Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#88 - XL - "Squander".

Acrylspray auf 3 mm Perpex-Platte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales "multi-layer" Werk, dessen glänzende "glossy" Optik nahe der Anwendung von Harz einzigartig ist.

Maße: Zoll 24,2 x 34,3 x 0,12 / 61,5 x 87 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird rahmenlos geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 150€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Paris ansässiger Schweizer Maler, Bildhauer und Autor. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Heften – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe wecken können. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den USA über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten mich in Kontakt mit einer breiten Palette kultureller Einflüsse. Wo immer ich hinging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und spürte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche brodelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt abzuschneiden und sich meinem inneren Selbst zu widmen.

Ich habe stets enorme Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich voll dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand in Privatsammlungen in ganz Europa ein Zuhause, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris gezeigt, präsentierte einen distinkten Kunstansatz, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal brüchigen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während seiner Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen leiten und lasse Raum für Offenbarungen und Entdeckungen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern trifft Zufall niemals Entscheidungen; höchstens wirft Zufall Fragen auf; sinnvolle „Koinzidenzen“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixationsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Wertigkeit der Komposition wird durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleiht jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich die „unverrückbaren Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell werden.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern Erfahrung des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellektualisierung / intellektueller Besitz", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Ende, noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann – für jeden neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Spielraum zwischen „Details zum Nahbetracht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Zuschauer dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichermaßen schwerge- wichten, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Überlegenheit, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder innerhalb von Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und bewussten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis beruht auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der aufgezwungenen Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben, hoffe ich, die Erwartung narrativer Deutung behutsam zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu entfernen und zu einer direkteren Art des Betrachtens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, transparente Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft bemerke, lebt das Stück: Es verändert sich, es sieht.

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber gebe das Ergebnis ab und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein eigenständiges „Objekt an sich“ nenne, das erst im Vollständigen vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten darauf, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxa in sich, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen ‚Koinzidenzen‘, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird sorgfältig aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke zu kommunizieren, die ich als bedeutungslos bezeichne. Vielleicht ist geteilt nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur von Licht, eine stille Gegenwart, eine fühlbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich lasse mich von dem anziehen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.

In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Trauer und mehr Ruhe – eine Informalität, wobei Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern steht die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Vernunft-Intellektualisierung. Jene bescheidene Größe, die ich oft wähle, soll Intimität statt Spektakel fördern.

Am Ende ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Überlegungen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die von stillem Paradox getragen wird, keineswegs zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner