Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Unikat,OriginalGemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#332 - S - " Enough 2 ".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk "multi-layer" dessen brilliante, glasartige Optik, die an die Anwendung eines Harzes erinnert, einzigartig ist.

Abmessungen: Inch 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand verfügbar gegen einen zusätzlichen Betrag von 70€ inkl. MwSt.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitserklärung begleitet es.
Der Lieferung ist eine Versicherung beigefügt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, bin ich in einer Umgebung aufgewachsen, die von der Natur Schönheit und kulturellem Reichtum meiner Heimat geprägt ist. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft wurde.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zur abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort sichtbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Blick, brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und nahm die kreative Energie jedes Ortes in mich auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und auf mein inneres Selbst zu fokussieren.

Ich habe immer großen Genuss am Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich vollständig meiner Kunst. Bis Ende 2024 begann ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa ein Zuhause, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, der abseits traditioneller Maltechniken lag: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles darf passieren, um die Vernunft zu überlisten! – den Verlauf, die Schichten & Spiegelwirkungen, die ich schaffe, zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall niemals die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle "Zufälle" sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine "asketische" Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell bleiben.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern das Erlebnis des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellektualisierung/intellektuelle Besitztümer", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach "Leben am Herzen des Lebens", das, was Alain Damasio als "le vif" bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu Sein noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas anklingen lässt, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der jeder Betrachter seine eigene Silhouette erkennen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich regt das Wechselspiel zwischen "Details für die Nähe" – ein Detail eines Gemäldes ist ein völlig neues Bild – und "Distanz für das Ganze" die Betrachter dazu an, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu anregt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen."

Zur Kohärenz in meiner Praxis

In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und behutsamen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis beruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist eine Rückzugsweigerung von aufgezwungenem Sinn. Indem ich die Werke als "ohne Objekt" beschreibe und darüber hinauslege, dass sie "weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung" haben, hoffe ich, die Erwartung einer erzählerischen Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primat des gelebten Erlebens. In jenen offenen Raum lege ich das, was ich als ein "Erlebnis des Seins" bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinen eigenen Blick auf sich trifft. Wie ich oft feststelle, lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.

Der dritte Punkt ist, wo Idee Hand trifft: Prozess als verkörperte Gedanken. Malerei auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Machens. Ich setze Bedingungen, aber überlasse das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges "Objekt für sich selbst" nenne, das erst vollständig offenbar wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von "bedeutungsvollen ‚Zufällen’", doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur ist sorgfältig aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine milde Nostalgie schwebt in der Arbeit, doch sie richtet sich seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den "unverrückbaren Notwendigkeiten", gefunden in "Stille und Licht" – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst leise bietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als ob es "aus eigenem Antrieb entstanden" wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als vollkommen unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass "das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat." Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern ist dies eine Suche nach "le vif" – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft gewählte kleine Maßstab soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner