Agathe Toman - Cloud #3 - 4/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Hochglanz-Papier von Fine Art. Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021. Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitserklärung beigefügt, vom Künstler ausgefüllt und signiert. Auf dem Bild ist eine fortlaufende Nummer vorhanden, handschriftlich signiert, vorne und hinten. Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach ihrem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in Pariser Haute-Couture-Häusern spürte Agathe vor neun Jahren den Wunsch, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Frankreich) ansässig, hat sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene etabliert, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Anerkennung in angesehenen Kunstkreisen belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Die Palette von Agathe bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blau, eine dezente, sich bewegende Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tuschen, Ölfarben und Acrylfarben in überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Wirkung aus, die dem Echo ihrer eigenen Erfahrungen Raum gibt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic erstellt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Ursprung entspricht.
Ihre hunderten Gedichte prägen ihr Universum mit lyrischer Charakteristik ihrer Arbeit. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch stark in der Psychoanalyse in der analytischen Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Tiefen geprägt ist.
Agathe trennt Kunst nicht von gesellschaftlichem Engagement. Ihr Werk konzentriert sich auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der Gegenwartskunst unterstreicht.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau beim Kontakt mit Schwarz knistert oder von selbst erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jede eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, die reine Emotionen hervorruft und das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser inneren, noch unenthüllten Aspekte.

Eine sorgfältige Übereinstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Bleistiften, Kugelschreiber und Farben, durch das Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie zu fixieren, die Dichte des Lichts zu erhöhen und mich selbst hineinzuversetzen, um ein Erwachen eines Selbst zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht ahnte. Etwas Unerwartetes. Genau dieses unaussprechlich Intensivierte, Subtil Angefeuerte, das uns in seinen Bann zieht und uns überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materialisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verschlingen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindlichkeiten, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Individuen. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Offensichtliche. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, der dem Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen Leben verleiht.

Ich begegne einem Weg zu einer neuen Vision seines Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die in einer gemeinsamen Sinfonie übereinstimmen und sich abstimmen; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung. Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns in Bewegung setzt, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychisches Leid hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhörer- und Empfangsmöglichkeit gefunden haben und daher in der Wanderschaft bleiben.“ — René Roussillon, Manual der Psychologie und Pathologie der klinischen Allgemeinmedizin, Seite 146.