Anton Kaestner - #114 - XXL - " Cy #1 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#114 - "Cy #1" - XXL-Größe.
Sehr großes Format.

Acrylique en spray sur plaque de plexiglas de 3mm.
Dieses Gemälde ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein werk, das in mehreren Schichten von Farbe und/oder Sprühfarbe gemalt wurde, dessen glänzende, „glossy“-Oberfläche, die der Anwendung von Harz nahekommt, einzigartig ist.

Bei Ihren Geboten beachten Sie bitte, dass dieses sehr großformatige Werk gerahmt geliefert wird, mit einem matt schwarzen Rahmen, bereit zum Aufhängen. Der Wert des Rahmens allein beträgt 250€ inkl. MwSt.

Abmessungen: Zoll 47,2 × 34,3 × 0,12 / 120 × 87 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, matt schwarz (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) oder einem anderen Rahmen derselben Serie nach Wahl des Käufers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor, mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebenspassion werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern. Zuerst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an. Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und der tieferen Wahrheit von Natur und Leben in Resonanz stehen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort geebnet.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Überall, wohin ich ging, tauchte ich in die lokalen Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftslaufbahn war die Kunst immer Teil von mir, still im Hintergrund köchelnd. Über fast drei Jahrzehnte wurde Malerei eine Form stiller Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt auszusteigen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.
Ich habe stets enorme Befriedigung beim Malen empfunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftslaufbahn, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich richtete mein Studio in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und überraschenderweise gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", in Paris Ende 2024, präsentierte einen unverwechselbaren künstlerischen Ansatz, der sich von traditionellen Maltechniken abhebt: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überbrücken! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelwirkungen, die ich schaffe, zu steuern, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, gleichzeitig erhält jedes Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell innehalten.
Ich halte meine Vorgehensweise bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erlebnis des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem „le vif“, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Obwohl meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erhaschen kann – bei jedem Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Struktur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen „Detail für die Nahsicht“ und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, mit Demut begegnen. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Werdens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten weiter zu verfeinern und noch mehr zu erkunden, was ich leisten kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen.“

Anton Kaestner