Anton Kaestner - #364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Unikat, origINALE Malerei von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Acrylique en spray sur plaque de plexiglas de 3mm.
Dieses Gemälde ist keine Druckarbeit. Es handelt sich um ein originales Werk "mehrschichtig" mit einer glänzenden, resin-ähnlichen Ausstrahlung, die einzigartig ist.

Dimensions: Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und verfügbar beim Versand gegen einen zusätzlichen Betrag von 70€ inkl. MwSt.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich von der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtum meiner Heimat umgeben auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was später zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – mir war immer klar, dass große Bilder einen direkt angreifen, dominerend und einschüchternd wirken, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich non-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist empfinde, entwickelte ich auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, da sie im Einklang mit meiner Erkundung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den USA bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftslaufbahn war Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf das innere Selbst zu fokussieren.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffte ich schon immer, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und widmete mich fortan vollständig meiner Kunst. Gegen Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, präsentierte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglasses (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um die Vernunft zu übergehen – den Verlauf, die Schichten & Spiegelungen zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klipp und klar: Bei meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großem Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich erkenne, was unausweichlich ist – also Dinge, die man findet, wenn man still und im Licht verweilt.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisieren / intellektueller Besitz“, sondern Bewusstseins-Erweiterung und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die weder einen Grund zum Sein, noch ein Ende, noch einen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnert, bleibt sie doch fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann – für jeden neuen Betrachter individuell verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein zurückhaltender Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur, der Wegfall der Teile erfordert Empathie. Hoffentlich wird die Wechselwirkung zwischen „Detail für das Nahsehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu ermutigen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreichbar ist, gegenüber demütig bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Zweifelns und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen.“

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Geflecht der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, arbeiten zu schaffen, die nicht durch ihre Bedeutung, sondern durch ihre Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder von Farbe und Licht im Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und überlegten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis beruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus befestigter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ zuschreibe, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Blickens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt zur Interpretation, sondern zu einem stillen Ereignis zum Fühlen – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Schaffensakt. Ich setze Bedingungen, aber überlasse das Ergebnis dem Fluss und lasse das Bild zu dem werden, was ich ein eigenständiges „Objekt an sich“ nenne, das erst ganz sichtbar wird, wenn es vollendet ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird sorgfältig aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne, etwas zu „kommunizieren“. Möglicherweise ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unausgeschöpften Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Präsenz, die die Arbeit selbst leise bietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konzentrierte Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonòm erscheint, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem zugezogen, was sich als völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass das „Zeitalter des Informellen“ gerade erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall keine Bruchstelle, sondern stille Kollaboration ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die bewusst oft gewählte überschaubare Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradox basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner