Agathe Toman - CLOUD #4 11/15

Dieses Werk gehört zur "COLLECTION PARTAGÉE" des Künstlers. Hochglanzpapier Fine Art. Kunstfotografie mit körnigem Struktur. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.

Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, das vom Künstler ausgefüllt und unterschrieben ist. Auf dem Werk befindet sich eine Nummerierung, handschriftlich signiert, vorne und Rückseite.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s notiert.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische interdisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, verspürte Agathe vor neun Jahren den Wunsch, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, geschätzt sowohl national als auch international.

Seit 2021 bei Sotheby’s verzeichnet, wurden ihre Werke dreifach versteigert, was ihren raschen Aufstieg und ihre Akzeptanz in renommierten Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blau, ein dezidierter, sich bewegender Chromatismus. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindungen zu Verborgtem wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Das Gewebe übt eine Macht aus und reflektiert ihre eigenen Erfahrungen.

Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-KugelschreiberRealisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Anfang war.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Wirken hinaus engagiert sich Agathe auch tief in der Psychoanalyse in transactioneller Analyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichten füllen.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie richtet ihr Werk auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung aus. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren angesehenen Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’œil (L’Oeil) und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach deren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationen, sowohl spürbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, menschliche Natur und die Beziehung zwischen Individuum und Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung geprägt, die den Betrachter zu einer intimen Reflexion einlädt und einen Blick in das Unbewusste eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschiedene Abstraktionen, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich von selbst erhellt. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, die reine Emotionen weckt und das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; so werden meine Werke zu Spiegeln jener inneren Aspekte, die nicht offenbart sind.

Eine sorgfältige Übereinstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Deposition der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine verstärkte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu verdichten, etwas von mir hineinzugeben, zum Erwachen eines Ichs.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutete. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich Intensivierte, subtil angefacht, das uns gefangen nimmt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten, metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Schöpfungen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere in sich verschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich strebe eine Wegführung zu einer neuen Vision des eigenen Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen an.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, klangen psychische Resonanzen zusammen und stimmen in einer einzigen Symphonie überein, beginnt ein Dialog, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort klingen.
Was wichtig ist, ist das, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieser Begegnung.

„Psychische Leiden hängen mit allem zusammen, was sich dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entzieht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist, oder auf psychische Einschaft wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegelbild, kein Echo, keine Aufnahme gefunden haben und in Reuordnung bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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