Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#378 - S - " Cities ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein originales Werk "Multi‑Layer", dessen glänzende, resin-ähnliche Oberfläche einzigartig ist.
Transparenz ist auf dem Druck vorhanden.

Abmessungen: Zoll 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmenqualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzliche 70 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein in Genf geborener Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai gezeigt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich meine Lebensliebe werden sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im Format A4 und dann A3 – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, herrisch und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hin.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist sehe, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den USA über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont, brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes mitreißen.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still in mir kochend. Fast dreißig Jahre wurde Malerei zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, sich von der Welt zu lösen und sich auf das eigene Innere zu konzentrieren.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität teste, neue Techniken erkunde und echte Erfahrungen lebe. Durch meine Kunst hoffte ich stets, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rückzug aus meine Geschäftsleben, habe ich mich ganz dem Malen gewidmet. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch an Anerkennung und fand in Privatkollektionen in ganz Europa ein Zuhause, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", am Ende von 2024 in Paris zeigte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Während des Prozesses habe ich kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um die Vernunft zu umgehen! – das Ergebnis, die Schichten & Spiegelwirkungen, die ich schaffe, zu leiten, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Doch klar gesagt: In meinen Bildern trifft der Zufall niemals die Entscheidungen; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell werden.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern Erfahrung des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "intellektualisierung / intellektuelle Besitznahme", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Kern des Lebens", nach dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Ziel, noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erhaschen kann, unterschiedlich je neuer Betrachter. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Spiel von Licht, Farbe und Struktur sowie die fehlenden Teile erfordern nur Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich beanspruche nicht, alle Antworten zu haben, und bleibe demütig, was erreichbar ist. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im stetigen Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Art, sinnvolle Gespräche zu entfachen – eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Der tägliche Umgang multipliziert die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, wo Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht in Plexiglas – sind das ruhige Ergebnis einer langen, bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ihm ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis beruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus aufgezwungener Deutung. Indem ich die Werke als “ohne Objekt” beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Entschlüsseln zu lösen und zu einer direkteren Art des Betrachtens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primacy der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, dem, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, Raum zu geben. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft bemerke, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite des Plexiglases, Arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber überlasse das Ergebnis dem Werk, lasse es zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig sichtbar wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotographischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von bedeutsamen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur ist mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Botschaft, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, strebt jedoch ein Ergebnis an, das autonom wirkt, als wäre es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem hin gezogen, was sich als vollkommen unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinne habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual und mehr Gelassenheit – eine Informalität, bei der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitspieler ist.

Im Kern ist es eine Suche nach dem „Le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher der unmittelbaren Erfahrung als der Intellektualisierung zu. Die oft gewählte bescheidene Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe erfahren, dass eine Praxis, die in stillem Paradoxon verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner