Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#188 - S - "Backwash 1".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk mit mehrschichtiger Beschaffenheit, dessen glänzendes Finish – eine Art Glossy, das an das Auftragen von Harz erinnert – einzigartig ist.

Abmessungen: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von Markenqualität der deutschen Firma Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura Weiß oder Matt-Silber (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70 € brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Arbeiten werden in ganz Europa, der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtümer meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein später Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was später zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, herrschend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Zuneigung inspirieren können. Zunächst zog es mich zur non-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes in mich auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer großes Befriedigung beim Malen empfunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen die Möglichkeit zu geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich fortan ausschließlich meiner Kunst. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch an Anerkennung und fand ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, vor allem in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leer stehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", endete 2024 in Paris und präsentierte einen eigenständigen Kunstansatz, der sich von traditionellen Maltechniken abhebt: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal brüchigen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufälligen Experimenten“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! – den Verlauf, die Schichten & Spiegelungen zu leiten und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Koinzidenzen“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir entdecken werden, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrungswissen des Seins. Weder „rapider Konsum“ noch „Intellektualisierung/ intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie stets Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenständlichkeit. Wie alle Gegenstände sind auch sie Gegenstände für sich. Demnach besitzen sie weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erweckt, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, und zwar bei jedem neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, der fehlenden Teile erfordert ebenfalls Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für den Nahbereich“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und bleibe demütig dahingehend, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erforschung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Bedeutung, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind stille Ergebnisse einer langen und absichtsvollen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es hervorbringen lässt.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus erzwungener Sinngebung. Indem ich die Werke als „ohne Gegenstand“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ zuschreibe, möchte ich die Erwartung einer Narration behutsam lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primat der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, sondern zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchsichtige Schichten und die schwache Reflexion des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist da, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, überlasse aber das Ergebnis dem Werk, sodass es zu dem wird, was ich ein eigenständiges „Objekt an sich“ nenne, erst vollständig sichtbar, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten darauf, was hier und jetzt ankommt.

An diesen Absichten halten sich einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen ‚Zufällen‘, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird achtsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch neugierig auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es „aus eigenem Antrieb entstand“. Ich fühle mich zu dem hin gezogen, was sich als völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern ist dies eine Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich mehr zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft gewählte, bescheidene Maßstab soll zur Intimität anregen, nicht zum Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradox basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können diese Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner