Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#365 - S - "Chromatic Cloud MR#6".

Spraydose Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales "Multi‑Coat" Werk, dessen glänzendes, resinartig wirkendes Finish in Glossy-Optik einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von Nielsen, einer deutschen Qualitätsmarke, aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70 € brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Genf geborener, in Paris ansässiger Schweizer Maler, Bildhauer und Autor. Seine Arbeiten werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtums meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale GeschäftsKarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, ich tauchte in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes mitreißen.
Trotz des Fokus auf meine GeschäftsKarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still in mir kochend. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Befriedigung am Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Ruhestand von meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich richtete mein Studio in Paris ein und widmete mich von nun an ganz meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in Privatsammlungen in ganz Europa – besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einem leerstehenden Sakristal in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Kunstansatz abseits tradierter Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), eine leichte, glatte, glänzende und manchmal zarte Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe weder visuelles Feedback noch Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht – zu, um das Ergebnis, die Layer und Spiegelungen zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; bedeutungsvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine «asketische» Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektes Eigentum“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben am Kern des Lebens“, wie Alain Damasio es ausdrückt: „le vif“. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte ihrer selbst. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder einen Grund zu existieren, noch ein Ende noch einen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Zudem verleiert Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette sehen kann – für jeden neuen Betrachter individuell anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Textur, auch von bewusst fehlenden Teilen, erfordert Empathie. Hoffentlich regt das Spiel zwischen „Detail nah“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen an.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber demütig bleiben. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Hinterfragens und Wachstums. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten weiter zu verfeinern und stärker zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleiches Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Prominenz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen, bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im leisen Wechselspiel von Gedanke und Prozess, das seinem Entstehen zugrunde liegt.

Diese Praxis fußt auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus aufgezwungenem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ zuschreibe, hoffe ich, die Erwartung narrativer Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als „Erfahrung des Sein“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchsichtige Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Loslösung von Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, überlasse dem Ergebnis jedoch die Entfaltung, sodass das Gemälde zu dem wird, was ich ein unabhängiges „Objekt seiner selbst“ nenne, das erst abgeschlossen vollständig offenbart wird. Es ist eine stille Paralle zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von bedeutungsvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur ist mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als bedeutungslos bezeichne, etwas zu vermitteln. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Ruhe.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch curioserweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert ruhige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem hin gezogen, was sich als vollkommen unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern leise Mitwirkung ist.

Im Kern ist dies eine Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte, bescheidene Größe soll Vertrautheit statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind nicht separate Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner