Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#366 - S - "Chromatic MR#7".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk "multi‑layer" mit einem glänzenden, glänzenden Finish, das der Anwendung eines Resin-Brechts nahekommt und einzigartig ist.

Abmessungen: 23 cm x 32 cm x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen in Qualitätsausführung der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (9.1" x 0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 70€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer von der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtum meines Heimatlandes geprägten Umgebung auf. Kreativität war in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominiert und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Zuneigung inspirieren können. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den USA über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten mich mit einer breiten Palette kultureller Einflüsse in Kontakt. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und flöß mir die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast drei Jahrzehnte lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, der Welt zu entfliehen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erlebnisse durchleben kann. Durch meine Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Ende 2024 startete ich meine künstlerische Öffentlichkeit und, zu meiner Überraschung, gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Einzug in private Sammlungen in ganz Europa – besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.
Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Soloausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, abseits herkömmlicher Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprühfarben auf die Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während seiner Entwicklung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich erlaube „Zufallsexperimenten“ – alles geht, um den Verstand zu übergehen! – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelwirkungen zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber lassen Sie uns klar sein: In meinen Bildern entscheidet nie der Zufall; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist sowohl herausfordernd als auch befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „rasch konsumierbar“ noch „intellektualisiert / intellektueller Besitz“, sondern Bewusstseinserweiterung und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das Alain Damasio das „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Endziel, noch Zweck haben. Während meine Arbeit gelegentlich Transparenz und Luzidität von Buntglas zu erwecken scheint, bleibt sie fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, je nach neuem Betrachter unterschiedlich. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Austausch zwischen „Details für die Nähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu ermutigen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreichbar ist, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Vorherrschaft, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das zu ihm führt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus zugewiesenem Sinn. Indem ich die Werke als "ohne Objekt" beschreibe und sie als "weder Inhalt noch Sinn" habe, hoffe ich, die Erwartung einer Narration sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Decodieren zu lösen und hin zu einer direkteren Art des Ansehens zu gehen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primat der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, dem, was ich als "Erlebnis des Seins" bezeichne, Raum zu geben. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht“.

Dort, wo Idee auf Hand trifft, liegt der Prozess als verkörperter Gedanke. Die Malerei auf der Rückseite des Plexiglasses, das Arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Befreiung von Kontrolle im Akt des Herstellens. Ich setze Bedingungen, aber gebe das Ergebnis dem Prozess hin, damit die Malerei zu dem wird, was ich einen unabhängigen "Gegenstand für sich selbst" nenne, der erst komplett offenbart, wenn er vollkommen ist. Es ist ein stiller Parallelauszug zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien in sich, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist einwillkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, "etwas zu kommunizieren". Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine fühlbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine zarte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den "unwiderruflichen Notwendigkeiten", gefunden in "Stille und Licht" – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst leise offering.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es "aus sich selbst heraus entstanden" wäre. Ich bin von jenem Moment angezogen, der sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl gewonnen, dass "das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat." Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Form von Informalität, bei der Zufall kein Bruch, sondern ein leiser Mitstreiter ist.

Im Kern suche ich nach dem "le vif" – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt zu Intellektualisierung. Die oft gewählte, bescheidene Größe soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind nicht separate Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf ruhigen Paradoxien gründet, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner