner Werke selbst: resolut abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau an der Berührung des Schwarz funkelt oder sich von selbst erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, und lösen reine Emotionen aus, wecken das Unsichtbare; meine Werke werden zu Spiegeln dieser inneren, unrevealed Aspekte.

Ein sorgfältiger Einklang zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu erhöhen und daraus einen Teil von mir selbst hineinzuschöpfen, zum Aufwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Diese unbeschreibliche Intensität, stark angeregt, die uns gefangen nimmt und übermannt. Wasser, Gravitation, Rinden – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, meine Schöpfungen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich begegnen, nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sichtbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich beginne einen Weg hin zu einer neuen Sicht auf sein Sein, auf sich selbst, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die übereinstimmen und sich zu einer gemeinsamen Symphonie fügen, ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein ungreifbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen kitzeln und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt zusammen mit allem, was dem Prozess der Subjektivierungssymbolisierung entzogen ist. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Aufnahme gefunden haben und so in wandernder Weise bleiben.“ – René Roussillon, Manual der Psychologie und Klinischen Pathologie, Allgemeine Klinik, Seite 146.