Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#332 - S - " Enough 1 ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales "Multi‑Layer"‑Werk, dessen glänzendes, resinähnliches Finish sehr speziell ist und einzigartig wirkt.

Abmessungen: 22 x 32 x 0,3 cm (8,7" x 12,6" x 0,12") ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmenqualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (8,5 cm x 1,38 cm x 0,6 cm) empfohlen und bei Versand für einen zusätzlichen Betrag von 70 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Kunstwerk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein in Paris ansässiger Schweizer Maler, Bildhauer und Autor. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes umgeben auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe entfachen können. Zunächst zog es mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie meiner Erforschung des menschlichen Daseins und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben entsprachen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die ganze Welt führte – von den USA bis Marokko, Belgien über Asia bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten mich eine Vielzahl kultureller Einflüsse vor Augen. Überall, wo ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und spürte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise am Rand brauend. Fast drei Jahrzehnte wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und zu meinem inneren Selbst zu finden.

Ich habe in der Malerei stets große Befriedigung gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Ausscheiden aus der Geschäftswelt, bleib ich vollständig der Malerei verpflichtet. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich ganz meiner Kunst. Gegen Ende 2024 begann ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand in Privatbesitz in ganz Europa ein Zuhause, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Kunstansatz, der sich von traditionellen Maltechniken abwenda: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, umDenken zu durchbrechen! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Um es klar zu sagen: Bei meinen Bildern übernimmt das Zufällige nie die Entscheidungen; höchstens stellt es Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit grosser Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie resoniert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, doch erhält jedes Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich erkenne, was wir wahrscheinlich finden, wenn wir still und hell werden.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Sinn oder Zweck haben. Obwohl meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwören mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann – für jeden neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Spiel von Licht, Farbe und Struktur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich ermutigt das Wechselspiel zwischen „Detail nah“ – ein Detail eines Gemäldes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“, die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und bleibe demütig gegenüber dem, was erreichbar ist. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, zwingt mich, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, ein Weg, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Zur Kohärenz meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in der Konzeption und Form gleichberechtigt sind, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Überlegenheit, sondern durch Präsenz definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht in Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Denken und Prozess, das dessen Entstehung ermöglicht.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus einer aufgezwungenen Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung behutsam zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Betrachtens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Priorität gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum stelle ich, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, sondern zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – gestaltet durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie oft betone ich, lebt das Stück – es lebt, es verändert sich, es sieht.

Die dritte ist dort, wo Idee und Hand zusammentreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Die Malerei auf der Rückseite des Plexiglasses, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, aber gönne mir das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein eigenständiges „Objekt für sich“ nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb klarer Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird sorgfältig gebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverhandelbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Präsenz, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Mir zieht es zu dem, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich gelernt, dass „das Zeitalter des Informellen erst begonnen hat“. Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, vielleicht mit weniger Leidensdruck und mehr Ruhe – eine Form von Informalität, bei der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft gewählte überschaubare Maßstab soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxa gegründet ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner