Anton Kaestner - #44 - XL - " Vulnérable ".

Unikatsstück, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#44 - "Vulnerabel" - Größe XL.
Großer Format.

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein Werk, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprühaktionen gemalt wurde, dessen glänzende, fast resinartige Oberfläche dem Auftrag einer Versiegelung nahekommt und einzigartig ist.

Bitte berücksichtigen Sie bei Ihren Geboten, dass dieses sehr großformatige Werk fertig gerahmt in einen matten schwarzen Rahmen geliefert wird, bereit zum Aufhängen. Wert des Rahmens allein 140€ inkl. MwSt.

Abmessungen: Inch 34,3 × 34,3 × 0,12 / 87 × 87 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, Holzoptik (Eiche) (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), oder einem anderen Rahmen derselben Serie nach Wahl des Käufers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Dazu gehört ein Echtheitszertifikat.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor, mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke sind europaweit, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

"Biografie
Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich meine Lebensleidenschaft werden sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im A4- und dann A3-Format. Zunächst zog mich nicht-figürliche Malerei und abstrakter Expressionismus an. Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist sehe, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und der tieferen Wahrheit von Natur und Leben in Resonanz stehen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meine Perspektiven und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Überall, wohin ich ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes in mich auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche brodelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malen eine Form stiller Meditation für mich – ein Weg, der Welt zu entfliehen und mich meiner inneren Selbst zu widmen.
Ich habe stets enorme Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und reale Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig dem Malen. Ich richtete mein Studio in Paris ein und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Gegen Ende 2023 begann ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer CV
Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, Ende 2024 in Paris, präsentierte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Es gibt kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich erlaube „zufälligen Experimenten“ – alles geht, um die Vernunft zu überlisten –, den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenlegungs- bzw. Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, wodurch jedes Werk eine «asketische» Qualität erhält: Ich freue mich, wenn ich „unbearbeitbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir im Stillen und im Licht stehen.
Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Bewusstseins- und Realitätserschließung, die sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach „Leben im Herzen des Lebens“, dem Vivalon, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei hervorruft, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, durch die man die eigene Silhouette erhaschen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter verändert. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Detailnahen zum Detail – und des Gesamtbildes aus der Distanz – die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu kennen, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachstums. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft fürs Sehen.“

Anton Kaestner