Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#197 - S - "Backwash 2".
Ein hübsches kleines Bild, das im letzten Jahr in Australien ausgestellt wurde.

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist keine Druckgrafik. Es handelt sich um ein originales Werk in Mehrfachschichten, dessen glänzende glänzende Oberfläche, ähnlich dem Auftragen eines Harzes, einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Bild wird rahmenlos geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura Weiß oder Mattsilber (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 70 € brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Genf geborener, in Paris lebender Schweizer Maler, Bildhauer und Autor. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes geprägt war. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was später zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im A4- und dann A3-Format – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegenkommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog es mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich selbst als Atheist sehe, entwickelte ich auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg zum wirklichen Künstlersein war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, ich tauchte ein in die lokale Kunstszene und ließ mich von der kreativen Energie des jeweiligen Ortes tragen.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still in mir kochend. Über fast 30 Jahre wurde Malerei zu einer Art geheimer Meditation – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und mein inneres Selbst zu fokussieren.

Ich habe in der Malerei stets tiefe Zufriedenheit gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rückzug aus meine Geschäftskarriere, widmete ich mich der Malerei vollständig. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und überraschenderweise gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Heimat in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leeren Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz in der Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex) – einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während seiner Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles, was erlaubt ist, um den Verstand zu durchbrechen! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber nehmen wir es klar: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der sich mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie deckt, ist herausfordernd und befreiend. Der Wert der Komposition wird durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleiht jedem Werk jedoch eine „ästhetische“ Qualität: Ich bin froh, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell verweilen.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „rascher Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung von Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meines Werks war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund für ihr Dasein noch Ziel noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, unterschiedlich je nach neuem Betrachter. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur sowie die fehlenden Teile erfordern Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Detail fürs Nahsehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz fürs Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und bleibe bescheiden darüber, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleiches Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Bühnenreife, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht im Plexiglas – sind ruhige Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Denken und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis fußt auf drei aufeinander abgestimmte Absichten.

Die erste ist ein Rückzug von gesetzter Bedeutung. Indem ich die Arbeiten als „ohne Objekt“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ zuschreibe, möchte ich behutsam die Erwartung einer Narration lockern. Es ist eine Einladung, dem Dekodieren zu entkommen und stattdessen eine direktere Art des Sehens zu wagen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das einzuordnen, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt zur Interpretation als zu einem ruhigen Ereignis zum Fühlen – geformt durch wechselndes Licht, translucent Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft bemerke, „lebt, es ändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee und Hand zusammentreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schöpfens. Ich setze Bedingungen, überlasse das Ergebnis jedoch dem Werk, lasse es zu einem eigenständigen „Objekt an sich“ werden, das erst vollständig offenbart ist, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten darauf, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien hoch, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke zu kommunizieren, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gezeigte kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als hätte es sich von selbst entwickelt. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual, mehr Ruhe – einer Informalität, bei der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft von mir gewählte bescheidene Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe herausgefunden, dass eine Praxis, die in stiller Paradoxie verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner